La música en el Renacimiento: Capillas Musicales, Imprenta Musical y Géneros

2. Explica quiénes componían una capilla musical y por qué son tan importantes

Las capillas musicales eran los mayores centros de interpretación y formación musical. Eran promovidas por los reyes o la aristocracia. La figura principal era el maestro de capilla que se encargaba de educar, componer el repertorio y coordinar los ensayos. Otra figura central era el organista que cumplía muchas canciones. El maestro de capilla escribía para el organista, los cantores y los seises (niños del coro), de los cuales era responsable el maestro de capilla. La única manera de aprender música era convertirte en un seis, y a partir de ahí ir escalando puestos (seis - cantor - organista/maestro de capilla). En el siglo XVI surgen los ministriles (instrumentistas), que a mediados de siglo comienzan a trabajar formando parte de la plantilla oficial de la Iglesia.

3. Cuéntame lo que sepas sobre la imprenta musical

La imprenta surgió en 1440 y supuso un gran cambio, pero para la impresión de partituras era muy complicada de usar, por lo que en el siglo XV seguían siendo manuscritas, recogidas en cancioneros. En cambio, en 1501 en Venecia, Petrucci lanzó la impresión musical. Más tarde, en 1521 en París, P. Attard Nart crea la imprenta de tipos móviles, permitiendo así que las notas pudieran reutilizarse. Gracias a esto, casi todas las fuentes musicales del siglo XVI son impresas. Además, Venecia se convirtió en un gran centro de la impresión musical durante el Renacimiento.

4. Explica las características de la contenance angloise y quién es su principal compositor

En 1420 se produce un cambio de sonoridad conocido como la contenance angloise. Este cambio viene derivado de tradiciones musicales. Sus características son las siguientes: 1. Introduce las consonancias imperfectas de 3 y 6 (sonoridad moderna). 2. Control de la disonancia, es decir, la disonancia va preparada y resuelta. 3. No hay 4, 5 ni 8 paralelas. 4. Los ritmos no son tan complejos, son muchos más naturales, sin elementos alambicados. Su creación se le atribuye a John Dunstable (c.1390-1453).

5. Cuéntame lo que sepas sobre la música en el período 1420-1470

Todos los avances se van a producir en el Ducado de Borgoña, una zona muy rica y culta. Aquí también se van a producir todos los cambios, como por ejemplo, la contenance angloise. Por el canal de Inglaterra-Francia, se van a transmitir todas las nuevas técnicas. Sus transmisores van a ser compositores como Guielaume Dufay, Guilles Bitchchas, Johannes Ockeghem y Antane Busnays. Estos van a combinar las técnicas del siglo XIV con la contenance angloise. Esto va a desembocar en una creciente complejidad y un cambio de la sonoridad.

Uno de los principales estilos va a seguir siendo el motete, que pasará de ser isorrítmico a un nuevo modelo imitativo. El motete comienza a mutar en el siglo XV. Se empieza a componer otros tipos, la isorritmia se pierde, así como el motete politextual (se reduce a 1 texto). Además, adopta una nueva forma, los cantus firmus religiosos. El motete más famoso del siglo XV es 'Nuper Rosarum Flores' de Dufay.

Un ejemplo del motete en la misa es la misa de tratamientos complejos (contrapuntístico), llamada Misa Prolatium de J. Ockenberg. Se trata de un cánon doble que se va ampliando, en el cual, las voces se cantan en mensuras distintas. Después, surge una idea para las misas, que se trata de que sea el mismo cantus firmus para todos los movimientos de la misa, para unificar todos los movimientos, por lo que la misa va a convertirse en Misa de Cantus Firmus, en la que la melodía se va a construir a partir del tenor. La chanson va a seguir las formas profanas que van a seguir como en el siglo XIV:

• Balada - A a B
• Virecar - A Bba A
• Rondeau - AB aAa'b AB
• La ABCDEFGHIJKLM (12 secciones diferentes)

6. Cuéntame lo que sepas sobre la música en el período 1470-1520

En el año 1470 empiezan a aparecer las obras de Josquin des Prez que proviene de las formas flamencas. En sus obras, él abandona las formas medievales e implanta un nuevo método de escritura. Todos los compositores comienzan a imitarle y a adoptar sus formas. Algunos de los compositores de esta época son: Alexander Agricola, Pierre de la Rue o Jardo Obrecht. La carrera de estos compositores sale de Florencia y se desarrolla en Italia, que estaba dividida en 3 zonas: la zona sur (Nápoles), el centro de Italia, donde se encontraban los estados pontificios y Roma, que era el centro del mundo católico y tenía una gran influencia. Y la zona norte, dividida en ciudades-estado, estas eran muy ricas y demostraban su poder mediante la inversión en arte. Venecia era la más influyente.

Las características de la música de Josquin eran las siguientes: 1. Idea muy clara del fraseo. Había separación entre frases. 2. Se componían de motivos cortos, fáciles de imitar y mover. 3. Imitación. La frase empieza en 1 voz, se repite en las demás voces y se cierra. 4. El punto central de su música era la flexibilidad. Eso daba más libertad al compositor.

