El nacimiento de Venus. Botticelli ficha técnica

1.-Carácterísticas generales:
1. La imitación de la Naturaleza: 

En esa “imitación” el pintor renacentista selecciona siempre lo más hermoso y para interpretar de la forma más exacta la realidad recurre si es preciso a la profundidad a la expresividad y al movimiento.2. La representación científica del espacio: Toma como modelo la Antigüedad clásica y se concreta en • La aplicación de un sistema de proporción que tiene como punto de partida la representación humana sobre el que investigaron casi todos los artistas del Renacimiento. • La perspectiva geométrica basada en las leyes de la óptica según la cual las imágenes que percibimos de los objetos disminuyen o se empequeñecen con la distancia 3. Temática:
• Temática religiosa: no desaparece la temática religiosa de inspiración medieval aunque cargada de humanismo y representando hechos y personajes actualizados. Los temas religiosos seguirán teniendo gran importancia con algunas variaciones. El Nuevo Testamento y la vida de la Virgen estarán ahora en el centro de interés desplazando al Apocalipsis y en menor medida a las escenas del Antiguo Testamento • El retrato: experimenta un importante desarrollo como consecuencia del humanismo y del culto al individuo. El hombre busca perpetuarse ante el presente o ante la posteridad mediante el retrato individual o en grupo como donante. • Mitología: reaparece la temática mitológica que además de representar héroes o dioses paganos, es un instrumento para exaltar los valores que encarnan o hechos históricos contemporáneos. • La temática fantástica iniciada por El Bosco será continuada por autores como Breughel o Patinir en la escuela flamenca y Archimboldo en la escuela italiana.

4. Aspectos técnicos:

• El pintor renacentista es muy versátil en sus técnicas pictóricas: utiliza tanto el fresco como el temple y el óleo. • La luz se convierte en un elemento, esencial que sirve para registrar las variaciones que provoca en los colores y para potenciar la perspectiva.

5. Principales pintores cuatrocentistas

Son los siguientes (En Italia): • Primera generación: Masaccio y Fra Angelico. • Segunda generación: Piero della Francesca, Antonello de Messina y Andrea Mantegna • Tercera generación: Boticelli, Perugino y Ghirlandaio. • De entre los numerosos pintores del Quattrocento vamos a centrarnos en Massacio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli.

1.- El Tributo de la Moneda o el Dinero del César:

Identificación:

Nombre: El Tributo de la Moneda o el Dinero del César Autor: Tommaso di Ser Giovanni, llamado Masaccio Cronología: Año 1425 Localización: Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmen de Florencia. Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Técnica: pintura al fresco sobre muro Dimensiones: 225 x 598 cms Temática: religiosa

Análisis:

Escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento situadas en la Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmen de Florencia.Se Sitúa en el mismo mural tres escenas consecutivas del mismo suceso, acaecidas una después de la otra, como una narración continua al estilo gótico medieval. La escena representa los tres momentos del episodio en el que Cristo, a quien el recaudador había pedido su pago, con un ademán indica a Pedro que en el agua encontrará el dinero. Pedro saca una moneda de la boca de un pez del lago cercano y la entrega al recaudador. Respecto al significado de la elección de este tema hay diversas interpretaciones: • Según la más clásica, Masaccio se limita a representar los acontecimientos ocurridos a la entrada de Cafarnaúm, donde se exigíó a Cristo y a sus discípulos el pago de una moneda como portazgo.• Según otros autores a través de esta obra se intenta reafirmar la supremacía de la Iglesia sobre el poder político al que no debe pagar impuestos. Respecto al reparto espacial de la escena se ha deducido que Masaccio concibió la perspectiva en función de la relación visual con el espectador, de manera que la escena pareciese una continuación del espacio real de la capilla. Cuida el color y las formas y crea un ambiente en el que el color se suaviza con la distancia y en el que los ropajes, sin adornos, caen simplemente en voluminosos y majestuosos pliegues. Los hechos se desarrollan en un ambiente nuevo, en una ancha llanura, ante una hilera de montañas vistas en profundidad. La entrada a la ciudad está trazada en una perspectiva geométrica muy lograda. Junto a la perspectiva, para conseguir efectos de profundidad utiliza otros recursos como colocar a los personajes de perfil y de espaldas, mezclados con otros de frente. El grupo de la escena principal presenta un rasgo que resulta medieval, la isocefalia. Se trata de una isocefalia sólo aparente, ya que cada cabeza está en un plano distinto de profundidad, además de tratarlas a cada una con individualidad, lo que las convierte en verdaderos retratos. La sombra sirve para enmarcar su relación con el mundo natural que les rodea y su exposición a la luz.

