Vanguardias artísticas del siglo XX

Vanguardias: estilos artísticos de la 1º mitad de siglo XX, son una auténtica revolución en el mundo del arte. Fauvismo: libertad en el uso de los colores, que no se corresponden con la realidad. Ej: Matisse. Expresionismo: los artistas ponen los colores y las formas al servicio de representar sus obras. Ejemplo: Münch. Cubismo: trata de representar los máximos puntos de vistas posibles, analítico (descomposición) como el Retrato de Ambroise Vollard de Picasso. Y sintético (muestra las formas) como Naturaleza muerta con silla de rejilla de Picasso. Futurismo: admiran los avances tecnológicos y plasman el movimiento, obras como La ciudad que emerge de Boccioni. Dadaísmo: arte de lo absurdo, provocador. Es la negación del arte, ejemplo Duchamp. Surrealismo: representa otra realidad, el inconsciente, los sueños. Hay dos tipos el abstracto de Miró y el figurativo de Dalí, Magritte. Abstracción: representación no figurativa (manchas, colores, líneas) origen en Kandinsky (pinta la música). Suprematismo: representa la mínima expresión como por ejemplo Malevich y su obra el Cuadro Negro. Neoplasticismo: arte simple con formas y colores puros, su mayor representante de Mondrian en obras como Composición II en rojo, amarillo y azul. Constructivismo: entra todas las disciplinas artísticas en una. Origen del diseño gráfico y publicidad. Arte Paleocristiano: Es el primer arte cristiano que está inspirado en el arte romano. En sus inicios, es un arte clandestino en el que la simbología es más importante que la belleza y la técnica, porque los cristianos no podían manifestar su fe en público. Tras el Edicto de Milán (313 d.C) pasaron de reunirse en las catacumbas a poder reunirse en público en basílicas inspiradas en la arquitectura romana. Arte Bizantino: El arte bizantino es el arte del Imperio Romano de Oriente (siglos IV-XV) y en él confluyen los valores artísticos de la cultura romana, griega y oriental. Su principal aportación técnica es la cúpula sobre pechinas. Sus principales manifestaciones artísticas son las basílicas como la de Santa Sofía de Constantinopla y los mosaicos como los grupos del emperador Justiniano y su esposa Teodora.

Arte Visigodo: Es el arte prerrománico creado por el pueblo visigodo en la Península Ibérica (siglos VI-VIII). Es un arte continuador del arte romano y paleocristiano. Su representación artística principal es la iglesia que se caracteriza por tener anchos muros con pocas y pequeñas ventanas y por el uso del arco de herradura (ejemplo: Iglesia de San Pedro de la Nave en Zamora). También destacan en la orfebrería creando impresionantes joyas como las coronas votivas. Arte Mozárabe: los cristianos, desarrollaron una impresionante riqueza artística al conjugar el arte musulmán con la tradición visigoda. La piedra estaba perfectamente labrada (influencia visigoda) y usaron el arco de herradura de tipo califal, más cerrado que el visigodo, y enmarcado por un alfiz así como capiteles con motivos vegetales abstractos y los modillones de rollo en los aleros y cornisas (influencia hispanomusulmana). Obra más destacada: Iglesia de San Miguel de la Escalada en León. Arte Asturiano: es el arte prerrománico desarrollado en el pequeño reino Asturias en el que se refugiaron los nobles cristianos tras las conquista de Al Ándalus por los musulmanes (siglos VIII - X) concentrándose la mayor parte de sus muestras en Oviedo, la capital del reino. Sintetiza el arte romano y visigodo y añade características propias como la verticalidad de sus edificios, el uso del arco peraltado y la decoración mediante sogueados de columnas y ventanas. Su obra más destacada es Santa María del Naranco. Arte helenístico: conjunto de características de la cultura y el arte de la Grecia antigua adoptadas por otros territorios. Abarca desde la muerte de Alejandro Magno en el s.IV a.C hasta la conquista romana en el s.II a.C. En este período aparecen las escuelas artísticas de Alejandría, Pérgamo y Rodas. Los artistas rompen con la armonía clásica para añadir más tensión dramática, más realismo y nuevos temas. Obras más representativas: Laocoonte, Venus de Milo, Victoria de Samotracia. Arte etrusco: Se desarrolló en Italia entre los siglos IX y II a.C. Sus principales características son el uso del arco y la bóveda, también el orden toscano (con capitel similar al dórico y fuste 1 liso). Sus templos son similares a los templos griegos pero con podio. Los etruscos destacan por la realización de esculturas en sarcófagos y pinturas al fresco de uso funerario. También por las esculturas en bronce de animales, tanto reales como fantásticos. Un ejemplo es la Loba Capitolina. Quattrocento es la primera etapa artística del Renacimiento y tiene lugar en el siglo XV en la ciudad de Florencia con la familia Médici como mecenas. En esta etapa los artistas luchan por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. Entre los artistas de esta etapa destacan Brunelleschi, Alberti, Donatello y Botticelli. Cinquecento es un período del Renacimiento que tiene lugar en el siglo XVI en Italia. Es la fase donde la forma artística alcanza el equilibrio y la perfección. Durante este siglo, Roma, gracias al mecenazgo del papa Julio II, y en menor medida Venecia, desplazarán a Florencia como centro de las artes. Entre los artistas más destacados de esta etapa encontramos a grandes genios del arte universal como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael.

