Obras Maestras Desveladas: Canova, David, Goya, Eiffel, Gaudí, Picasso y Matisse

El Juramento de los Horacios, J.L. David

: Analisis Es una composición equilibrada y simétrica, el eje de la cual es el padre, que divide a los personajes en dos grupos distribuidos de forma equilibrada. A la izquierda los Horacios, y a la derecha las mujeres. Es típico de la pintura neoclásica buscar composiciones claras, aquí lo podemos observar en que disponen a las figuras de forma ordenadas, de forma paralela al plano del cuadro, en correspondencia con la arquitectura.Las figuras están divididos en dos grupos: el de los hombres, a la izquierda, que simbolizan el acto heroico de jurar hasta la muerte, y el de las mujeres, a la derecha, que simbolizan el sentimiento.La composición es ordenada, al igual que en los relieves romanos. La pintura neoclásica se caracteriza por presentar figuras claras, donde sus contornos son precisos y hay un predominio del dibujo. Este predominio del dibujo hace que las formas sean más precisas. Estas son las mismas formas que usaron los hombres del Renacimiento y del Mundo Clásico, formas en las que la figura y el fondo no se fusionan.La luz es fría, natural, al servicio del dibujo y de la forma, ya que debe resaltarlos. Esto es influencia de Caravaggio. La luz procede de la parte izquierda del cuadro y da un aspecto de teatralidad a la obra, creando volúmenes a los cuerpos, porque se concentra en los elementos más esenciales.El color es frío y racional. Sólo el rojo de las túnicas da una sensación más cálida y emocional. Los colores son puros, no se mezclan.La creación del espacio se basa en la perspectiva clásica, marcando un punto de fuga en las manos del padre, hacia las espadas. También encontramos otro punto de fuga en las cabezas de las mujeres.Las expresiones son tensas, porque los músculos estañen tensión, lo cual se acentúa con el ritual del juramento con las espadas. Esta actitud contrasta con la actitud más pasiva, de desconsuelo, de las hermanas. Para acentuar esta tensión coloca la figura de manto oscuro con los niños. Hay un gran naturalismo que se ve en el estudio de la anatomía. La luz al incidir en los cuerpos les da una sensación de volumen. Este naturalismo lleva a David a estudiar las proporciones. Comentario: Esta obra pertenece a la segunda etapa de las tres en las que se divide la obra de Goya: Primera etapa (1760-1792): Es la etapa de pintura alegre y jovial. Esto se refleja en las pinturas que realizaba en cartones para los tapices de la Real Fábrica. Esta etapa se caracteriza por la composición neoclásica: figuras agrupadas mediante esquemas geométricos. Se representaban temas populares. Segunda etapa (1792-1808): Esta etapa marca la primera crisis de Goya. Es la etapa de los retratos, a la que pertenece la obra que hemos visto, así como la serie de Los Caprichos, donde Goya satiriza los errores humanos comunes a toda la sociedad: gula, vanidad, etc. Esta sátira se inicia tomando los problemas, en general. Todos llevan abajo un título. Son ochenta planchas. En esta época Goya realiza los mayores retratos de la aristocracia. Tercera etapa (1808-1828): Esta etapa marca la segunda crisis de Goya, y que se extiende hasta el año en que muere (1828). Es el momento en que vive las consecuencias de la invasión napoleónica (la Guerra de la Independencia). Goya la va a vivir con amargura, producto de la cual aparecen una serie de gravados que él titula Los desastres de la Guerra. El protagonista de estos gravados es el pueblo, que es degradado por la guerra. En estos cuadros representa la crueldad, el hambre, la injusticia, ..., y lo irracional de la guerra. También se refleja esta misma temática en dos cuadros que realizó en 1814: El fusilamiento del 2 de mayo, y El fusilamiento del 3 de mayo. Dos años más tarde, cuando tenía 70 años, y después de la etapa trágica de la guerra, desarrolla una serie de gravados al aguafuerte (en blanco y Negro), que reflejan escenas de los toros. Hacia 1820 se va a vivir a una casa a las orillas del Manzanares, y pinta las famosas pinturas de La Quinta del Sordo, que son las pinturas negras en las que había que destacar las escenas de brujería, como es el aquelarre, la romería de San Isidro, el dios Saturno devorando a su hijos, ...Desde el punto de vista de la aproximación histórica, Goya vivió de 1746 a 1828, etapa que corresponde al reinado de Carlos III y Carlos IV. Fueron años en los que se intentó introducir el reformismo mediante la Ilustración. Goya vio como con Carlos III triunfan algunos de estos intentos reformistas, pero con su sucesor, Carlos IV, estos intentos de reforma se ven frenados porque surge un choque entre la minoría reformadora ilustrada y la mayoría conservadora, que no quiere cambiar el status existente. Precisamente en este ambiente de confusión y enfrentamiento social habría que situar la ejecución de Los Caprichos de Goya. Los Fusilamientos del 3 de mayo Goya.:ANÁLISIS:La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando la técnica del óleo. La composición se divide en dos partes fundamentales; la primera, a la izquierda, la compone un grupo de civiles, unos doce, en distintas posturas; uno se tapa la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los brazos abiertos... La parte de la derecha la conforman un grupo de seis soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. En el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del Príncipe Pío. Y al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición.

Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros. Podríamos decir de esta composición que sigue un "crescendo" cromático que va desde el blanco de la camisa del civil, hasta el negro de algunas vestimentas de los soldados.Comentario:Se trata de una pintura del pintor aragonés Francisco Goya y Lucientes, titulada El tres de Mayo de 1808 o Los fusilamientos de la Moncloa. Fue pintado en 1814. No se sabe muy bien para que fin fue concebido, aunque todo hace pensar que fue pensado para ser ubicado en alguna arquitectura efímera. Ingresó en el Museo del Prado a principios del siglo XIX( y que es donde actualmente se encuentra), aunque no se expuso hasta 1868, según cita algún catálogo de la época. El acontecimiento plasmado en el cuadro ocurrió en 1808. Napoleón había invadido España y la casa real tenía que seguir sus órdenes. El 2 de mayo de 1808, una parte del pueblo de Madrid intenta evitar la salida del infante Don Francisco de Paula hacia Francia ordenada por los franceses. La situación se descontroló y las tropas francesas dispararon contra los madrileños, en lo que se conoce como el levantamiento del 2 de mayo. El estallido de la Guerra de la Independencia en mayo de 1808 supone un grave conflicto interno para Goya, ya que su ideología liberal le acerca a los afrancesados y a José I, mientras que su patriotismo le atrae hacia los que están luchando contra los franceses. En el lienzo se puede ver una visión patriótica de los hechos acaecidos el 3 de mayo de 1808 en Madrid. Fue pintado años después de los acontecimientos, y no se sabe si llegó a presenciar los hechos. Lo que si sabemos es que Goya pretende llamar la atención reflejando en el cuadro un sentido de cronista fotográfico. Con sus pinceles plasma cómo pudo ser el episodio que encendió la guerra con toda su violencia y su crueldad para manifestar su posición contraria a esos hechos y dar una lección contra la irracionalidad del ser humano, como correspondía a su espíritu ilustrado. La ejecución es totalmente violenta, con rápidas y gruesas pinceladas, así como grandes manchas, como si la propia violencia de la acción hubiera invadido al pintor.Torre Eiffel.: analisis: Tiene 300 metros de altura. Se iergue sobre cuatro enormes pies, unidos por estructuras arqueadas que recuerdan los ojos de los puentes de hierro que eran la especialidad de Eiffel. En los arcos de unión de los pies hay una clara idea decorativista, con una ornamentación trenzada. La torre se desarrolla con una gran verticalidad, ya que a partir de la primera plataforma, el trazado piramidal produce un estrechamiento muy pronunciado que acentúa la sensación de verticalidad. Es una estructura abierta lo que resalta la función estética de la torre, porque es toda ella la que se recorta en el cielo, no sólo la silueta y el volumen interior; así transmite una sensación de ligereza que no se corresponde con su peso real.

