Música y Danza en el Barroco y Clasicismo: Formas, Estilos y Compositores

Música y Danza en el Barroco

1. Características de la Música Barroca

• Se busca el contraste. El contraste puede ser de diversos tipos: de movimientos, de matices, de carácter, rítmico, tímbrico, de planos sonoros.
• El ritmo es mecánico. Pulsación regular, acentuación ordenada y patrones rítmicos repetitivos.
• Surge una nueva textura, la melodía acompañada. La melodía acompañada consiste en una melodía sostenida por un bajo instrumental (bajo continuo) sobre el que se colocan acordes de relleno. Cuando los acordes no se escriben, el bajo se llama bajo cifrado (por los números).
• La armonía es más rica y variada, permite un ensanchamiento de los acordes permitidos como consonantes y una mayor audacia en la escritura de los acordes disonantes.
• Se abandonan los antiguos modos gregorianos y se escribe en dos modalidades, mayor y menor.
• Tratamientos de matices por terrazas, a modo de eco.
• En el plano tímbrico nace la orquesta y se fijan las familias instrumentales.
• La música se hace más profesional, porque es más difícil de ejecutar.
• Se desarrollan nuevas formas musicales, con nuevos instrumentos.

2. Nuevas Formas Musicales

2.1. Música Instrumental

Fuga

No es propiamente una forma musical, sino una técnica de composición cuyos resultados formales no están fijados; cada fuga difiere de las demás en el orden de presentación de las voces, la longitud y la disposición interna de sus elementos. Su característica es la exposición de un tema en una sola voz, que inmediatamente es repetido por una segunda voz, mientras que la primera hace un contrapunto o contratema. Si interviene una tercera voz, expone nuevamente el tema inicial y la segunda voz es la que ahora lleva el contratema, quedando la primera en condiciones de hacer un diseño libre. /___ tema ***contratema +++diseño libre. Esta exposición enlaza con el desarrollo, en donde el tema se modifica, en cada uno de los episodios que constituyen el desarrollo. En el desarrollo el compositor puede explayar su ingenio con toda libertad. Tras el desarrollo sucede un estrecho. El arte de la fuga fue llevado a una impresionante perfección por Bach.

Sonata

Música tocada por un pequeño grupo de instrumentos en oposición a la cantata, destinada al canto. Dos tipos de sonatas:

• Sonata da chiesa (de iglesia): más sobria y con predominio de escritura contrapuntística
• Sonata da camera (de cámara): era más ligera y alegre, con aires de danza en algunas partes.

Según los intérpretes se diferencian estos tipos:

• Sonata para instrumento solo.
• Sonata para instrumento (virtuosismo) y Bajo continuo.
• Sonata a trío (o trío sonata): dos solistas que dialogan con un bajo continuo. Interpretada máximo de tres instrumentos.

Concierto

Viene de "concertare". Expresa la idea de ordenar y juntar cosas distintas. De esta manera la forma musical surge de la reunión de diversos instrumentos, buscando la oposición de timbre e intensidades. Compuesta por 3 movimientos contrastantes: 1º Allegro/2º Lento/3º Allegro. Según los instrumentos, hay 2 tipos:

• El concerto grosso, un grupo de solistas (concertino) se enfrenta al grupo orquestal (tutti) sin llegar nunca a una individualización de las partes, las cuales más bien dialogan y colaboran entre sí.
• El concerto a solo, establece dos planos bien definidos: el protagonista virtuoso y la orquesta, cuyo papel es algunas veces el de mero acompañante. La música que toca el conjunto de la orquesta (tutti) se llama ritornello y el material nuevo se llama solo. R-S-R-S-R-S...

Suite

Conjunto de danzas escritas en la misma tonalidad, lo que asegura su coherencia interna. Las danzas tienen distinto carácter y también se buscaba el contraste entre movimientos rápidos y lentos y distintos ritmos. y 51 son fijadas sus partes más características: allemanda, courante, zarabanda y giga. Aunque la suite puede estar escrita para un solo instrumento, la consolidación de la forma se desarrolla en la música orquestal, especialmente en las suites para orquesta de Bach.

2.2. Música Vocal

Ópera (profana)

La primera gran ópera barroca es el Orfeo de Claudio Monteverdi, estrenada en 1607.

