Rubens, Bernini y la Escultura Barroca: Pasión, Éxtasis y Fe en el Arte

El Rapto de las Hijas de Leucipo de Pedro Pablo Rubens

El Rapto de las Hijas de Leucipo es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura barroca al óleo sobre tabla situada en la Alte Pinakothek de Múnich.

Composición

• Rubens emplea un encuadre bajo para resaltar el volumen de las figuras.
• La composición es dinámica y compleja. Todas las figuras pueden ser encuadradas dentro de un círculo imaginario que rodea a los caballos y termina en Cupido, quien mira directamente al espectador.
• Se observan líneas zigzagueantes, diagonales y onduladas, así como contrastes de color entre las figuras.

Tratamiento de las Figuras

• Las figuras son realistas, destacando el contraste entre los raptores y las mujeres, así como entre colores cálidos y fríos.
• Las mujeres presentan el modelo de belleza característico de Rubens, con gran volumen y corporeidad.

Expresión

Las miradas de los personajes reflejan deseos y desesperación, mientras Cupido, sereno, parece justificar el acto violento por amor. El ritmo y movimiento de la escena crean una representación dramática y teatral propia del barroco.

Función y Significado

La obra podría tener una función recreativa para los duques de Ferrara. La presencia de Cupido, que ha encendido el amor en los mellizos, podría justificar el acto de violencia.

Contexto

En la sociedad belga del momento, se observa una tendencia hacia la defensa del catolicismo con efectos dramáticos en la luz y el color en la temática religiosa. Sin embargo, la aristocracia y la burguesía comercial muestran preferencia por temas cortesanos, mitológicos y alegóricos, así como retratos. Rubens, además de su exitosa carrera artística, incursionó en funciones diplomáticas, lo que le permitió interactuar con diversos círculos sociales y otros artistas, incluyendo a Velázquez durante un viaje a la corte de Madrid.

Éxtasis de Santa Teresa de Bernini

Esta imagen corresponde con la obra Éxtasis de Santa Teresa, y describe uno de los capítulos de su biografía, en la que la misma Santa Teresa relata que se le apareció un ángel que clavó un dardo en su pecho, al que define de espiritual. Fue realizada entre 1645 y 1652 por Bernini. Su estilo es Barroco, concretamente italiano. Fue esculpida para la Capilla Cornaro de Santa María de la Victoria de Roma.

Análisis

Se trata de un conjunto escultórico de bulto redondo, sin embargo, está concebido para que exista un único punto de vista, el frontal. Está realizado en mármol, aunque aparecen piezas de otros materiales como el dardo que sostiene el ángel, realizado en bronce. La composición es de gran teatralidad, con un amplio uso de diagonales, partiendo desde el mismo cuerpo de Santa Teresa que yace inclinado, la posición del dardo o la mirada del ángel que se dirige en diagonal al rostro de la santa. La factura es exquisita, no sólo por la maestría en la ejecución sino por la variedad de texturas que extrae el artista del mármol: desde la piel sedosa del ángel, los cabellos del mismo trabajados a trépano y la artificiosidad de los ropajes de la santa, a los que no sólo dota de volumen sino de cierta pesadez, lo que hace aumentar el efecto de elevación o levitación de Santa Teresa transportándola a un espacio irreal, que tiene más que ver con el espectro divino que con lo humano, sobre una vaporosa nube.

Bernini supo trasladar las emociones y sentimientos que se experimentan en el encuentro místico. Si observamos el rostro de Santa Teresa, mantiene un gesto contenido lleno de sensualidad. Bernini utiliza este recurso uniendo misticismo y sensualidad, espíritu y carne para hacernos entender, como bien relataría Santa Teresa, el inefable encuentro con Dios. El conjunto además estaría iluminado por una luz cenital, proveniente de un vano de la capilla cerrado por un cristal amarillo, del que se desprenden rayos de luz realizados en bronce, añadiendo más teatralidad, más irrealidad y más misterio a la escena. En los laterales, se situarían dos palcos con miembros de la Familia Cornaro.

Función y Significado

Esta escultura se realizó para la capilla funeraria de la familia Cornaro, así que su función sería decorativa y al tiempo conmemorativa. Su significado sería la unión con Dios después de la muerte.

David de Bernini

David, escultura en mármol realizada por el artista barroco Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. La obra fue encargada por el cardenal Scipione Borghese, uno de los primeros mecenas del escultor y cuyo palacio es hoy la Galería Borghese, una de las principales galerías de arte de Roma, en donde se encuentra la escultura que vamos a comentar.

Análisis de la Obra

La escultura, realizada en mármol blanco y de tamaño natural (1,70 metros de altura), muestra la imagen exenta de cuerpo entero de David, representado justo en el momento en el que tensa al máximo la honda para lanzar la piedra que matará al gigante Goliat. Bernini representa al personaje en un instante de la acción. Apoyado en ambas piernas, éstas se abren al máximo pareciendo querer salirse de su peana, donde apenas apoya los dedos de los pies, único apoyo del pie izquierdo, retrasado respecto al derecho que avanza hacia nosotros. El cuerpo se arquea y se gira retrayéndose violentamente mientras sus brazos tensan la cuerda de la honda para lanzar la piedra. La escultura es típicamente barroca tanto por su composición de líneas abiertas, en forma de aspa o equis, que parecen proyectar toda la energía hacia el exterior, como por la línea oblicua ascendente marcada por la mirada de David, que se dirige hacia un punto fuera de la escultura; así como por la inclinación del brazo que tensa la honda. La obra, aunque tiene un punto de vista principal, obliga al espectador a girar en torno a ella mostrando desde cada ángulo puntos de vista novedosos (visión estereométrica).

David muestra en su cuerpo semidesnudo la tensión y concentración del momento, manifiesta en los músculos y en un rostro ceñudo, cuyo labio inferior muerde fruto del esfuerzo del momento trascendental. En esta ocasión Bernini ha optado por un modelo adulto, lejos del apolíneo de Donatello o del joven de Miguel Ángel, donde prima el realismo frente a la idealización; de manera que David nos aparece como un vulgar pastor, como atestigua el zurrón de piel que cruza su pecho. En una época de mayor puritanismo moral, como consecuencia de la Contrarreforma, Bernini rehúye de representar el desnudo completo de manera que el cuerpo se ve semicubierto por una tela. A los pies esculpe una lira aludiendo al futuro rey poeta así como una coraza, de la que David no hace uso, y que podría simbolizar la superioridad de la fe de David; quien, sin armas, con una simple honda, vence contra todo pronóstico frente a la fuerza, representada por Goliat. Por último, destacar el magnífico pulido de la escultura y los efectos de claroscuro que recorren la obra.

Significado

Bernini muestra en su David un nuevo espíritu, el del barroco contrarreformista en lucha contra el protestantismo, alejado del idealismo humanista que había dejado su sello en las representaciones del mismo tema del Renacimiento. Durante la realización de esta obra, estuvo presente en numerosas ocasiones el cardenal Maffeo Barberini, quien habría de convertirse en ese mismo año en el papa Urbano VIII y acoger a Bernini como uno de sus artistas favoritos.