Victoria de Samotracia: Una Joya del Arte Helenístico

La Victoria de Samotracia: Una Joya del Arte Helenístico

Obra de Pithókritos de Rodas?

La Victoria de Samotracia, una escultura helenística que data aproximadamente del año 190 a.C., se alza majestuosa con sus 2,45 metros de altura en el Museo del Louvre, París. Esta obra maestra, posiblemente creada por Pithókritos de Rodas, es una pieza original proveniente del Santuario de Cabiros en Samotracia. Fue tallada en mármol, en bulto redondo, y originalmente formaba parte de un espectacular conjunto escultórico. Se encontraba elevada sobre la proa de un barco de piedra, en la cumbre de un santuario rocoso, y se cree que una fuente a sus pies reflejaba su imponente figura.

Tema: La Diosa Alada de la Victoria

La escultura representa a Niké, la diosa griega de la victoria, personificada como una mujer alada que acaba de posarse con ímpetu sobre la proa de un navío. A pesar de haber perdido la cabeza y los brazos, aún conserva sus alas desplegadas y sus ropas agitadas por el viento marino. Viste un fino jitón transparente, anudado bajo el pecho, que se adhiere a su cuerpo. Los innumerables pliegues de su vestimenta fluyen alrededor de su figura, realzando sus bellas formas. Su peso descansa sobre la pierna derecha, mientras que la izquierda se extiende hacia atrás, creando una suave y larga ondulación.

Composición: Dinamismo y Desequilibrio

La composición de la obra es abierta, dominada por líneas diagonales y curvas que generan una sensación de desequilibrio. Vista de frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Lateralmente, se aprecia una gran línea diagonal que se extendería desde la pierna hasta la cabeza perdida. El dinamismo se intensifica con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de Niké se manifiesta en los paños que se agitan y vuelan, y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El escultor ha capturado magistralmente el instante en que la diosa se posa.

Modelado: Expresividad y Maestría Técnica

El modelado de las formas es sumamente expresivo. El artista ha plasmado con gran habilidad los efectos del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran destreza técnica. Delinea con pericia los senos, el vientre y las diferencias de grosor de las piernas. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las formas y las carga de sensualidad y misterio, realzando la belleza de Niké. El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando intensos contrastes de luz y sombra. La factura de la obra es refinada, virtuosa, con un minucioso trabajo de las diferentes texturas, como las telas y el plumaje de las alas.

Estilo: La Culminación del Arte Helenístico

La obra exhibe las características del arte helenístico, el último periodo de la escultura griega: complicación compositiva, ilusionismo escenográfico, grandiosidad, ruptura de la proporción clásica, realismo, ruptura del equilibrio, gusto por el movimiento, tensión dramática, sensualidad, belleza y una notable habilidad técnica. Aunque el autor se inspira en modelos clásicos anteriores, con una clara influencia de Fidias en la técnica de paños mojados, su enfoque es más realista.

Función: Conmemoración de una Victoria Naval

La escultura fue creada para conmemorar una batalla naval en la que los rodenses derrotaron a Antíoco III de Siria. Simboliza el triunfo y la gloria.

El Escultor y su Época: La Escuela de Rodas y el Helenismo

Esta obra, considerada una de las más bellas del mundo antiguo, se atribuye a Pithócritos, un escultor poco conocido de la Escuela de Rodas, una de las principales de la etapa helenística (siglos III-II-I a.C.). A esta escuela pertenecen obras tan célebres como el Coloso de Rodas, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y los grupos escultóricos del Laocoonte y sus hijos y El toro Farnesio.

Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se difundió y fusionó con la oriental, dando lugar a una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Esta es la fase barroca del helenismo, caracterizada por una enorme variedad del gusto: coexistían la idealidad y el realismo, la belleza y la deformidad, los temas dramáticos y los cotidianos, y se representaban todos los estadios del ser humano, desde niños hasta ancianos. Los clientes de estas obras eran la minoría rica y poderosa de la época.

Análisis del David de Miguel Ángel

1. Análisis Material

Escultura tallada en mármol, de una sola pieza y de grandes dimensiones, lo que incrementa su dificultad escultórica. La obra carece de añadidos o postizos de otros materiales.