Características de la Ópera

• Precisa de un escenario, orquesta, coro y solistas.
• Varias partes: obertura: sección instrumental que da comienzo a la ópera. Se interpreta antes de que se levante el telón.
• Partes cantadas por coro y solistas:
  • Solistas: pueden cantar en estilo aria (melodías expresivas, de carácter melódico) o recitativo (texto declamado, que sirve para avanzar el guion y se ejecuta únicamente con el bajo continuo).
  • Coro: poco frecuente. Aparece como coro a 4 voces y suele representar a colectivos que aparecen en el guion.
• Interludios: instrumentales que se intercalan articulando las distintas partes de la obra.
• Ballet: no era muy frecuente, salvo en Francia. Se emplea para dar mayor brillantez al montaje.

Tipos de Ópera

• Ópera seria: con argumentos basados en temas mitológicos y heroicos, será el género favorito de la aristocracia.
• En el S. XVIII, está la llamada ópera bufa: (clasicismo) argumentos que reflejan la vida cotidiana del pueblo, presentando con frecuencia una crítica social a las clases altas. Obras: La serva padrona de Pergolesi.

La ópera del barroco irá adoptando características peculiares en cada nación: así surge la “tragédie lyrique” francesa, el “singspiel” alemán, la ópera balada inglesa y la zarzuela española.

Cantata (religiosa y profana)

Significa “música para cantar”, apareciendo como opuesto a sonata “música para sonar”. La cantata es un género vocal, sin acción dramática puesto que no cuenta historia alguna y por tanto sin representación escénica. Surge como una forma profana de carácter lírico-amoroso que será adaptada por la música religiosa cambiando el texto, basado en fragmentos del Evangelio, de los Salmos o en temas religiosos populares. Compuesta para orquesta, coro y solista y formada por la sucesión de arias y recitativos. La cantata entre 1650 y 1750 es el género musical más demandado por la sociedad barroca. Destacamos a Bach y Telemann.

Oratorio (religioso)

Una forma religiosa narrativa, pero sin escenificación, es una especie de ópera en miniatura, pero sin representación escénica. Está compuesta para orquesta, coro, solistas y formada por la sucesión de recitativos, arias y coros. Al no ser una obra representada, introduce la figura del narrador y refuerza el papel del coro, para ir relatando la acción basada en textos del Antiguo y Nuevo Testamento. Autores: Haendel.

Pasión (religiosa)

Es un oratorio que trata el tema exclusivo de la pasión y muerte de Cristo, inspirándose en los Evangelios. Formalmente está compuesta por recitativos, arias y coros e interpretada por orquesta, coro y solistas. Compositor más destacado es Bach con sus dos obras: La Pasión según San Mateo y La Pasión según San Juan.

3. La Música en Italia

3.1. Música Vocal

Ópera (música profana)

Claudio Monteverdi, estrena en 1607 su Orfeo, es polifonista. Su mejor representante es Alessandro Scarlatti. La obra maestra de estas óperas bufas (cómicas) es La serva padrona de Juan Bautista Pergolesi. Otros autores destacados son Francesco Cavalli y Luigi Rossi. Francesca Caccini, hija mayor de Giulio Caccini, un inventor de la ópera. Ésta publica la 1era ópera de mujer: La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina.

Oratorio (música religiosa)

El iniciador es Emilio Cavalieri, y el más importante es Giacomo Carissimi (1605-1674).

Cantata (música religiosa-profana)

Destacan Carissimi; Alessandro Stradella y Alessandro Scarlatti. Bárbara Strozzi: escribió 8 volúmenes de arias, madrigales, dúos y cantatas. Isabella Leonarda: es la compositora más prolífica del siglo XVII.

3.2. Música Instrumental

Organista italiano más interesante es Girolamo Frescobaldi. Antonio Vivaldi (1678-1741) el mejor representante de la música instrumental veneciana, colorista y sensual. Instrumentos de viento. Compone para el violín, viola y violonchelo. Sus conciertos para violín fueron adaptados por Bach para el clave o el órgano. Arcangelo Corelli, solo violín. Tommaso Albinoni; Benedetto Marcello y Giuseppe Tartini.

4. La Música en Alemania

Heinrich Schütz (1585-1672) es el más interesante compositor del s. XVII alemán.

4.1. Música Vocal

Ópera (música profana)

No, ej. Mozart.

Coral (música religiosa)

El coral es la composición favorita del rito luterano:

• Polifónica (generalmente a 4 voces)
• De estructura sencilla
• Compuesta sobre una melodía muy fácil.
• Es cantada por todo el pueblo en los oficios divinos.