La torre es una construcción sin ninguna otra función que la de hacer visible los elementos de su propia estructura. Se convierte en un símbolo de modernidad que se levanta por encima de los símbolos tradicionales como las torres de Notre Dame o la Cúpula de los Inválidos. Es un monumento carente de contenido conmemorativo: no celebra ninguna victoria ni hecho del pasado, sino el éxito del presente y del futuro. La función pierde importancia y son los elementos puramente constructivos los que prevalecen: estructuras de piezas de hierro entrelazadas, el cálculo de la dilataciones del metal y e las tensiones, etc. Comentario: La construcción de esta obra arquitectónica se encargó a Gustave Eiffel. Se trata de un monumento emblemático que representara el triunfo de la técnica en el mundo moderno. Fue construida en París en los años 1887-1889 para la Exposición Universal del mismo año 1889, año en el que se celebraba el centenario de la Revolución Francesa. Pertenece a la Arquitectura del hierro y de los nuevos materiales. Su característica fundamental es que da importancia primordial a la búsqueda de soluciones técnicas para nuevos problemas constructivos (puentes, naves industriales, etc.), basadas en la utilización de materiales innovadores, puestos al alcance de los constructores por la revolución industrial. La escuela de Chicago, a finales del siglo XIX, representa la consagración de los nuevos materiales y de las nuevas técnicas, e inicia el movimiento moderno en la arquitectura. La utilización del hierro como elemento fundamental en las estructuras constructivas se inicia en la construcción de puentes y estaciones de ferrocarril. Pero pronto se descubren las grandes posibilidades que ofrece para cualquier tipo de construcciones. Son los ingenieros, formados en un espíritu utilitario, quienes introducen los nuevos materiales, mientras los arquitectos tradicionales continúan considerándose creadores de belleza, preocupados sólo por la forma. El gran triunfo de la arquitectura del hierro y del cristal llega con la celebración de las Exposiciones Universales, grandes muestras creadas para exaltar las conquistas de la industria, el comercio y las artes. La primera de estas exposiciones se celebró en Londres en el año 1851 para la cual el arquitecto Joseph Paxton diseñó el Crystal Palace. Para la Exposición Universal de París de 1889, se crearon dos edificios importantes: La galería de las máquinas, por Dutert y Conttancin, y La Torre Eiffel. la casa Milá: Análisis Tipo de edificio: Es una arquitectura doméstica. Tipo de material: Está hecha en piedra y ladrillo en la que ya se utilizan los materiales nuevos como el hierro, el vidrio y las cerámicas pintadas. La piedra presenta un tipo de talla granulosa lo que le otorga una consistencia casi geológica. La combinación de los bloques de piedra con formas vagamente orgánicas y el hierro de los balcones, crean una fuerza expresiva tan fuerte, que ha hecho ver a algunos autores (Oriol Bohigas) un antecedente de la arquitectura expresionista. Gaudí utiliza la piedra con una intencionalidad escultórica de la misma manera que lo harán los expresionistas con el hierro. La distribución del espacio en la planta se hace de manera totalmente libre y caprichosa, organizando el edificio con formas irregulares en torno a dos patios desiguales que Gaudí convierte en auténticas fachadas interiores. Los patios son amplios y originalmente estaban decorados con pinturas al fresco. Ha roto con el concepto de simetria tradicional en la organización de la planta. Este juego caprichoso en la organización de la planta es posible por la utilización de un sistema constructivo sumamente audaz y avanzado para su época: la sustitución de los muros de carga por estructuras de hierro permite concentrar todo el peso en unos puntos concretos e introducir la línea curva en el diseño de la planta, dando una sensación de movimiento, transmitiéndose a todos los pisos y a todo el alzado. Las formas que definen la planta son curvas, es un planta en movimiento. El proyecto primitivo de Gaudí introducía en la planta una rampa que, desde el garaje, permitía subir con los vehículos hasta los pisos superiores. La gran cantidad de espacio que tenía que ocupar la rampa hizo que se renunciara al proyecto.Comentario:A. Gaudí. Nació en Reus en una familia de forjadores del hierro. Desde pequeño aprendió el oficio artesanal del trabajo del hierro. Se formó como arquitecto en Barcelona, donde llevó a cabo la mayor parte de su obra. En ésta podemos destacar varias etapas:1ª) Etapa de eclecticismo francés: a la que pertenece la cascada del Parque de la Ciudadela de Barcelona. 