2.-La expulsión de Adán y Eva del Paraíso Terrenal.
Identificación.

Nombre: La expulsión de Adán y Eva del Paraíso Terrenal Autor: Tommaso di Ser Giovanni, llamado Masaccio Cronología: Año 1425 Localización: Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmen de Florencia. Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Técnica: pintura al fresco sobre muro Dimensiones: 208 x 88 cm Temática: religiosa

Análisis:

Situado igualmente en la Iglesia del Carmen, el fresco se encuentra sobre las pilastras de la izquierda de la misma capilla. En el Siglo XVII-XVIII se pintaron ropajes para cubrir el sexo de Adán y Eva, pero al restaurarlo, se han suprimido, volviendo al estado original. El fondo del cielo está formado por una preparación gris azulada al fresco. Resulta una escena de gran intensidad dramática. Presenta la humanidad real en la que un hombre esconde su cara avergonzado y una mujer llora desgarradoramente. Las figuras han sido reducidas a sus formas esenciales, logrando una gran intensidad dramática. La puerta del Paraíso parece cerrarse, impidiendo toda posibilidad de regreso a los personajes, que se alejan por el duro camino de una tierra yerma, bajo la amenazadora vigilancia del Ángel armado. Se aprecian reminiscencias de la estatuaria helenística en el torso de Adán, y también recuerda a las obras de Donatello, en la manera de buscar los efectos anatómicos. En lo que se refiere a Eva, su figura se remonta a las Venus grecorromanas, pero su rostro recuerda en su desesperación al Isaac de Brunelleschi escultura presentada en el concurso para la Puertas del Baptisterio de Florencia.

3. LaTrinidad

Este fresco de gran tamaño se encuentra en la Iglesia de Santa María Novella y representa a la Santísima Trinidad y es una de las obras más interesantes de Massacio: Elementos plásticos: Aunque el paso del tiempo ha ido apagado los colores, este fresco se caracterizaba por sus contrastes cromáticos y por su luminosidad. Predominan los colores rojo y azul, distribuidos diagonalmente entre los personajes bíblicos y los donantes.Composición: Lo que destaca sobre todo es la estructura arquitectónica al estilo de Brunelleschi. Aquí se aplican por primera vez en pintura los adelantos de la perspectiva lineal. La monumentalidad de las figuras, su peso y su volumen no han sido logrados por pintor anterior alguno. El fresco se organiza en torno a los donantes: todo converge perpendicularmente hacia ellos. Es una obra de monumentalidad escultórica. Es de destacar también el perfecto equilibrio entre arquitectura y personajes, el sabio empleo de la luz y la alternancia de los colores, así como el sentido de la monumentalidad Temática:La escena representa a Dios Padre que sujeta la cruz de Cristo y entre las dos cabezas aparece el Espíritu Santo, acompañado por San Juan y María y, arrodillados en primer plano y fuera del marco arquitectónico, dos donantes quizá miembros de la familia Lenzi. Los donantes son del mismo tamaño que los personajes religiosos. En la zona inferior se simula la mesa de un altar con un sarcófago sobre el que reposa un esqueleto. Todo queda enmarcado en una arquitectura clásica: pilastras corintias, columnas jónicas, bóveda artesonada. Interpretación iconográfica: Hay varias hipótesis: La más común es la que interpreta esta obra como la representación del camino que debe recorrer el espíritu para llegar a la salvación, subiendo de la vida terrenal por medio de la oración y con la intercesión de la Virgen y San Juan y de la Trinidad.