De la cantata, el oratorio y la pasión hablaremos al tratar la figura de Bach.

4.2. Música Instrumental

Froberger. Johann Pachelbel. Cuando este dominio de la técnica antigua se une a un cierto virtuosismo instrumental, como en el caso de Dietrich Buxtehude, estamos ya a dos pasos de la cumbre de todo el barroco: Bach.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Sus antepasados fueron músicos y sus hijos y nietos también. Llega a conocer profundamente toda la música barroca, especialmente la italiana y la francesa. Fue conocido en los círculos profesionales de su país, pero no en toda Europa. Hasta casi un siglo después de su muerte no empezaría a ser conocido y admirado. Su vida fue sencilla y patriarcal. Su oficio principal fue el de organista, cantor de la iglesia de Santo Tomás, de culto protestante. Escribió su obra El clave bien temperado. Escribió obras para el violín solo y para otros instrumentos. Sus dos últimas obras son dos magníficos monumentos a esta manera de componer: la Ofrenda musical y su Arte de la fuga. Pero la mayor parte de la obra de Bach es vocal y de contenido religioso. Compuso más de 250 cantatas, casi todas religiosas y alguna profana. Compuso varias Pasiones, de las que conservamos tan solo dos: La Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan. También compuso oratorios, misas, motetes...

5. La Música en Inglaterra

5.1. Música Instrumental

Los Virginalistas

La música instrumental inglesa del Renacimiento se hacía alrededor del virginal, que todavía a principios de siglo es el instrumento preferido. Se publican: así el famoso Fitzwilliam Virginal Book (hacia 1635) Dowland. Acompaña las canciones con laúd.

5.2. Música Vocal

Música Escénica

Henry Purcell: compositor más grande de esta época. Carrera corta pero brillante. Organista de la Abadía de Westminster y música de la corte. Su obra, Dido y Eneas, es cantada. Obras famosas: La reina de las hadas, La tempestad, El rey Arturo. Georg Friedrich Haendel (1685-1759) Su oratorio escrito en inglés y se narra con lenguaje grandioso y melodías elegantes la historia sagrada. Tiene grandes trozos orquestales. Israel en Egipto, El Mesías, Judas Macabeo, Jefté. Se quedó ciego. Su obra tiene numerosas composiciones orquestales: conciertos para órgano y orquesta, que él mismo interpretaba ante el público; conciertos para tocar al aire libre, como su Música acuática o su Música para los reales fuegos artificiales. Su ESTILO es muy claro en su estructura y muy elegante y directo en su formulación.

6. La Música en Francia

6.1. Música Vocal

Compositor del rey: Jean Baptiste Lully. En 1672 consigue del rey una exclusiva para componer y representar óperas en ese estilo francés por él hallado. Alceste, Amadís, Armida (óperas). Jean Philippe Rameau: continuador de Lully. Investigó la armonía basada en los principios de la naturaleza y las relaciones numéricas. Elizabeth Jacquet de la Guerre: compuso una tragédie lyrique, sonatas y cantatas, adaptándolas al lenguaje (musical e idiomático) francés.

6.2. Música Instrumental

Francois Couperin, el más importante de los clavecinistas franceses.

7. La Música en España

7.1. Música Vocal (religiosa)

NO.

Música Vocal Profana

En la ópera no se habla, se hacen recitativos. La 1era ópera, el texto era de Lope de Vega y es La selva sin amor, cuya música no se conserva. Sí conocemos Celos aún del aire matan, con texto de Calderón de la Barca y música de Juan Hidalgo. Otro género, la ZARZUELA, se representaba en un palacete de caza situado a las afueras de Madrid. La 1era obra de zarzuela fue El golfo de las sirenas. Destacan Antonio Literes, Sebastián Durón y José de Nebra, autor de obras de gran valor, como De los encantos del amor, la música es el mayor. TONADILLA ESCÉNICA: obra escénica, corta, divertida y satírica, que pinta las costumbres españolas.

7.2. Música Instrumental

Francisco Correa de Araújo y Juan Cabanilles. Durante el barroco la vihuela decae y desaparece y es la guitarra de cinco y seis cuerdas la que la sustituye. Gaspar Sanz. Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini.