2. Análisis Formal

Sigue los principios de la escultura clásica, evidentes en la diartrosis, el contrapposto e incluso en la curvatura conocida como la "S praxiteliana". Sin embargo, el idealismo formal se combina con un trabajo muy profundo en el cabello, buscando el contraste de luces y sombras, y una cierta expresividad en la concentración del rostro, lo que lo aleja del Clasicismo griego.

3. Análisis Significativo

Lo que diferencia la obra del Clasicismo Grecorromano es el tema, ya que representa a un personaje del Antiguo Testamento: David. La historia de David, un joven que demostró la protección divina al vencer al gigante Goliat por su inteligencia, con una certera pedrada con la honda, se convierte en un símbolo posterior, en cuanto el valor y la sabiduría pueden ser superiores a la fuerza. Esta simbología es aprovechada en momentos posteriores para ejemplificar los valores del poder político.

Conclusión

La tendencia a la inspiración en los modelos clásicos, pero con temas cristianos, sugiere que se trata de una obra del Renacimiento italiano. La perfección formal y la fuerza expresiva nos llevan a pensar que se trata de una obra de Miguel Ángel, concretamente el David, que se conserva en el Museo de la Academia de Florencia.

Comentario sobre Miguel Ángel y su Obra

Miguel Ángel fue un artista florentino que nació a finales del siglo XV (1475) y murió en la segunda mitad del siglo XVI (1564). Se formó en Florencia, copiando obras de la Antigüedad. Más tarde se trasladó a Roma, donde presenció la recuperación del Laocoonte, obra que le impresionó por su expresividad, movimiento y desarrollo muscular.

Obras y Proyectos Destacados

• San Pedro del Vaticano: Nombrado arquitecto de las obras, su principal aporte fue la construcción de la cúpula y la modificación de la planta de la iglesia. Bramante la había proyectado con dos brazos iguales, en forma de cruz griega, pero Miguel Ángel alargó el brazo longitudinal, alterando su carácter de planta centrada.
• Campidoglio: En Roma, modificó el urbanismo de esta zona emblemática, creando una gran escalera y una plaza.
• Capilla Sixtina: El Papa Julio II le encargó su sepulcro y la decoración pictórica de la Capilla Sixtina. Las bóvedas fueron decoradas con temas del Antiguo Testamento, como la Creación, y del Mundo Clásico, como las Sibilas, anunciadoras del nacimiento de Cristo. En el muro pintó el tema del Juicio Final.
• Sacristía Nueva de San Lorenzo: En Florencia, a petición de los Médicis, construyó la Sacristía Nueva de la Iglesia de San Lorenzo, destinada a ser el panteón de la familia. La decoración escultórica de este panteón se ha convertido en emblemática, con modelos contrapuestos que tendrían gran influencia posterior: La Aurora, El Día, El Crepúsculo y La Noche. En estas obras se aprecia la técnica del "non finito", dejando zonas con formas insinuadas junto a zonas muy pulidas, buscando aumentar la profundidad y la expresividad.
• Biblioteca Laurenciana: También en Florencia, construyó la Biblioteca Laurenciana.

Obras Escultóricas Representativas

• La Virgen de la Escalera (Florencia): Obra de juventud que ya muestra la tendencia a representar figuras de gran desarrollo muscular y la técnica de representar la profundidad mediante planos en bajo, medio y altorrelieve.
• David: Esculpido de un solo bloque de mármol, conmemora la victoria de Florencia sobre las ciudades vecinas.
• La Piedad: Tema recurrente en Miguel Ángel. Destacan la Piedad del Vaticano, la Piedad de la catedral de Florencia, la Piedad Rondanini y la Piedad de Palestrina.
• Esculturas del monumento funerario de Julio II: Esclavos y Moisés, que poseen la "terribilitá", una expresividad que transmite la fuerza interior de los personajes.

Miguel Ángel: Un Genio del Renacimiento

En resumen, Miguel Ángel es uno de los grandes representantes del Renacimiento italiano, un movimiento artístico de los siglos XV y XVI que se caracteriza por la vuelta a los modelos clásicos, el antropocentrismo y un individualismo que permite la creación de modelos originales. Artistas como Rafael, Leonardo y Miguel Ángel crearon obras que han servido de inspiración a generaciones posteriores.