Música del Renacimiento al Barroco: Transformación de la Ópera y Otros Géneros

1. La Pastoral: De la Poesía al Madrigal y la Ópera

La pastoral, género literario predilecto del Renacimiento, se convirtió en la forma poética predominante en Italia a finales del siglo XVI. Centrada en pastores y temas campestres, la pastoral, con su carácter idílico y amatorio, exigía al poeta la habilidad de transmitir la atmósfera de un mundo remoto y refinado. Este mundo bucólico, poblado por jóvenes sencillos y antiguas deidades, resultó atractivo para los compositores. La música se convirtió en el lenguaje natural de la poesía pastoral, representando la última etapa del madrigal y la primera de la ópera.

2. El Surgimiento de la Monodia y el Declive del Madrigal

En 1581, Vincenzo Galilei, padre del astrónomo Galileo, publicó Dialogo della musica antica et della moderna. Siguiendo las doctrinas de Mei, Galilei atacó la teoría y práctica del contrapunto vocal del madrigal italiano. Argumentó que una única línea melódica, con alturas y ritmos apropiados, era la única forma de expresar un verso dado. La polifonía, con sus múltiples melodías y ritmos simultáneos, impedía, según Galilei, la expresión del mensaje emocional del texto.

3. Las Óperas Romanas: Recitativo y Aria

En la música de las óperas romanas, la separación entre el recitativo y el aria se hizo más marcada. El recitativo se acercaba más al habla que en las obras de Peri o Monteverdi, mientras que las arias eran melodiosas y generalmente estróficas, aunque algunas se basaban en bajos continuos.

4. Monteverdi y la Madurez de la Ópera Veneciana

Monteverdi escribió sus dos últimas óperas, El regreso de Ulises y La coronación de Popea, para Venecia en 1641 y 1642, respectivamente. La coronación de Popea destaca por su descripción musical del carácter y las pasiones humanas, superando en este aspecto a cualquier otra ópera del siglo XVII.

5. Características de la Ópera Italiana

La ópera italiana asumió las siguientes características principales:

1. Concentración en el canto sofistico, con relativo desprecio por los conjuntos y la música instrumental.
2. Separación de recitativo y aria.
3. Introducción de estilos y esquemas distintivos para las arias.

Este desarrollo invirtió la relación entre texto y música: mientras los florentinos consideraban la música como un accesorio de la poesía, los venecianos trataron el libreto como un andamiaje para la música.

6. El Aria Estrófica y la Música Profana

El aria estrófica, relegada durante el período del madrigal polifónico, resurgió como la estructura óptima para la composición vocal. A diferencia de la polifonía, el aria estrófica no interfería con la continuidad del pensamiento poético. La forma más sencilla de aria estrófica consistía en repetir la misma melodía, con posibles modificaciones rítmicas, para cada estrofa del poema.

7. Chacona y Pasacalle: De la Danza a la Variación

La chacona, probablemente originaria de la América hispana, era una canción de danza con un estribillo basado en una sencilla progresión de acordes de guitarra. En Italia, esta forma evolucionó hacia una línea de bajo para variaciones. El pasacalle, de origen español, también se basaba en una progresión de acordes de guitarra (ritornello) que se tocaba antes y entre las estrofas de una canción. Ambas formas dieron lugar a fórmulas de bajo para variaciones instrumentales o vocales. En el siglo XVIII, la chacona y el pasacalle se caracterizaron por la repetición continua de una fórmula de cuatro compases en metro ternario y tempo lento.

8. El Medio Concertato

La práctica de escribir partes individuales para voces e instrumentos, o grupos de los mismos, dio lugar al medio concertato. El término concertato proviene del verbo italiano concertare, que significa "llegar a un acuerdo".

9. La Cantata: De la Variación Estrófica a la Forma Compleja

La cantata (literalmente, "pieza para ser cantada") se utilizó para designar diversos tipos de composición. A mediados del siglo XVII, se definió como una composición para voz solista con acompañamiento de continuo, en varias partes que entremezclaban recitativos y arias, con un texto lírico o dramático.

10. El Oratorio: Música Sacra para la Congregación

Los oratorios, interpretados en la parte de las iglesias dedicada a la reunión de los legos, podían ser en latín (oratorio latino) o en italiano (oratorio volgare). A diferencia de la ópera, el oratorio se caracterizaba por su tema sacro, la presencia del testo o narrador, el uso del coro y la ausencia de escenificación. La acción se narraba o sugería, pero no se representaba.