2ª) Etapa mudejar u oriental: se descubren unas estructuras de tipo gótico o islámico con una decoración naturalista. Hay utilización de elementos orientales (azulejos, celosías, colores que le sirven para formar ambientes misteriosos). Pertenecen a esta etapa la Casa Manuel Vicens en Barcelona y el Palacio Güell (calle Conde del Asalto). 3ª) Etapa goticista: aparece el culto a la arquitectura medieval, sobre todo al gótico. De esta etapa son el Palacio Episcopal de Astorga, la Casa de los Botines en León, y la Casa Calvet (calle Caspe nº 52).4ª) Etapa de madurez: es la aplicación plena del modernismo. Pertenecen a esta etapa el Parque Güell, la Casa Batlló y la Casa Milá o la Pedrera.Fecha: Se construyó entre 1906-1910.Lugar: Està situada en el Passeig de Gracia de Barcelona nº 92 y ocupa parte de una de las islas de l'Eixample, en la cantonada con la calle Provenza 6.Estilo: El Modernismo en Cataluña fue un movimiento artístico que se inició en Europa hacia 1890, alcanzó su apogeo hacia finales del siglo XIX, y concluyó más o menos hacia 1905 en Europa. Hacia 1914 se inició en España. Nace en Bruselas y se difundió rápidamente por Francia (Art Noveau), por Inglaterra (Modern Style), por Alemania (Jugendstil), por Austria (La Secesion), por Italia (El Liberty) y por España (Modernismo). Guernica: Análisis El cuadro de Guernica, está pintado en blanco y negro, con diferentes tipos de grises y hasta unos tonos azules que apenas se aprecian. Es posible que esta elección de color se deba a que Picasso se percató del bombardeo por parte de la aviación alemana a la ciudad vasca de Guernica (1937) a través de los periódicos. Otra explicación es que el pintor malagueño quisiera transmitir su pena, angustia e indignación representando este ataque como una obra teatral. Para realizar esta obra de enormes dimensiones (349 x 776 cm) recorrió al cubismo para dar un aspecto más agonizante. Las diferentes figuras del cuadro presentan grandes bocas abiertas, ojos desorbitados y cuerpos deformados. Composición El Guernica es un cuadro que consta de ocho figuras que sufrieron diferentes cambios mientras eran pintados. Se podría decir que aunque Guernica parezca un lienzo desordenado Picasso estudió mucho la posición y la forma de los diferentes componentes. Antes de ponerse a pintar la obra final, hizo diferentes estudios de lo que seria el Guernica que conocemos actualmente. El lienzo está formado por una pirámide central coronada por la bombilla, la vela que sostiene la mujer que sale de una ventana y la cabeza agonizante del caballo. Esta pirámide encierra el cuerpo del caballo, la mujer semidesnuda de la derecha y el cuerpo mutilado del caballero a la izquierda. A los lados de la pirámide podemos encontrar una mujer con los brazos alzados y la cabeza de la mujer que aguanta la vela a la derecha. En el lado izquierdo podemos encontrar el toro, erguido e impasible a la situación, símbolo español, una mujer que abraza el cuerpo muerto de su hijo y un pájaro. Comentario: Picasso se sirvió de diferentes bocetos para realizar el Guernica final. Estos bocetos tienen su origen en los recuadros de Sueño y mentira de Franco, donde en dos planchas divididas en nueve viñetas a manera de cómic, que ridiculizaba y criticaba al franquismo. Se dice que el Guernica seria la viñeta número trece de esta sucesión de recuadros. En los diferentes bocetos del Guernica, se aprecia siempre el uso del cubismo, estilo seguido y apreciado también por los surrealistas, en el que una figura representa diferentes imágenes, una imagen múltiple. Durante el período de entreguerras. Picasso sigue utilizando el cubismo tanto en pintura como en el collage y la escultura. La guerra civil marca una nueva etapa en su vida y su obra. Picasso abraza la causa de la República y acepta la dirección del Museo del Prado. El Guernica pertenece a la época madura de Picasso y es una de las obras más importantes de todo el arte del siglo XX. Fue pintado a causa del impacto que le produjo al pintor el bombardeo a esta ciudad vasca el 26 de abril de 1937, ciudad mayoritariamente rural y poblada en esos momentos por mujeres, niños y ancianos, ya que los hombres se encontraban en el frente. La profunda sacudida que le provocó a Picasso este hecho se traduce en Guernica, exhibido en el Pabellón Español de la Exposición universal de París de ese año. En el Guernica, se pueden encontrar diferentes símbolos: el toro fuerte, erguido e impasible simboliza el pueblo