El Renacimiento Musical: De la Polifonía a la Expresión Madrigalista

Escuela Franco-Flamenca

El Renacimiento musical, particularmente en la escuela franco-flamenca (Borgoña), marcó una transición crucial en la historia de la música. Esta escuela, que fusionó los estilos francés y flamenco, fue fundamental en el paso al Cinquecento (siglo XVI).

Josquin Desprez es una figura central de este periodo. Su obra representa la evolución hacia sonoridades más blandas y solemnes, pero a la vez agradables y accesibles, a diferencia de la música medieval. Un ejemplo destacado es su "Missa L'Homme Armé".

Guillaume Dufay, otro compositor clave, utilizó el cantus firmus en su "Missa L'Homme Armé". El cantus firmus es una melodía preexistente (tenor) que sirve como base para una composición polifónica. Dufay utilizaba el mismo cantus firmus para todas las secciones de la misa, pero con textos en griego en lugar de latín. La música de Dufay se caracteriza por el uso de acordes de tríada y una sonoridad suave.

La "Missa L'Homme Armé" de Josquin, aunque basada en el mismo cantus firmus, presenta sonoridades aún más blandas y un carácter solemne pero agradable, evitando la distancia emocional.

La Canción Profana

La canción profana del Renacimiento buscaba la simplicidad y la expresividad directa. Tendía a ser estrófica, homófona y en lengua vernácula (el idioma local).

• Chanson: Género francés que empleaba un estilo contrapuntístico fluido. La "Chanson de Josquin - Mille Regretz" es un ejemplo notable, con un final acordico.
• Villancicos: Canciones populares en castellano, de carácter estrófico. Su estructura típica era A b b a (vuelta) A, con rimas que reflejaban la influencia de la poesía trovadoresca francesa.
• Frottola: Canción profana italiana, también estrófica.

Petrucci fue un innovador crucial en este periodo, al establecer una imprenta de música que facilitó la difusión de las obras.

Es importante distinguir entre el contrapunto, más propio de la música sacra, y la homofonía, característica de la canción profana. Durante el Renacimiento, se produjo una transición gradual entre la modalidad (sistema musical medieval) y la tonalidad (sistema que se consolidaría en el Barroco).

Desarrollos Instrumentales y Formas Musicales

• Fabardón: Composiciones sacras que se asemejan a una serie de sextas. Se trata de una obra a dos voces con el cantus firmus en la voz superior.
• Basse dance: Danza de principios del Renacimiento. A menudo incluía una segunda sección ternaria llamada "Pas de Brabant", más rápida. Pierre Attaingnant, actuando como arreglista y editor, reunió una colección de basse dances en 1530.
• Variaciones/Diferencias: Agrupación de varias danzas de tempo y carácter contrastantes. También podían ser asociaciones temáticas. Son un antecedente de la suite barroca. Luis de Narváez, compositor para laúd y vihuela, es conocido por sus "Diferencias sobre el tema Guárdame las vacas" y su arreglo de una canción de Josquin.
• Tablatura: Sistema de notación musical utilizado para instrumentos como el laúd y la vihuela. Las transcripciones en tablatura a menudo incluían ornamentaciones y versiones glosadas (con adornos).
• Fantasía, Tocata y Preludio: El repertorio instrumental fue ganando importancia, y surgió un estilo improvisatorio que se manifestaría en formas como la fantasía (de carácter libre), la tocata y el preludio.

El Madrigal: Culminación de la Expresión Vocal

El madrigal, que floreció en el siglo XVI, es una canción profana con texto en lengua materna, principalmente de origen italiano. Es una composición no estrófica, muy expresiva y subordinada a la letra, a la cual adorna y realza con efectos musicales como disonancias y cromatismos. Este estilo se denomina madrigalístico.

Arcadelt es un representante del madrigal temprano, relativamente sereno, donde ya encontramos madrigalismos (recursos musicales que ilustran el texto). Cipriano de Rore buscó elevar el madrigal a una categoría culta. El neopetrarquismo influyó en el madrigal, como se ve en "Mia benigna fortuna", una obra contrapuntística. Gesualdo es un ejemplo de madrigal tardío, muy adornado y expresivo.

Música Sacra en el Renacimiento Temprano y la Contrarreforma

La Reforma Protestante, iniciada por Martín Lutero, tuvo un gran impacto en la música sacra. La Contrarreforma, respuesta de la Iglesia Católica, también influyó en los cambios musicales. Lutero, a diferencia de otras corrientes reformistas más puritanas, estaba a favor de que la música formara parte de la liturgia para facilitar la comprensión de la religión. El Concilio de Trento (1545-1563) definió las posturas de la Contrarreforma.

La música sacra luterana se caracteriza por:

• Pérdida de importancia en comparación con la música profana.
• Exaltación sensorial.
• Canto congregacional: monodia en alemán, con arreglos cada vez más complejos.

El coral luterano es el canto litúrgico de la Iglesia Luterana. Es participativo, estrófico y silábico, equivalente a los cantos gregorianos del cristianismo. La música está al servicio del culto, y la letra debe ser comprensible, no una excusa para la música. Busca "aplacar los ánimos".

En la misa, las partes que no varían se llaman ordinario, y las que sí varían, propio.

Palestrina es el músico más importante de la Contrarreforma. Trabajó al servicio del papado y compuso música sacra con una polifonía más pulcra que la del Renacimiento temprano. Fue influenciado por Cristóbal de Morales, compositor anterior a la Contrarreforma.

La Escuela de Venecia y el Final del Renacimiento

La Escuela de Venecia marca una transición entre el Renacimiento y el Barroco. Empleó la policoralidad, creando efectos de "eco" como respuesta. También se desarrolló la monodia (una sola línea melódica con acompañamiento). Gabrieli es el representante más destacado de esta escuela.

Otros conceptos importantes:

• Contrapunto imitativo: Imitación libre, no estricta como en el canon.
• Motete renacentista: Compuesto en latín, para la liturgia. Se superponen voces, pero de forma menos caótica que en el motete medieval. El intervalo de quinta tiene un papel estructural.
• Ricercar/Tiento: Composiciones instrumentales basadas en la idea del contrapunto imitativo del motete. Los temas se superponen "en escalera", no en bloques.
• Canzona: Polifonía menos densa que el ricercar. Alterna pasajes más acordicos con homofonía (policoralidad con grupos de instrumentos).