Música del Siglo XIX: Romanticismo y Nacionalismo

Características Generales de la Música del Siglo XIX

El siglo XIX, un período que abarca casi en su totalidad, representa la época más brillante de la historia de la música, coincidiendo con la Revolución Francesa. Este contexto histórico trajo consigo una serie de transformaciones que influyeron profundamente en la creación musical:

• Libertad del compositor: El compositor ya no está atado a los mecenas, lo que le otorga una mayor libertad creativa.
• Libertad expresiva y formal: Se experimenta una gran libertad formal y expresiva en la composición.
• El auge del Nacionalismo: Surge el Nacionalismo, que refuerza la individualidad del compositor mediante la incorporación de elementos del folclore.
• Contexto español: En España, a pesar de no existir un aislamiento cultural, se entiende la música como “educación para señoritas”. Se observa un gusto por la ópera italiana y la música de Wagner, así como el cultivo de la música de salón y la zarzuela.
• Innovación tecnológica: El metrónomo aparece en 1815, contribuyendo a la precisión rítmica.

Pequeñas Formas Musicales

El piano se convierte en el instrumento de moda, permitiendo la interpretación y la expresión individual del sentimiento. Alcanza su máxima perfección técnica gracias a los grandes fabricantes de pianos, quienes mejoran el sistema de palancas, haciendo el teclado más sensible, y añaden el pedal de resonancia.

Destacan compositores como Franz Schubert, Frédéric Chopin, Robert Schumann y Franz Liszt. Chopin y Liszt, además de compositores, fueron los más grandes intérpretes de su tiempo, rivalizando en virtuosismo.

Grandes Formas: La Ópera

La ópera se consolida como el gran espectáculo musical del Romanticismo, con una gran actividad en toda Europa, incluyendo la construcción de teatros y representaciones en distintos países.

Ópera Italiana

La ópera romántica italiana se divide en cuatro periodos:

• Primer cuarto del siglo XIX: Transición del Clasicismo al Romanticismo. El máximo representante es Gioachino Rossini, con su obra más famosa, El barbero de Sevilla.
• Segundo cuarto del siglo XIX: Periodo belcantista, caracterizado por melodías muy expresivas y una gran exigencia técnica a los cantantes. Está representado por Gaetano Donizetti y, sobre todo, por Vincenzo Bellini con su ópera Norma.
• Segunda mitad del siglo XIX: Romanticismo pleno con Giuseppe Verdi y obras como Nabucco, La Traviata o Rigoletto. Verdi da mucha importancia al papel del coro y define muy bien musicalmente a los personajes.
• Finales del siglo XIX - Principios del siglo XX: Periodo verista, caracterizado por obras de argumento trágico cotidiano y melodías muy expresivas. El principal representante es Giacomo Puccini.

Música Programática

La música programática se construye a partir de criterios estructurales extramusicales. Surge por la búsqueda de formas más libres y abiertas, más adecuadas a la necesidad de expresión romántica. Este género fue muy utilizado por los compositores románticos y nacionalistas que querían reflejar las características de sus países.

Sinfonía Programática

La sinfonía programática es una sinfonía desarrollada en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente literario. Su creador fue el francés Hector Berlioz con la Sinfonía Fantástica (Episodios de la vida de un artista), en la que narra su amor no correspondido por una actriz inglesa.

El Poema Sinfónico

El poema sinfónico es una composición orquestal en un solo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. Su creador fue Franz Liszt (Los Preludios).

El aprendiz de brujo (Paul Dukas)

Poema sinfónico compuesto sobre la balada del escritor alemán Goethe. Narra la historia de un aprendiz de brujo que, aprovechando la ausencia de su maestro, toma su libro de conjuros y su gorro mágico, y pronuncia un encantamiento para que una vieja escoba haga el trabajo de llevar cubos de agua y fregar. El aprendiz no sabe deshacer el conjuro y la escoba comienza a inundarlo todo de agua. Cuando vuelve el brujo, soluciona el problema con sus poderes. La música de Dukas refleja el enfrentamiento del aprendiz y de la escoba, cuyos temas musicales son el material principal de la obra.