español, que se defendía del franquismo. A la vez, el caballo o la yegua que se encuentra en el centro del cuadro, simbolizaría la feminidad de España, y el ave que se encuentra volando entre el toro y el equino representaría el deseo de paz y libertad. El resto de personajes representa la agonía, la desesperación y la tristeza, reflejada en los cuerpos deformados, las bocas abiertas y los ojos desorbitados. Función El Guernica representaba un grito contra la ideología y política franquista y fue presentado el mismo año del ataque a la ciudad vasca. Pero a causa del franquismo, tubo que ser retirado y hasta cincuenta años después no pudo ser devuelto. Sueño provocado por una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar Dalí. Analisis:Gala, mujer y musa de Salvador Dalí, levita dormida sobre una roca en un paisaje marino en el que reina la calma. Bajo su cuerpo desnudo flotan también dos gotas de agua y una granada en torno a la que revolotea una abeja. El zumbido de la abeja provoca un sueño en Gala, que se materializa en la parte superior por la explosión de otra granada de la que sale un pez de cuya boca, a su vez, surgen dos enfurecidos tigres y una bayoneta. Es este arma el que, un segundo más tarde, despertará a Gala de su plácido descanso. Aunque en 1944 Dalí residía en Estados Unidos y apenas pintaba, en esta obra retoma su "método paranoico-crítico" que, siguiendo las teorías freudianas, defendía la multiplicidad de significados de las imágenes y que le convirtió en uno de los principales miembros del grupo surrealista.En esta «fotografía onírica pintada a mano» —la manera como generalmente Dalí denominaba sus cuadros— contemplamos un paisaje marino de lejanos horizontes y tranquilas aguas, quizás Port Lligat, en medio del cual, una vez más, Gala protagoniza la escena. Junto a su cuerpo desnudo y dormido, levitando sobre una roca plana, que a su vez flota sobre el mar, Dalí coloca dos gotas de agua suspendidas y una granada, símbolo cristiano de fertilidad y resurrección. Sobre ella vuela una abeja, insecto que tradicionalmente simboliza a la Virgen. El zumbido de la abeja se traduce en la mente de Gala en un sueño en el que la explosión de la granada de la parte superior hace que salga despedido de su interior un enorme pez, del que, a su vez, surgen dos amenazantes tigres y una bayoneta; ésta será la que un segundo más tarde aguijoneará a Gala en el brazo. Sobre ellos, un elefante con largas patas de flamenco, que aparece en otras composiciones de ese momento, lleva sobre su espalda un obelisco —como el elefante de Bernini de la Piazza Santa Maria sopra Minerva de Roma— que simboliza el poder del Papa.Las señoritas de avignon: EL ANÁLISIS Formalmente el cuadro está dividido de manera clara en tres franjas organizadas verticalmente. La parte central es la más “clásica” en cuanto al aspecto, sin embargo se percibe ya en estas dos figuras una compartimentación de sus cuerpos, pese a esto existen referencias a la pintura tradicional de desnudos con especial similitud con las “majas” de Goya, incluso en su posición pues aunque parecen de pie están tumbadas como indica su postura con los brazos tras la cabeza. En estas dos figuras se observa un principio importante de lo que luego sería la pintura cubista, el diferente punto de vista con que se ven partes de una misma obra. De la misma manera que los egipcios utilizaban una ley de frontalidad en la que las figuras aparecían con el rostro de perfil y el torso de frente, Picasso sitúa a estas dos figuras como si se vieran desde arriba, ya que así son mucho más reconocibles que viéndolas desde su mismo plano horizontal. En esta franja los colores son más clásicos, menos fuertes (entre blancos y celestes), y el tono de las dos muchachas es más amable en relación con el de las otras tres. Pero a diferencia de lo que puede parecer en un primer momento, ya que están en el centro, lo más importante del cuadro no está en estas figuras, pues las líneas quebradas que pueblan el lienzo nos hacen llevar la mirada fuera del cuadro. Si queremos mirar el cuadro debemos regresar al lienzo una y otra vez ya que la obra nos lleva fuera de sus limites. Comentario: Pablo Ruiz Picasso, posiblemente el artista más influyente de todo el siglo XX, nació en Málaga en 1881, hijo de un profesor de dibujo, demostró desde niño un talento impresionante como pintor y dibujante. Desde Barcelona (donde se inició en la pintura) se desplazó a París definitivamente en 1904 donde contactó con los postimpresionistas y los fauvistas, y donde desarrolló