Música Medieval: Del Canto Gregoriano a la Polifonía del Ars Nova

Canto Gregoriano

En el canto gregoriano no existe división por compases ni formación de acentos métricos. Es el texto quien determina el ritmo de la melodía; su sintaxis e intención lingüística son los que determinan los incisos y el movimiento de alturas del tono. Quien introdujo la polifonía fue el canto romano a partir del siglo IX, siglo en el cual surgió a su vez el órgano en las iglesias, que sirvió de acompañamiento para los cantos hímnicos y las canciones, y tal vez al gregoriano. Solamente la Capilla Sixtina de Roma permaneció fiel al canto a capella. El gregoriano era anotado mediante neumas (signos que se anotaban por encima de un texto y que representaban uno o varios sonidos sin especificar el ritmo). A cada sílaba le correspondía un neuma de una o más notas, salvo en los melismas más prolongados. Los distintos neumas de acento son: Punctum, Virga, Podatus, Clivis, Scandicus, Climacus, Torculus y Porrectus.

Por su forma de interpretación, los cantos suelen ser clasificados en tres categorías:

• De estilo directo: son cantados íntegramente por el o los mismos cantores, sea un solista o un coro.
• Responsoriales: el coro responde (responsorio) con una especie de estribillo al canto del solista. Por ejemplo, era practicada en la salmodia (salmodia responsorial), en la que el coro cantaba la antífona y el solista entonaba, con profusión de ornamentos, cada versículo de un salmo.
• Antifonales (tipo no necesariamente relacionado con la antífona como pieza musical): dos coros de similar tamaño se responden o alternan, por ejemplo, cantando versículos consecutivamente.

Por su uso litúrgico, el repertorio puede clasificarse entre cantos de la misa y del oficio. Los cantos de la misa incluyen dos subtipos:

• Cantos del Ordinario, de texto fijo (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei). Son cantados por el coro de fieles o por la schola cantorum (coro especializado).
• Cantos del Propio, como por ejemplo el Gradual o el Tracto, cuyo texto cambia día a día. Podemos distinguir en ellos recitativos (reservados a los sacerdotes; suelen ser muy sencillos aunque elegantes, tienen un origen muy antiguo y, probablemente, han conservado lo esencial de su aspecto primitivo) y aclamaciones (por el coro de los fieles; probablemente espontáneas al principio y muy sencillas, fueron refinándose y se hicieron rituales).

Las melodías gregorianas se mueven dentro del marco del diatonismo, lo que serían las teclas blancas del piano. El si bemol y si natural se consideraban variantes diatónicas de la misma nota. Las melodías homófonas se marcaron en 8 modos distintos en torno a determinadas características que vienen definidas por: la nota final, el tenor o la nota melódica principal (una especie de dominante), el ámbito que es normalmente una octava que a menudo se ampliaba un tono hacia abajo o dos hacia arriba, y las fórmulas melódicas que se trata de los giros típicos de cada modo.

Tropos, Secuencias y Dramas Litúrgicos

Tropo: Complemento del canto con forma no fijada que se interpola en el mismo o se añade como apéndice. Existen varias formas de tropos:

• Aplicación de texto a melismas. El tropo se somete silábicamente a melismas preexistentes en el gregoriano.
• Texto nuevo con melodía nueva. Se guía por el texto y la melodía original respectivamente, respetando la tonalidad.
• Interpolación puramente melódica. Se interpola, con fines ornamentales, un melisma en un pasaje determinado. En ocasiones es posible reconocer los melismas interpolados por su estilo y situación de sus fuentes.

Secuencia: La secuencia es un caso particular del tropo, la aplicación de un texto al prolongado sobre la última sílaba del Aleluya, que se denomina Jubilus, Sequentia o Longissima Melodía. A lo largo de la historia de la secuencia se pueden distinguir tres épocas principales:

• Secuencia clásica (850-1150): Se dio principalmente en la zona franco-oriental y occidental; sus representantes más notables son Notker y Ekkehart, entre otros.
• Secuencia rimada (Siglo XII en adelante): Se caracteriza por la equiparación de los pares de versículos en longitud y ritmo, con rima en lugar de asonancia, melodías propias y sin relación con el Aleluya. Destaca Adam de St Victor.
• Secuencia estrófica (Siglo XIII en adelante): Es una evolución ulterior de la secuencia rimada. Es célebre Santo Tomás de Aquino.