8. La Danza

8.1. El Desarrollo del Ballet: el Ballet de Cour

“Ballet de cour”, fruto de la colaboración de los grandes artistas protegidos del rey: el coreógrafo Pierre Beauchamp (profesor y bailarín, que hizo las 5 posiciones de pies con acompañamiento del "port de bras". posiciones de los brazos), el dramaturgo Molière, y el compositor Jean Baptista Lully. El ballet de cour era una obra teatral bailada que une poesía, música vocal e instrumental, escenografía y coreografía. Comenzaba con una “ouverture” instrumental seguido por una serie de números y terminaba con un gran ballet. La danza estuvo prohibida a las mujeres hasta 1681, pero a comienzos del s. XVIII encontramos a las primeras grandes bailarinas (Marie Sallé, Marie-Anne Camargo).

8.2. La Danza de Sociedad

Dentro de los pares de danza, la combinación más frecuente será la formada por Allemanda y Courante.

• Allemanda: De origen alemán, danza calmada, en ritmo binario y con una breve anacrusa inicial.
• Courante: Su nombre deriva del francés “courant” (correr) y es una danza rápida en ritmo ternario.

Otras danzas de moda en el Barroco:

• Bourrée: Danza de ronda francesa, de movimiento rápido y ritmo binario.
• Chacona: Danza cantada de origen español, tranquila y en ritmo ternario.
• Zarabanda: Danza solemne de origen español, en ritmo ternario y lento.
• Giga: danza rápida de origen inglés, en compás de 6/8.

Música y Danza en el Clasicismo

1. La Música

Características de la Música Clásica

En general la música es delicada, elegante, bella, objetiva, contenida de emociones, cortesana y algo superficial, aunque no pobre. No es descriptiva sino música pura, transparente, no describe, imita o significa nada.

• Melodía: tiene mucha importancia, constituye el elemento básico y busca la simetría, la regularidad. Las frases son claras, regulares y cuadradas (frases de 8 compases divididas en 4 períodos).
• Ritmo: sencillo, natural y variado. La transición de un ritmo a otro se produce sin los grandes contrastes de la música barroca. Se pierde la concepción mecánica
• Armonía: lenguaje plenamente tonal, es decir, existe una jerarquía tonal con importancia del grado I (tónica), V (dominante) y IV (subdominante). La armonía es transparente, no cromática. Las disonancias se resuelven dulcemente.
• Textura: triunfa el estilo homofónico o vertical. Se abandonan las formas contrapuntísticas y el bajo continuo. Se usa el Bajo Alberti para acompañar.
• Dinámica: contrastes expresivos, uso del crescendo y diminuendo de forma mesurada y tranquila.
• Instrumentación: se ponen las bases de la instrumentación y orquestación modernas al atender al colorido y sonoridad de cada instrumento. Aparece el piano.
• Formas siempre de estructuras claras y transparentes:
  • Desaparecen: suite, coral, concerto grosso, fantasía, cantata, tocata, las fugas sólo sobreviven esporádicamente
  • Sobreviven: variación, oratorio
  • Nuevas: sonata moderna y se aplica al trío, cuarteto, sinfonía y sonata para un instrumento. Sinfonía moderna, concierto para solista y orquesta.

2. Música Instrumental

2.1. La Orquesta

Con la caída del bajo continuo, deja de usarse el clavicémbalo. Hay otro instrumento importante: el piano. Los cambios fundamentales en la orquesta clásica: caída del clave y bajo continuo, incorporación de la trompa y el clarinete y aumento de la cuerda.

Esquema Constructivo más Utilizado: Forma Sonata

Llamamos sonata a una determinada manera de elaborar y estructurar el material musical. Esta "forma sonata" se puede reducir a una fórmula tripartita y simétrica A-B-A, o sea, exposición, desarrollo y reexposición. La estructura interna:

• Exposición: En la primera sección se presentan sucesivamente dos temas (a y b) contrastados melódica y rítmicamente; sigue un breve pasaje (c), que anuncia la conclusión de la sección.
• Desarrollo: Aquí el autor manipula libremente el material temático presentado antes según su imaginación, pudiendo en él predominar uno u otro tema o, incluso, servirse de nuevo material temático.
• Reexposición: es el “final feliz” de la sonata clásica, pues toda la tensión tonal creada anteriormente se resuelve con la reexposición de los temas a y b.

Este esquema tuvo tanto éxito que se aplicó al PRIMER MOVIMIENTO de todas las formas instrumentales de esta época.