los periodos “azul” y “rosa”. Hacia el año 1907, y tras realizar “Las señoritas de Avignon”, inicia su colaboración con Braque de la que surge (partiendo de las enseñanzas de Cézanne) el cubismo entre los años 1908 y 1914. A partir de este momento Picassomantiene contacto con todos los movimientos artísticos de la primera parte del siglo, ocupando un importante lugar entre los surrealistas, pero con vueltas al clasicismo en ciertas épocas de su vida. Al residir siempre en Francia (tras la guerra no volvería nunca a España), este país lo ha reivindicado como pintor francés, sin embargo los temas utilizados y sus declaraciones siempre lo situaron al final de la tradición de grandes pintores españoles como Velázquez (con su serie sobre “Las Meninas”) o Goya. Es durante esos años cuando realiza el “Guernica” uno de los iconos de la cultura del siglo XX, alegato impresionante contra la guerra y la muerte de los inocentes. En su larga vejez Picasso fue incluso más infatigable en su producción que durante su juventud, proyectando su sombra sobre todo el arte realizado durante el siglo XX, también tras su muerte en Mougins en 1973.La Raya Verde: Matisse: analisis:La obra representa el retrato de la esposa de Matisse, un retrato duro y colorista que define a la perfección el momento por el que el autor se identifica con sus “fauves” sus composiciones preferidas, sus fieras particulares. La mujer, seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente su mirada del frontal del cuadro, ofreciendo un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo de tensión. Pero lo más importante de la composición es el juego de líneas y de colores que definen el retrato, líneas que definen bruscamente el límite de las formas de la cara y el vestido, y colores poco mezclados, dibujados con aparente falta de orden, y con falta de sentido común en la aplicación. Destaca sobre todo la famosa raya verde que da título al cuadro, y que delimita de una forma brusca los dos lados de la cara.Y que para definir la zona más iluminada de la más obscura se emplean dos colores como el naranja y el rosa , que no se corresponden con una representación naturalista de un retrato.  La composición de colores del cuadro produjo un especial horror en el Salón de Otoño de los fauvistas en 1905, la gama de colores brillantes no sólo se aplicaban al fondo o a las ropas, sino al rostro, lo que hacía la pintura aún más provocativa. Comentario: La formación de Matisse es lenta y la alterna con viajes a Londres e Italia. Hasta 1899 su producción gira en torno a los impresionistas, pero a partir de esa fecha, y hasta 1904, período conocido como oscuro, recibe la influencia de los nabis y de Cézanne y realiza bodegones y paisajes de gran solidez estructural y planos de color, como puede apreciarse en Platos y fruta (1901) y Bosque de Boulogne (1902). En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, en el que sigue el neoimpresionismo, pero ya se anuncia el fauvismo, que estallará en el verano de 1905 en Colliure. Esta obra fue muy criticada por Denis, que la define como «esquema de una teoría». En Colliure pinta cuadros que todavía siguen de cerca los métodos puntillistas, como Mujer con sombrilla, para alcanzar una libertad y espontaneidad absolutas en otras obras, como Vista de Colliure. Unos meses después, en el Salón de Otoño, expone una obra —que fue adquirida por los hermanos Stein—, Mujer con sombrero, en la que es apreciable la evolución del método cromático que le lleva a descubrir que la interacción de los colores planos dota de  coherencia a la obra; en 1906 pinta "La alegría de vivir", que puede ser considerada una obra tradicional en cuanto al tema, pero absolutamente moderna y libre por su factura. En mayo de 1906 realiza un viaje de dos semanas a Argelia, donde visita el oasis de Biskra. Curiosamente no realiza allí cuadro alguno, pero a su regreso a Francia pinta en Colliure la obra Desnudo azul (Recuerdo de Biskra), en cuya realización se puede observar la influencia de la escultura africana y la utilización de colores poco diferenciados. El Desnudo, en el que domina la línea, puede relacionarse con alguna de sus esculturas. Matisse se lleva a París cerámica popular y otros objetos de Biskra que aparecen representados en ocasiones en sus obras. África y su exotismo le entusiasman, y realiza diversos viajes entre 1911 y 1913 y en 1923 a Tánger, que modifican por completo la luz y el color de su obra, como puede observarse en El taller del artista (1911), Paisaje visto desde una ventana (1912-1913) y otras.