Obras Maestras de la Pintura y Arquitectura: Un Recorrido por los Movimientos Artísticos

Los fusilamientos del tres de mayo: Goya y el Preludio del Expresionismo

Francisco de Goya, con su obra Los fusilamientos del tres de mayo, no solo retrata un evento crucial de la Guerra de la Independencia española a principios del siglo XIX, sino que también inicia una transformación en las formas artísticas, adelantándose a vanguardias contemporáneas como el Expresionismo. Esta pintura, enmarcada en la época neoclásica, ya presenta características del Romanticismo.

Contexto Histórico

La obra se relaciona íntimamente con los acontecimientos de la Guerra de la Independencia, donde España se enfrentaba a la Francia napoleónica. Representa un hecho real: el fusilamiento de los protagonistas del levantamiento del 2 de mayo de 1808 en Madrid.

Análisis de la Obra

• Tema: Goya nos presenta una serie de momentos culminantes de la guerra, pero con una originalidad y expresividad únicas. La obra se convierte en un grito de rechazo ante la guerra, un tema universal.
• Tratamiento Formal: La composición se organiza en cuatro grupos:

1. El pelotón de fusilamiento, de espaldas y a contraluz, representado como una máquina de matar inhumana.
2. El grupo del fondo, que espera la muerte, cubriendo sus rostros ante el drama.
3. Los que están a punto de morir, destacando el personaje central que levanta sus manos en un grito de horror, un símbolo del sufrimiento humano.
4. Los que yacen muertos en el suelo, ensangrentados.

• Técnica: Goya utiliza un farol central que crea contrastes entre luces y sombras, con un efecto fantasmal. Predomina la pincelada ancha y pastosa, sin un dibujo definido. Los tonos claros contrastan con los oscuros, y la ausencia de dibujo potencia la deformación formal y el expresionismo.

El Ángelus: Realismo Poético de Jean-François Millet

El Ángelus, de Jean-François Millet, es una obra emblemática del Realismo del siglo XIX. En un contexto de consolidación de la burguesía y la publicación del Manifiesto Comunista por Marx y Engels, los artistas realistas, como Millet, optan por representar temas relacionados con la temática social.

Contexto Histórico

La obra refleja la consolidación de la burguesía en el poder económico y político, y el dominio de la industrialización. Los artistas realistas se inclinan por la representación de temas sociales.

Análisis de la Obra

• Tema: Dos campesinos rezan al finalizar su jornada laboral, en un entorno abierto que aporta una carga poética a la obra. Un ligero contraluz hace que los personajes aparezcan mínimamente indefinidos.
• Tratamiento Formal: La técnica se pone al servicio del tema, con una especial sencillez compositiva. El paisaje sobrio enmarca a los personajes anónimos y monumentales. Las luces doradas añaden una carga mística y poética. Millet utiliza una pincelada suelta y aplica colores dorados y pardos a los personajes, integrándolos en el entorno.

Impresión, Sol Naciente: La Revolución Impresionista de Monet

Impresión, Sol Naciente, de Claude Monet, marca el inicio del Impresionismo en el último cuarto del siglo XIX. La obra surge en un contexto de grandes cambios, como las revoluciones burguesas, la industrialización y los movimientos nacionalistas y obreros.

Contexto Histórico

En 1874, un grupo de artistas, entre ellos Monet, Pissarro y Renoir, se desmarcan del academicismo oficial y realizan una exposición, dando inicio al movimiento impresionista.

Análisis de la Obra

• Tema: Un paisaje del puerto de El Havre, en medio de la niebla de la mañana y al salir el sol. El autor busca captar la vibración y los cambios luminosos del paisaje.
• Técnica: Una revolución total respecto a la tradición clásica academicista. Monet utiliza una pincelada suelta y dinámica, a base de manchas. Aplica tonos sueltos y puros directamente en el lienzo.

Noche Estrellada: La Visión Mística de Van Gogh

Noche Estrellada, de Vincent van Gogh, es una obra clave del Postimpresionismo. Representa una visión nocturna de un paisaje de Arlés, creada durante una crisis emocional y psiquiátrica del artista.

Análisis de la Obra

• Tema: Van Gogh va más allá de la representación del paisaje y las variaciones de luz. Utiliza elementos de la naturaleza que tienden a la distorsión y adquieren una dimensión mística y simbólica.
• Tratamiento Formal: Predomina la línea del horizonte, que separa el cielo y la tierra. Esta horizontalidad se contrasta con elementos verticales, como el ciprés y la aguja de la iglesia. Van Gogh utiliza una pincelada ancha y pastosa, a veces con espátula, de forma febril y frenética, especialmente en los torbellinos expresivos.

El Grito: La Angustia Existencial de Edvard Munch

El grito, de Edvard Munch, es una obra icónica del Expresionismo de finales del siglo XIX. Se relaciona con las vanguardias artísticas, donde los artistas rompen con la tradición y buscan nuevos caminos experimentales.