2.3. Tipos de Formas Instrumentales

Obras instrumentales de esta época tienen entre 3 y 4 movimientos, siguiendo las características:

• Sonata: obra para 1, 2 ó 3 instrumentos. Se articula en 4 movimientos:
  • 1.- el primero, de carácter rápido. Utiliza la forma sonata
  • 2.- el segundo movimiento, lento, suele ser un tema más melodioso
  • 3.- el tercero tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minueto
  • 4.- el cuarto parte casi siempre forma de rondó (“estribillo” que se intercala sucesivamente entre varios episodios: A-B-A-C-A-D...) o se construye también con la forma sonata.
• Cuarteto: obra para cuatro instrumentos de cuerda (dos violines, una viola y un violonchelo) y 4 movimientos. Destacaron los de Haydn, Mozart y Beethoven.
• Quinteto: lo mismo, para cinco instrumentos.
• Sexteto, Septimio, Octeto, Noneto: ídem para 6, 7, 8 y 9 instrumentos.
• Sinfonía: obra para orquesta, sin solista, 4 movimientos. Dos de los hijos de Bach: Johann Christian Bach y, sobre todo, Carl Philip Emmanuel Bach, además de Haydn, Mozart y Beethoven son los más destacados compositores de sinfonías de esta época.
• Concierto: obra para solista-orquesta (concierto para piano y orquesta, para clarinete y orquesta, etc.). Lo más habitual son tres movimientos.

3. Música Vocal: Ópera Seria - Ópera Cómica

3.1. La Ópera Cómica

Sus características, siguiendo el modelo de La serva padrona, eran:

• Breve duración.
• Argumento muy simple. Temas mundanos, populares y estilo ligero; parodia con frecuencia a la ópera seria.
• Recurre a la expresión directa en lenguaje coloquial (a veces en dialecto). Partes habladas.
• Dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales. Estos personajes son arquetipos escénicos, siempre interpretados con las mismas máscaras y trajes, eran extraídos de la vida diaria: criados, barberos y a menudo se derivaban de los de la commedia dell'arte italiana.
• Arias más breves que en la ópera seria.
• Uso frecuente de melodías populares de fácil construcción.
• Finales felices por el uso de la razón, no por la divinidad.
• Reunión de todos los personajes al final.

El filósofo J. J. Rousseau, autor además de un célebre diccionario de Música fue quien compuso la primera ópera cómica francesa: Le devin du village en 1752. Giovanni Pasiello: El barbero de Sevilla. Domenico Cimarosa: El matrimonio secreto... La ópera buffa italiana y la ópera comique francesa tuvieron su equivalente en la ballad-opera inglesa y en el singspiel alemán.

3.2. La Ópera Seria

Gluck. Sus características:

• Utilización de una música más sencilla al servicio del texto, evitando la excesiva ornamentación de la música anterior.
• Se evitan los contrastes entre aria y recitativo, haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
• Se reforma el libreto, sobre el que se compone la obra, cuidando las cualidades dramáticas y suprimiendo las arias inútiles pensadas para el lucimiento exclusivo de los cantantes.
• El coro adquiere mayor importancia subrayando la acción, y por tanto cumpliendo una función dramática.
• Uso de la orquesta clásica para acompañar todo, incluso los recitativos, que antes se hacían con clave. Se da importancia a las oberturas.
• Los argumentos son sencillos y verosímiles, desechando los elementos fantásticos y artificiales del Barroco.
• La ópera seria suele estructurarse en tres actos y trata temas de carácter mitológico que terminan con finales heroicos o ejemplarizantes.

Orfeo y Euridice ópera en tres actos.

4. Grandes Autores

4.1. Franz-Joseph Haydn (1732-1809)

La gran aportación de Haydn a la historia de la cultura consiste en la fijación definitiva del esquema de sonata para las sinfonías y el cuarteto de cuerdas. Fue considerado “el padre de la sinfonía”, escribió más de un centenar de ellas, pasando por distintas etapas. Las primeras fueron compuestas con mayor flexibilidad y las últimas absolutamente magistrales y de mayor extensión. Es autor de 104 sinfonías, otros tantos cuartetos y multitud de oberturas, conciertos, sonatas y tríos, así como varias óperas, misas y oratorios (Las cuatro estaciones, La Creación). De todo ello lo más importante son sus últimos cuartetos y las sinfonías que escribió en Londres.