Drama litúrgico: A partir de los tropos en las celebraciones de Pascua y Navidad se desarrollaron una serie de diálogos que eran cantados y que finalizaron incorporando la acción dramática a los mismos. De esta manera comenzaron a brotar nuevas pequeñas representaciones religiosas como, por ejemplo, la Representación de Daniel y los Misterios, los cuales se representaron fuera de la liturgia y de la iglesia.

Música Profana en la Edad Media: Trovadores, Goliardos y Juglares

La poesía profana del medioevo surgió con los trovadores en el siglo XI. Los trovadores y troveros se diferencian entre sí según los dialectos franceses: al sur se les llamaba trovadores y al norte troveros. El país de origen fue Aquitania y el círculo donde se extendió fue en la nobleza, al que luego se sumaron clérigos y burgueses. La canción medieval introdujo muchas formas en cuanto a su texto y música. Se distinguen 4 tipos principales:

• Letanía: forma expositiva en la que se cantaba cada verso sobre la misma melodía. Dentro de la letanía encontramos el cantar de gesta, la estrofa de laisse (formación regular de incisos en el cantar de gesta), y rotrouenge (estrofa de laisse de 3 a 5 líneas con estribillo).
• Secuencia: Igual que la secuencia sacra con sus versículos dobles, cada dos versos tienen la misma rima y melodía con semiconclusión y conclusión definitiva.
• Himno: posee la misma forma que el himno ambrosiano con dímetros yámbicos (sílaba breve-larga) en 4 versos. Puede poseer estrofa de cansó (estrofa-estrofa-épodo) o de cansó circular, donde al acabar el épodo se vuelve a la frase final de la estrofa.
• Rondel: formas de canción con estribillo derivadas de la secuencia. Pueden ser balada (estrofa de cansó con estribillo), virelai (estrofa de cansó enmarcada por un estribillo cuya segunda mitad aparece en el épodo), y Rondeau (alternancia de coro y solista).

Los Trovadores

Los trovadores fueron aristócratas que componían sus obras musicales y estas normalmente eran interpretadas por juglares, músicos profesionales. La tradición de los trovadores nació en el sur de Francia, cuyo centro cultural era San Marcial de Limoges; el trovador antiguo más conocido es Guillermo IX de Poitiers. Entre los más notables de los cuatrocientos trovadores en lengua provenzal conocidos podemos citar a Peire Vidal, Guerau de Cabrera y Raimbaut de Vaqueiras. Por su parte, los trovadores del norte de Francia suelen ser denominados troveros y los alemanes Minnesänger (en alemán, "cantores de amor").

Los textos de las canciones de los trovadores son de temática muy variada: canciones de gestas, heroicas, amorosas, de carácter político, moral, satírico, piadosas, cantos fúnebres... Musicalmente, las formas son también de gran diversidad, destacándose el rondeau (con una peculiar alternancia de coplas y estribillo), el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas) y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). Aunque el estilo trovadoresco alcanza su apogeo en la segunda mitad del siglo XII, tiene importantes cultivadores en el siglo XIII, como el catalán Giraud Riquier o el francés Adam de la Halle.

Los trovadores fueron muy creativos con sus composiciones, ya alejadas de los modos litúrgicos. Sus obras estaban escritas en lengua romance; esto hace desarrollar ciertas fórmulas rítmicas, entre notas largas y breves, que tendrán gran repercusión en la música polifónica.

Los Juglares

Los juglares solían ser personajes errantes que iban de aldea en aldea transmitiendo música y otros espectáculos. Ellos son los únicos transmisores de la música popular no litúrgica, pero enseguida con los procedimientos más avanzados del canto eclesial y las novedades surgidas de la poética de tropos y secuencias. Aparte de las habilidades circenses, los juglares en general se acompañaban con instrumentos musicales prohibidos en la Iglesia a causa de su antigua vinculación a la vida pagana. Había juglares de muy diferentes tipos y calidades, desde los más simples y vulgares llamados Cazurros o Remedadores hasta los más pulidos en el arte, muy próximos o confundidos con los trovadores.