Andy Warhol: fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Influido por el dadaísmo y el surrealismo, el pop art o arte pop convirtió la representación del objeto de consumo de la sociedad industrial en el protagonista de la obra de arte, exaltando el objeto vulgar y la imagen publicitaria como símbolos de la sociedad capitalista, aunque no sin ciertos planteamientos críticos. Sus fuentes de inspiración son la fotografía, el cómic, el cine, los carteles luminosos, los anuncios y la publicidad, los productos de la vida cotidiana. Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. Realiza una pintura superficial, despersonalizada y repetitiva en la que representa, por procedimientos mecánicos, objetos de consumo e ídolos de la época de entre la que destacan obras como: Díptico de Marilyn.

Pollock: fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del Expresionismo abstracto, estuvo influenciado en sus primeras obras por la pintura europea de Picasso y Miró pero el descubrimiento de la expresión de los indios americanos le llevó a iniciar un nuevo camino en la pintura: la pintura gestual y automática basada en el Driping y en el Action painting. Después de colocar el lienzo sobre el suelo y tener la pintura o esmaltes u otros objetos a mano, Pollock solía anular la conciencia bien con alcohol u otras sustancias comenzando a danzar y bailar dejando líneas espontáneas y gotear o chorrear su pintura en diversas capas de manera desenfrenada para que de esta forma aflorara su subconsciente. Cuando pintaba no solía utilizar pinceles sino palos, cuchillos, el propio bote o tubos de pintura experimentando con materiales como barnices, acrílicos, esmaltes, aluminio, cristales, arena... El resultado son líneas y trazos enérgicos que van y vienen como en un torbellino de colores puros (amarillos, grises, azules, negros) en forma de manchas o chorretones (dripping). EJEMPLO: One 

Antonio López: Pintor y escultor, es uno de los principales artistas hiperrealistas de España. Durante la posguerra se fue a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes y junto a otros creó la llamada Escuela madrileña. En Madrid sus visitas al Prado eran frecuentes e idolatraba ante todo a Velázquez. Empiezan a verse en sus obras un interés por la solidez plástica y por las composiciones precisas que acabarán por tener un objetivo: la fidelidad en la representación. La vida cotidiana es la protagonista de su obra artística desde entonces, tratada con un exquisito detallismo fotográfico, aunque al contrario que la mayoría de hiperrealistas, no utiliza fotografías. Su proceso creativo es lento. Para buscar la esencia de lo representado tarda a veces varios años, y a veces no acaba nunca. Su hiperrealismo es ortodoxo. Una minuciosidad y exactitud llevada a cabo con una herramienta: el virtuosismo técnico, que supera la «visión» del objetivo fotográfico. EJEMPLO: Gran Vía de Madrid.

RUBENS: La figura más importante del Barroco en Flandes fue Rubens, uno de los artistas más prolíficos de la historia. Rubens fue un gran admirador del Renacimiento italiano, especialmente de la Escuela veneciana, donde buscó su fuente de inspiración. Considerará a Tiziano como su "padre espiritual" pero también admirará las obras de Tintoretto y Veronés. Se caracteriza por el dominio del color sobre la línea por influencia de la Escuela de Venecia, por dotar a sus figuras de una gran sensualidad con muchas curvas, por su dinamismo y por sus composiciones complejas aunque nunca desordenadas. Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, mitológicos, escenas de caza, paisajes, retratos, etc. Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España, su principal cliente, por este motivo la mayor colección de obras de Rubens se conserva hoy en el Museo del Prado. Entre ellas destacan La adoración de los Reyes Magos, Las tres gracias y El Jardín del amor