3.- PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492)

Aspectos biográficos:

Pintor italiano (Borgo San Sepolcro 1416-Borgo San Sepolcro 1492). Piero della Francesca destaca entre los pintores del Quattrocento por el desarrollo y la profundización en la perspectiva geométrica, iniciada por Brunelleschi; por la construcción de figuras y escenas de fuertes volúMenes y un tratamiento de la luz muy diferente al de sus contemporáneos. Sus pinturas, quizás algo hieráticas en la expresión de sus figuras, sin embargo son un modelo para los autores del primer Renacimiento en el uso del espacio y del color. Las primeras obras del artista permiten deducir una prolongada estancia en Florencia, donde adquiríó lo esencial de su formación guiado por los ejemplos de Brunelleschi, Donatello, Masaccio y Fra Angelico. Pero donde el autor aparece ya como un modelo de las innovaciones pictóricas de su época es en los frescos de La leyenda de la cruz, en la iglesia de San Francisco de Arezzo. Destacan entre todas los registros La muerte de Adán, La batalla de Constantino y Majencio, El sueño de Constantino, El encuentro de la reina de Saba con Salomón y La Anunciación. Todas las escenas del ciclo de Arezzo se caracterizan por su serena grandiosidad y transmiten fuerza y dramatismo en los personajes. En 1459, Piero della Francesca estuvo en Roma para realizar los frescos de las “Estancias” del Vaticano .A esta etapa de plena madurez del artista pertenecen también el grandioso fresco de la Resurrección (Pinacoteca del Borgo San Sepolcro) y La flagelación de Cristo.

1.-La Flagelación de Cristo: 
Identificación
Nombre: La Flagelación de Cristo Autor: Piero della Francesca Cronología: ¿1470? Localización: Galería Nacional de las Marcas en Urbino (Italia) Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Técnica: mixta (óleo y temple) sobre tabla. Dimensiones: 58 x 81 cms. Temática: religiosa

Análisis:

• Composición: Esta tabla incluye dos escenas claramente separadas entre sí por un pórtico de inspiración clásica y por la gruesa línea blanca del suelo (desde la izquierda hasta la columna en la zona central, el área en la que se representa la flagelación y desde la columna hasta el extremo derecho, el área ocupada por tres personajes en primer plano) • La luz proviene del espectador, es diáfana, e ilumina también el recuadro bajo el que está situado Cristo • El color y las formas: la extraordinaria fuerza del arte de Piero se encuentra en la maestría con la que usa el color, que en él se transforma en luz, y en las formas, con las que alcanza un gran valor plástico. El resultado expresivo es la ausencia de emociones, la impersonalidad, la calma solemne manifestada por los personajes representados. Es esa luz clara y fría la que "inmoviliza a las figuras en una expresión impasible y silenciosa"

4.-SANDRO BOTTICELLI .Aspectos biográficos:

Sandro Filipepi, llamado Botticelli. Pintor italiano, de la segunda mitad del Quattrocento. Con él se inicia la última fase del Quattrocento. Trabajó en Roma en tres frescos de la capilla Sixtina; pero fue en Florencia donde se desarrolló casi íntegramente su carrera, favorecida por los Médicis. Discípulo de Filippo Lippi, recogíó también las influencias de la melodiosa pintura de Verrocchio, de la tensión de P. Pollaiolo y de las formas ondulantes del escultor Agostino di Duccio. En sus primeras obras de temática religiosa se ve la influencia de sus maestros aunque reinterpretada por él mismo y creando su propio lenguaje personal. Ya en ellas demuestra el dominio de la pintura de caballete. Fue además un extraordinario dibujante que utilizó el dibujo para conseguir formas flexibles, sinuosas con las que une el fondo y el primer plano. Para los Medici pintó hacia 1478 La primavera, El nacimiento de Venus, Palas Atenea dominando al Centauro y Venus y Marte y se convirtió en el intérprete de las aspiraciones ideológicas de un grupo de intelectuales neoplatónicos que aspiraba a la armónía universal y que identificaba bondad y belleza recurriendo de forma casi natural a la recuperación de los mitos clásicos. Estas obras destacan por el dominio de la línea, las composiciones planas, el detallismo en las formas y colores y la escasa tensión dramática en los personajes. Pintor de éxito, realizó numerosos encargos para cofradías, iglesias y particulares como, por ejemplo, la Historia de Judith, la
Adoración de los magos o la Madona del Magníficat. Sus últimas obras acusan un expresionismo trágico o un aliento visionario reflejo de la crisis moral ocasionada por la predicación de Savonarola Un monje con gran influencia popular que inicia una serie de predicaciones en las que ataca al “paganismo humanista” y propugna el regreso a la penitencia y la religión. Además se produjo la caída de los Medici tras la muerte de Lorenzo el Magnífico. Las ideas de Savonarola influyeron en Botticcelli.