11. Heinrich Schütz: El Maestro Alemán

Heinrich Schütz, el mayor compositor alemán de mediados del siglo XVII, estudió con Giovanni Gabrieli en Venecia. Su obra se centra principalmente en composiciones religiosas, que abarcan desde 1619 hasta sus últimos años de vida.

12. Diversos Tipos de Composición Instrumental

Los tipos generales de composición instrumental incluían:

1. Fugado: piezas de contrapunto imitativo continuo (ricercare, fantasía, capriccio, fuga, verset).
2. Tipo de la canzona: piezas de contrapunto imitativo discontinuo.
3. Variaciones: partita, passacaglia, chaconne, partita coral, preludio coral.
4. Danzas: piezas con ritmos de baile estilizados, agrupadas en suites.
5. Estilo improvisatorio: toccata, fantasía, preludio.

13. El Principio de la Variación

El principio de la variación se aplicaba de diversas maneras:

1. Repitiendo la melodía con pocos cambios, rodeada de material contrapuntístico diferente en cada variación.
2. Ornamentando la melodía de manera diversa en cada variación.
3. Manteniendo constante el bajo o la estructura armónica, variando la melodía.

14. El Style Brisé

El style brisé o estilo quebrado, desarrollado en el laúd, consistía en esbozar la melodía, el bajo y la armonía tocando los sonidos apropiados en diferentes registros, dejando a la imaginación del oyente la continuidad de las líneas. Este estilo fue adaptado al clavecín por compositores franceses.

15. Tendencias en la Ópera: Hacia la Estilización

La ópera tendió hacia la estilización del lenguaje y las formas musicales, con una textura sencilla centrada en la melodía vocal. Este estilo, conocido como estilo napolitano, priorizaba la elegancia y la efectividad exterior sobre la fuerza dramática.

16. Tipos de Recitativo

Se desarrollaron dos tipos de recitativo: el recitativo secco, acompañado por clave e instrumento bajo, para diálogos y monólogos; y el recitativo obbligato (accompagnato o stromentato), con acompañamiento orquestal, para situaciones dramáticas. El arioso, una forma intermedia entre recitativo y aria, también se utilizaba.

17. Alessandro Scarlatti y la Transición de la Ópera Barroca

La transición hacia el nuevo estilo operístico se observa en las obras de Alessandro Scarlatti, quien en sus últimas óperas, como Mitridate y Griselda, muestra una amplia concepción dramática de las arias y la importancia de la orquesta. El aria da capo se convirtió en el vehículo perfecto para expresar una emoción reinante.

18. Lully y la Ópera Francesa

Jean-Baptiste Lully, un italiano que se convirtió en el dictador musical de Francia, compuso óperas con libretos de Jean-Philippe Quinault. Estas óperas combinaban tramas serias con divertissements (interludios de danzas y canto coral). La música de Lully reflejaba el esplendor de la corte francesa y la preocupación por el amor cortesano.

19. Lully y el Recitativo Francés

Lully adaptó el recitativo italiano al francés, estudiando el estilo de declamación del teatro francés. Sin embargo, el bajo rítmico y la melodía vocal disminuían la ilusión de habla del recitativo italiano.

20. Características del Recitativo de Lully

El recitativo de Lully se caracteriza por el cambio de metro binario a ternario, interrumpido por secciones de recitativo de medida uniforme, a veces marcadas como "Air". Lully también estableció la forma de la ouverture francesa.

21. La Ópera Francesa después de Lully

Los sucesores de Lully introdujeron arias en estilo italiano y expandieron los divertissements, dando lugar a la ópera-ballet.

22. La Cantata en la Segunda Mitad del Siglo XVII

La cantata evolucionó hacia una forma de recitativos y arias alternados para voz solista con continuo, con textos amatorios. Destinada a la interpretación en salones, la cantata permitía mayor refinamiento y experimentación musical que la ópera.

23. El Empfindsamkeit en la Música Alemana

El Empfindsamkeit (sentimentalismo) caracterizó la música alemana, como la de Johann Adolf Hasse.

24. Conciertos Sacros

La combinación de arias, coros y corales dio lugar a tres tipos de conciertos sacros.

25. Cantata Eclesiástica y Pietismo

El bando ortodoxo favorecía la música coral e instrumental en las ceremonias religiosas, mientras que el pietismo subrayaba la libertad individual del creyente.