En cuanto a los géneros musicales, el motete se convirtió en el género para todo. Poseía un texto libre y contenidos mucho más expresivos (ej: 'Absalon Fili Mi'). En la misa, la obsesión de los compositores era la unidad. Al cantus firmus cada vez se van a meter más cosas. Ejemplo: Misa Hercules Dux Ferrariae. Con esta misa se va a introducir un nuevo concepto de tonalidad. En esta misa, el motivo entra en la soprano, además contiene sujeto oculto (el texto es el nombre de las notas). Esto va a desembocar en una nueva misa de cantus firmus. Después, el cantus firmus comenzará a tratarse como algo totalmente libre. Esto va a dar lugar a la Misa Paráfrasis que fue más común en el siglo XVI. En ella, los temas están parafraseados (embellecedor, pareados) para adaptarse a la melodía. Ejemplo: Misa Pange Lingua. Por último, en las formas profanas está la chanson. En ella se aplicaban los mismos recursos que el motete, aunque van a acabar las formas fijas. En cuanto a la música popular, va a abaratarse y difundirse gracias a la imprenta. Y también va a ocurrir un desarrollo popular de la chanson ('Somos de la orden de San Babuino').

7. Cuéntame lo que sepas sobre la música en el período 1520-1550

Del año 1520-1550 tenemos la generación post-Josquin, que se va a desarrollar en Italia. Los principales compositores de esta generación son: Adrian Williaert, Nicolas Gombert, Cristobal de Morales y Jacob Clamens. Esta generación, al venir después de Josquin, no fue tomada en cuenta, por lo que apenas hay partituras. Además, el desarrollo de su estilo se considera erróneo. Las características del estilo son las siguientes: sigue el estilo de Josquin, pero con mucha más complejidad. Las texturas son más densas (4 o más voces). Las voces siempre están sonando en imitación. Las frases se sobreponen entre sí, lo que da lugar a un contrapunto imitativo masivo. La música se hace muy monótona. A pesar de esto, en su época, eran percibidos como la mejor generación. Para saber el por qué de esto se nos presenta la hipótesis de Edward Lowinsky. En las composiciones se introducían alteraciones que no estaban escritas ni prescritas por los tratados, así que en las tablaturas no aparecían. Edward Lowinsky expuso que esto era debido al arte cromático secreto, donde las tablaturas solo se compartían entre los compositores porque contenían contenidos problemáticos. Esto supuso un gran problema en la música vocal porque no se sabía dónde estaban las alteraciones. En cuanto a los géneros musicales, la Misa Paráfrasis evoluciona a la Misa Parablia al añadirle más complejidad. Este tipo de Misa se convierte en una obra polifónica completa. Ejemplo: Mille Regretz.

8. Cuéntame lo que sepas sobre la frottola

La frottola (1480-1520) es la primera gran forma profana en italiano. Se produjo gracias al impuesto de Isabella d’Este, que fue una gran mecenas. La frottola, al ser música popular, se caracteriza por tener ritmos vivos y regulares, así como armonías sencillas. La primera frottola fue compuesta en Nápoles ('Viva la gran Reina Isabel'). Aunque se desarrolló sobre todo en Mantua y Ferrara, empieza a perderse en torno a 1520.

9. Cuéntame lo que sepas sobre el madrigal

En torno a 1520 empieza a aparecer una de las formas más prestigiosas del siglo XVI, el madrigal. Con este género se produce un cambio en la concepción del texto, ya que se convierte en un texto de más refinamiento artístico. Los compositores van a convertir los sonetos en madrigales y van a escribir sonetos según el modelo de Francesco Petracca. Pietro Bembo es el que va a definir la forma del madrigal, que es la alternancia de versos de 7-11. Esto va a provocar una sonoridad completamente diferente. El principal objeto del madrigal era reflejar el texto en la música, ya que el texto era lo importante. Hay 3 generaciones del madrigal:

I. Roma y Florencia (1520-1550). Jacques Arcadelt (1507-1568). Philippe Verdelot (1475-1552). En esta generación se va a desarrollar el término madrigalismo, que consiste en la expresión concreta de un texto en música. Ejemplo: 'Il blanco e oblce cigno'.

II. Venecia (1540-1570). (Adrian Willaert, Ulpiano de Rore, Orlando di lasso, Philippe de Monte). Aquí se le introduce al madrigal la forma del motete (1 mitativa). También se le da más importancia a la armonía, porque enriquece al texto, y se considera que nada es más importante para transmitir el texto que la armonía. Uno de los grandes compositores es Adrian Willaert, maestro de cipriano de Rore, que compone madrigales al estilo del motete.

III. Ferrara, Mantua y Roma (1550-1600). Giaches de Wert, Carlo Gesualdo, Luca Marenzio. En esta etapa, el centro tonal del madrigal se pierde porque la armonía se rompe en labor de adaptarse al texto. Esto provoca muchas disonancias. Edward C. lo llamaba atonalidad triádica. Estos madrigales se transmitieron mucho menos porque eran más difíciles de adaptar. Aunque el madrigal comenzó como música popular, se hizo más culto. Por lo que la música popular se refugió en la forma napolitana, llamada villanesca alla napolitana, que se componía con estilo y dialecto napolitano.

10. Cuéntame lo que sepas sobre la chanson en el período 1500-1550

La chanson se va a desarrollar en París. Pierre Attaignant va a difundir 2 tipos de chanson, muy diferentes del estilo del motete y muy diferentes entre sí:

- Estilo de Claudin de Jerminisy (1490-1562). - Influencia de las formas italianas, sobre todo de la frottola. - Ritmos sencillos y vivos. - Importancia y difusión a través de los arreglos.

- Estilo Clement Janequin (1485-1558). - Ritmo ágil e interpretación veloz. - Técnicas imitativas. - Muy complejas. Dirigidas a un nicho pequeño de músicos. - Chanson programáticos: contar una historia a través de onomatopeyas.