Julián Gayarre

Nació el 9 de enero de 1844 en Roncal y murió en 1890 en Madrid. Fue uno de los tenores más famosos. A los trece años trabajó como pastor, después en una forja en Lumbier y se estableció como herrero en Pamplona, donde cantó como aficionado en el Orfeón Pamplonés y fue becado por la Diputación Foral para estudiar canto en Milán. Pronto alcanzó un éxito clamoroso. Triunfó en Roma, Bolonia, San Petersburgo y Viena. Sus actuaciones en Europa y América le valieron el sobrenombre de “senza rivalli, le Roi du chant”. En diciembre de 1889, en Madrid, accedió a cantar Los Pescadores de Perlas, a pesar de sufrir cáncer de laringe. Salió a escena y al cantar una nota aguda se le quebró la voz y sufrió un desvanecimiento. Cayó en una profunda depresión y murió el 2 de enero de 1890 con 46 años.

Pablo Sarasate

Violinista y compositor español, fue uno de los más grandes y famosos violinistas de la historia. Nació en Pamplona en 1844 y murió en Biarritz en 1908. Su padre era músico militar. Fue un niño prodigio del violín, cuya educación formal comenzó cuando la Condesa de Espoz y Mina decidió becarle para que estudiase en Madrid. A los 12 años, se trasladó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París. Es en este país donde desarrolló toda su vida profesional y donde cultivó la amistad de otros compositores de gran relevancia.

Obras musicales

F. Schubert: Lied: Heidenröslein

• Medio-instrumentación: Vocal instrumental. Piano y solista (tenor). Alemán.
• Medio-expresión: AAA estrófica. Textura: Monodia acompañada.
• Género-forma: Culto, profano, lied.
• Estilo: Romanticismo. Cronología: 1815. Título: Heidenröslein.
• Importancia: Uno de los 600 lieder de Schubert (abarcan todas las emociones). Utiliza poemas de Goethe. Música destinada a un público reducido.

G. Verdi: Nabucco. Va pensiero

• Medio-instrumentación: Coro mixto (soprano, contralto, tenor y bajo) y orquesta. Medio-expresión: AA’.
• Textura: Monodia acompañada.
• Género-forma: Culta, profana, ópera italiana.
• Estilo: Romanticismo. Cronología: 1842. Título: Va pensiero. Nabucco.
• Importancia: Ópera en 4 actos basada en la historia bíblica de Nabucodonosor. Obra maestra de uno de los máximos exponentes de la ópera italiana. Refleja el compromiso político con la independencia del pueblo italiano, dominado por Austria.

C. Debussy: Arabesque nº 1

• Medio-instrumentación: Piano solo. Medio-expresión: ABA.
• Género-forma: Culta, profana, pequeña forma instrumental.
• Estilo: Romanticismo tardío - Impresionismo. Cronología: 1888.
• Título: Arabesque nº 1.
• Importancia: Pieza musical temprana del autor que evoca la idea europea de lo árabe, aunque no tiene nada que ver con la música árabe. Se busca expresar, no imitar música. Utiliza arpegios de tresillos, recurso típico del impresionismo.

G. Bizet: L'amour est un oiseau rebelle de Carmen

• Medio-instrumentación: Vocal-instrumental. Solista (soprano) y orquesta.
• Medio-expresión: AABB. Textura: Monodia acompañada.
• Género-forma: Culta, profana. Ópera lírica francesa.
• Estilo: Romanticismo francés. Cronología: 1875.
• Título: Habanera de la ópera Carmen.
• Importancia: Ópera en dos actos ambientada en Sevilla. La protagonista canta una habanera para reflejar su forma de ser libre y natural. Bizet tomó esta melodía de un compositor español influenciado por Cuba. Las dificultades de los ensayos, la mala acogida del público y las críticas desanimaron al autor, que murió poco después de estrenarla. También aparece un personaje navarro (Don José).