1.- la Madonna del Magníficat.Galería de los Ufizzi. Florencia

Se trata de un tipo de representación muy “popular” y de un estilo plenamente
botticcelliano: la Virgen aparece como una joven doncella pálida de grandes ojos como sufriendo por su propia belleza, pensativa, meditabunda y siempre en una actitud
ensimismada. En este caso concreto, la Virgen se nos representa escribiendo una jaculatoria acompañada de Jesús mientras es coronada por dos ángeles. Un fondo paisajístico nos permite identificar el río Arno lo que nos sitúa en Florencia. En este cuadro ya crea Botticelli el tipo de mujer que luego repetirá: cabellos largos que caen por la espalda, nariz graciosamente curvada, labios doblados ligeramente y ojos de un verde claro.

4.-La calumnia (Galería de los Ufizzi. Florencia)

Se trata de la reinterpretación de un cuadro de Apeles muy famoso en la Antigüedad descrito por Luciano. En realidad se ha querido ver en esta obra , agitada y llena de acción la opinión que le merecíó a Botticcelli la condena por hereje de Savonarola. Técnicamente destaca por su geometrismo, su frialdad y su dramatismo

2.-La Primavera.
Identificación
Nombre: La Primavera.Autor: Sandro Filipepi, llamado Botticelli.Cronología: 1485..Localización: Galería degli Ufizzi. Florencia.Estilo: Renacimiento (Quattrocento).Técnica: Temple sobre tabla.Dimensiones: 203 x 314 .Temática: Mitológica

Análisis:

Es una composición alegórica inspirada en textos de Lucrecio .Sobre un fondo paisajístico, Venus preside el despertar de la Naturaleza. Mientras por la derecha aparece la figura de Flora seguida de la primavera temprana, temerosa de morir en los brazos de Céfiro, el viento de Marzo. A la izquierda aparece el bello grupo de las Gracias asaetadas por un amorcillo. En el extremo del grupo aparece el Dios Mercurio. Botticcelli representa mujeres de cuerpos espigados, casi adolescentes, de largas cabelleras rubias que muestran el ideal de belleza propio del Quattrocentto y que desaparece en el siglo siguiente. Destaca el dibujo de trazo nervioso.

3.- El Nacimiento de Venus:

Nombre: El nacimiento de Venus.Autor: Sandro Filipepi, llamado Botticelli .Cronología: 1485. .Localización: Galería degli Ufizzi. Florencia .Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Técnica: Temple sobre tabla .Dimensiones: 172 x 278.Temática: Mitológica

Análisis:

La composición está perfectamente equilibrada: en el centro sobre una concha, Venus nacida de la espuma del mar, bajo una lluvia de rosas, es llevada hasta la orilla por el soplo de los vientos Céfiro y Aura. En la playa le espera una muchachadispuesta a cubrirla con un manto purpúreo. El soplo del viento enreda los cabellos de la diosa y parece oponerse a la acción de la Gracia, hinchando el manto al aire. El paisaje marino ha sido realizado con líneas sinuosas, que repiten el perfil del cuerpo. El desnudo de Venus, inspirado en la postura de alguna escultura clásica, está construido con líneas curvas que resaltan su perfil. Los colores son tenues, uniformados por el uso del barniz y están enriquecidos por dorados. Es la última obra de tema mitológico de Botticcelli. El único desnudo admitido en el arte era el de Eva, así que este supone
una novedad en la Italia de su época. Los rostros de sus personajes son melancólicos, el trazo nervioso, sensual, los cuerpos alargados e ingrávidos,
elegantes. Los vientos marcan una diagonal, la Gracia un arco y Venus una vertical sinuosa e inestable sobre la concha lo que nos comunica un sentido de movimiento.
No le interesa la anatomía ni los cuerpos musculosos.
En la última década del siglo se produjo en Florencia el derrumbamiento del
entramado pórtico e ideológico que había inspirado su obra anterior. Obras de una
frialdad atormentada. Entre ellas destaca
4.-La calumnia (Galería de los Ufizzi. Florencia)
Se trata de la reinterpretación de un cuadro de Apeles muy famoso en la Antigüedad
descrito por Luciano. En realidad se ha querido ver en esta obra , agitada y llena de
acción la opinión que le merecíó a Botticcelli la condena por hereje de Savonarola.
Técnicamente destaca por su geometrismo, su frialdad y su dramatismo