A veces eran clérigos, personas de cierto nivel cultural que habían abandonado la vida religiosa y vagabundeaban de un lado a otro intentando sacar partido de su superioridad cultural: eran los llamados goliardos (por el obispo Golias, personaje que se cree que inventó este oficio). Los goliardos cantaban y recitaban en latín y en lengua vulgar, y en su repertorio figuraba la poesía más refinada o dramática junto con las canciones al vino, a las mujeres, contra los eclesiásticos y un sinfín de otras curiosidades, según podemos ver en algunos códices que contienen sus obras, como los de Ripoll o los conocidos Carmina Burana (canciones del Monasterio de Beuren, en Alemania).

Polifonía

A finales del siglo IX aparece en la música occidental la polifonía (varias voces que suenan a la vez realizando melodías distintas). Este hecho marcará el desarrollo de la música a partir de ese momento. Pese a que existen referencias a la polifonía en la antigüedad, los primeros ejemplos escritos datan del siglo IX a partir de formas de canto que lo embajan como el Organum y Discantus:

• Organum: Es la más primitiva y rudimentaria forma polifónica. Consiste en añadir una voz paralela al canto gregoriano. Esta segunda voz debe estar a distancia de 4ª o de 5ª por debajo de la principal y se le llama "vox organalis", mientras que el antiguo gregoriano recibe el nombre de "vox principalis". Poco a poco el organum se irá complicando y se añadirán nuevas voces.
• Discantus: Surge en el siglo XI. Las dos voces ya no se mueven de forma paralela como en el organum, sino en movimiento contrario, es decir, mientras la melodía principal asciende la organal desciende o viceversa.

La escuela de Notre-Dame constituye uno de los puntos culminantes en la historia de la polifonía. En ella prevalecen los ritmos ternarios rápidos que los teóricos dividieron en los 6 modos rítmicos. Tras estos 6 modos principales aparecen otros menores que se conciben como un fraccionamiento de los valores modales regulares, y se indican mediante notas adicionales intercaladas con ligaduras o currentes (rombos). Los géneros que se crean en la época de Notre-Dame son el organum, el motete y el Conductus. El organum ya no es la palabra que designa a la polifonía, sino también a la elaboración del canto. En el organum solo se elaboran polifónicamente las partes solistas. Los mejores compositores de organum fueron Leonin y Perotin, creadores de organums escritos a 2 voces y a 4 respectivamente. La voz coral se denomina tenor y la superior duplum, y su conformación difiere en las partes de nota tenida (en la que el tenor extiende una nota y el duplum canta sobre ella), partes de discanto (la extensión de cada nota se hace de una manera muy prolongada), y la copula (parte de nota tenida a dos voces exactamente organizada y anotada en todo su desarrollo).

El motete: siguiendo el procedimiento medieval de tropización, se aplicaba un texto silábico a las voces superiores melismáticas de una cláusula de discanto. Este texto debía coincidir con el duplum modal y estar estructurado de la misma forma. Al duplum se le pasó a llamar motetus.

Conductus: posee contenido sacro, pero no litúrgico y consta desde 1 hasta 4 voces. La voz principal tiene la función de tenor y su texto vale para las voces superiores. El Conductus puede ser silábico, contener pequeños melismas en las voces superiores, o bien tener partes melismáticas más prolongadas en todas las voces al mismo tiempo.

Ars Antiqua

El llamado Ars Antiqua (Arte antiguo) abarca unos 70 años entre los siglos XIII y XIV y surge a partir de la necesidad de creación de un concepto opuesto al de Ars Nova. Los principales géneros del ars antiqua son algunos ya existentes en la época polifónica y otros de creación en estos momentos:

• Organum: de la época polifónica se sigue cantando, pero la composición de este género comienza a cesar.
• Conductus: sigue siendo de gran importancia, aunque en ocasiones es relevado por el motete. Se produce una hibridación entre música profana y sacra ya que algunos conductus poseían como melodía principal la de canciones profanas, y a su vez se produce el mismo efecto en la música profana.
• El motete: género principal del ars antiqua que sirvió como campo de innovación y experimentación. Lo significativo del motete era el texto de los versos y el estribillo, puesto que la música estaba dada de antemano. Al principio era sacro y latino y se ejecutaba en la iglesia como ornamentación no-litúrgica del servicio religioso. La designación del motete depende del número de voces, de ese modo puede ser: simple (2 voces, tenor y duplum), doble (3 voces, tenor, motetus y triplum donde las voces superiores tienen texto diferente), triple (4 voces añadiendo así el quadruplum y con 3 textos diferentes) y el motete-conductus (de 3 a 4 voces con tenor y voces superiores de igual texto y que están rítmicamente equiparadas).
• Hoquetus: Con una técnica de composición que data de la época de Notre Dame, aunque se desarrolla su aplicación.
• Rondeau: Género compuesto por la técnica polifónica, se considera el antecesor del que posteriormente sería conocido como cantilena.

Es importante destacar que en el día a día se sigue recurriendo a la monodia, ya que la polifonía es algo que no era habitual que conocieran los habitantes de a pie, por lo que cuando nos referimos a Ars antiqua y Ars nova solamente hablamos de los avances en lo referente a la música polifónica. La notación usada era la mensural que utilizaba notas negras. La unidad principal es la brevis en cuanto a la unidad de pulso o de tiempo. Su longitud se mide según la medida mínima de una nota vocal que lleva una sílaba. La brevis posee 3 semibreves (la semibreve equivale a una corchea) y la longa contiene 3 brevis; el valor más prolongado era la dúplex longa que contenía 2 longas. La plica es el nombre que recibe una breve raya que parte de la cabeza de la longa o de la brevis y significa una nota ornamental ascendente o descendente, cuya duración es la mitad de la nota principal. Las coyunturas son combinaciones de notas semibreves que se sustraen de la nota principal. Las ligaduras representan a las notas ligadas que originalmente correspondían a una misma sílaba.

Ars Nova

Esta época comprende aproximadamente el periodo entre 1320 y 1380 y es específicamente francés. Las innovaciones se dieron sobre todo en el motete, la canción polifónica y el sistema y notación mensural. El organum y el conductus desaparecieron y predominaba la música profana. El sistema y notación mensural se amplía y la nota más pequeña pasa a ser la mínima, que más tarde se hará divisible. La máxima tiene tres partes y el sistema se divide en 4 grados: Maximodus (relación máxima-longa), Modus (longa-brevis), Tempus (brevis-semibrevis), Prolatio (semibrevis-mínima). Además, aparece la división binaria, aunque se califica de imperfecta.

Algunas notas se escriben de color rojo, lo que designan un cambio transitorio de medida (cambio de compás). Los signos de medida se colocan para tramos más prolongados, especialmente para las 4 combinaciones de tempus y prolatio. Esos símbolos son: círculo para el tempus perfectum, un semicírculo para el tempus imperfectum, un punto para cum prolatione maiori, y sin punto para cum prolatione minori. El motete es el género principal del ars nova, y tiene como temas el amor, la política y cuestiones sociales. Las distintas voces que tiene son el triplum (cantus en la tesitura de soprano o voces blancas y de hombres agudas), motetus (voz principal con tesitura de contralto) y tenor (voz de apoyo instrumental en valores de notas largas y compases grandes. El tenor sigue siendo un trozo gregoriano que se prepara según un modelo rítmico; a este modelo se le denomina talea. La canción de discanto tiene una voz superior cantada y de 1 a 3 voces instrumentales acompañantes.

En la cantilena aparecen sobre todo las siguientes formas: Ballade (introducción y tres estrofas con estribillo), Rondeau (canción de corro monódica con estribillo coral, y sin él en su forma polifónica), Virelai (Tiene un estribillo A al que le sigue una estrofa de cansó con estancias BB y épodo C, tras esto retorna para hacer el estribillo). Nace la composición del Ordinarium de la misa que está compuesta por Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei. El modo de composición de estos movimientos es muy variado: sobre el gregoriano predomina en el Gloria y Credo, el motete está presente sobre todo en el Kyrie y Agnus Dei, y por último la cantilena se encuentra para movimientos con abundancia de texto.