Contexto Histórico

El siglo XX es una época de grandes revoluciones, como la rusa, y está influenciado por el psicoanálisis de Freud. El arte tiende a un constante proceso de autodestrucción. El Expresionismo, con Munch como uno de sus pioneros, se opone a la tradición naturalista y rechaza las formas agradables.

Análisis de la Obra

• Tema: Munch describe el momento de inspiración de la obra, donde sintió un grito inmenso y profundo de la naturaleza. El personaje del primer plano que grita es el protagonista, acompañado de un entorno de formas distorsionadas y colores discordantes.
• Tratamiento Formal: Munch se aleja de la tradición naturalista, con una tendencia a la transformación-deformación formal. Utiliza una pincelada ancha, pastosa y vigorosa. Los tonos son distorsionados y contrastan los rojos y naranjas. La técnica tiene un valor expresivo, que alcanza su mayor grado en el primer plano, con una deformación fantasmagórica.

Guernica: El Cubismo como Denuncia de Picasso

Guernica, de Pablo Picasso, es una obra maestra del Cubismo, creada en 1937. El acontecimiento que motivó este mural fue la destrucción de Guernica, capital del País Vasco, durante la Guerra Civil Española.

Contexto Histórico

La obra fue un encargo del gobierno republicano para el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Picasso estaba a la cabeza de la vanguardia ligada al republicanismo y antifascismo.

Análisis de la Obra

• Tema: Un grito de repulsa contra la Guerra Civil, que adquiere una dimensión universal y se convierte en un alegato contra la crueldad humana.
• Tratamiento Formal: El Cubismo alcanza sus máximas cotas de desarrollo y expresividad. Picasso utiliza formas geométricas, representación simultánea de diferentes aspectos y objetos, superposición de planos y collage. La organización es piramidal en gran parte del cuadro. Hay ausencia de color, con uso de blancos y negros. Las formas son altamente expresivas y simbólicas: el toro representa la brutalidad; la madre con el niño muerto llama la atención por su grito; el soldado decapitado en el suelo; el caballo atormentado en el centro representa al pueblo; la flor invita a la esperanza; y la figura de la derecha que levanta los brazos recuerda a Los fusilamientos del tres de mayo.

Marilyn Monroe: El Arte Pop de Andy Warhol

Marilyn Monroe, de Andy Warhol, es un ejemplo emblemático del Pop Art de los años 60 del siglo XX.

Contexto Histórico

Tras la posguerra mundial, la recuperación económica y la estabilidad política impulsan el capitalismo industrial y financiero, llevando al desarrollo de la sociedad de consumo, influenciada por los medios de comunicación. Esto se percibe especialmente en grandes centros urbanos como Londres y Nueva York, donde nace la cultura y el arte Pop.

Análisis de la Obra

• Tema: Reproducción en serigrafía de la famosa sex symbol Marilyn Monroe. Warhol también reproduce retratos de otros famosos, como Elvis Presley, todos próximos a la estética de un cartel publicitario.
• Tratamiento Formal: Destacan los colores puros, sin mezclas. La simplificación formal es lógica, utilizando formas y colores imprescindibles. Warhol se ayuda de la fotografía y la serigrafía. Marilyn está representada como un objeto de deseo. El propósito es hacer accesible el resultado final. El Pop Art surge como reacción al intelectualismo y elitismo de corrientes artísticas anteriores, como el Informalismo Europeo o el Expresionismo Abstracto.

Fábrica Fagus: Funcionalismo y Racionalismo en la Arquitectura de Gropius

La Fábrica Fagus, diseñada por Walter Gropius y Adolf Meyer, es un ejemplo clave de la arquitectura funcionalista-racionalista en Alemania durante el siglo XX. Está asociada a las vanguardias artísticas.

Contexto Histórico

Los cambios en el desarrollo y consolidación de la economía capitalista-industrial y el progreso científico-técnico influyen en nuevas formas arquitectónicas. Artistas como Gropius plantean una arquitectura acorde con los tiempos, más económica y racional. Gropius estaba interesado en el diseño, como se refleja en la Bauhaus, la Escuela Alemana de Arquitectura y Diseño.

Análisis de la Obra

• Características: La Fábrica Fagus presenta importantes novedades. Se concibe una fachada recubierta de vidrio, soportada por columnas de acero, incluso en los ángulos. Busca formas sencillas y una arquitectura funcional. El resultado final está marcado por un dominio de rectas básicas, como el prisma. Se combina la técnica y la belleza. Se obtiene el máximo partido a los nuevos materiales, como el hierro, el acero, el hormigón y el cemento armado. Permite la conexión entre el espacio interior y exterior. El uso del cristal como elemento sustitutivo de muros genera espacios amplios y luminosos. Consigue una arquitectura que aúna intereses individuales y necesidades sociales.