4.2. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Obras más Importantes

• Música instrumental: 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y orquesta, 5 para violín y 12 para otros instrumentos solistas.
• Música vocal: Respecto a la música religiosa compuso misas (como la magistral Misa de la Coronación) y un Requiem que dejó inacabado a su muerte.
  • Singspiel alemán (ópera cómica): El rapto en el Serrallo o La flauta mágica (esta última, acabada semanas antes de morir y compuesta para un humilde teatro popular, es una auténtica alegoría donde los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad están claramente simbolizados. Con ella, además, nace la ópera alemana que Wagner llevará a su culminación)
  • Ópera bufa italiana: Las bodas de Fígaro, Cossi fan tutte o Don Giovanni (la obra cumbre)
  • Ópera seria italiana: Idomeneo o La Clemenza di Tito.

4.3. Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Se dedica a la producción musical, concibiendo obras, su primer resultado fue: la Tercera sinfonía, dedicada a Napoleón. Al año siguiente, compone las más famosas sonatas y estrena su única ópera Fidelio, y en los años siguientes se suceden los conciertos y las sinfonías, hasta 1812 que es la fecha de composición de la Octava sinfonía. Sus grandes obras maestras: la Misa solemne, La Novena sinfonía y los últimos cuartetos. Característica permanente de toda su música es que desconcertó siempre a quienes la escucharon por primera vez, a causa de sus atrevidas innovaciones. Con él, la sonata se convierte en un principio formal absolutamente abierto a la expresión personal: solía cambiar el orden de los tiempos y dilatar sus proporciones, y convirtiendo a los movimientos finales en una auténtica culminación de todo el proceso de la obra. Aplicado a sus sinfonías, el procedimiento alcanza dimensiones verdaderamente grandiosas, potenciadas por una formidable capacidad de desarrollo temático característica de Beethoven. Su producción se cifra en 32 sonatas para piano, 17 cuartetos, 10 sonatas para violín y piano, una ópera (Fidelio), un oratorio (Cristo en el Monte de los Olivos), 9 sinfonías, 5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y otro triple para violín, violonchelo y piano, además de 2 misas, varias oberturas, variaciones, romanzas, canciones, tríos, etc.

4.4. Contemporáneos de Beethoven

Muzio Clementi, Luigi Cherubini, Antonio Salieri, Juan Crisóstomo Arriaga, Marianne de Martínez, María Teresa von Paradis, Corona Schroeter. Otras compositoras centroeuropeas: María Antonia Walpurgis, Anna Amalia. En Italia: Rosa Coccia y Mª Teresa D´Agnesi-Pinottini.

5. Música del Clasicismo en España

5.1. Música Escénica

5.1.1. La Ópera

Compañías españolas representan con éxito óperas italianas y compositores españoles, como Vicente Martín y Soler (1754-1806), triunfaban en Europa con obras escritas al estilo italiano. Este compositor era conocido como “Vicenzo lo Spagnuolo”, conoció a Mozart en Viena y a su libretista habitual, Lorenzo da Ponte, con el que compuso la ópera Una cosa rara (1786) cuyo éxito llegó a eclipsar la representación de Las bodas de Fígaro.

5.2. Música Instrumental

Continúan llegando músicos italianos, como Luigi Boccherini. También sobresale el bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga.

Música para Guitarra

Fernando Sor.

6. La Danza en el Clasicismo

Lully fue el verdadero motor en las vertientes de música y danza. Pero sin las aportaciones de Beauchamp y Molière, los avances que ésta introdujo y que acabarían conduciendo al ballet d’action, no habrían sido posibles.

6.1. El Ballet d'Action

A mediados del s. XVIII el ballet sufrirá una gran transformación de la mano del coreógrafo y bailarín francés Jean Georges Noverre (1727-1810) que plasmará sus ideas revolucionarias en el tratado Cartas sobre la danza y los ballets, publicado en 1760. Esta nueva concepción del ballet traerá consigo otros cambios significativos:

• La importancia del argumento, normalmente con desenlace trágico, que permita la inclusión natural de la danza.
• La composición de la música al servicio de la escena, escrita especialmente para la danza, en lugar de crear pasos sobre una música compuesta de antemano.
• La utilización del cuerpo de baile como una especie de telón de fondo sobre el que actúan los principales bailarines que protagonizan el desarrollo de la acción.
• Una nueva técnica de baile en la que se da más importancia a los gestos y las expresiones del rostro y busca movimientos naturales y delicados.
• El abandono de las máscaras, las pelucas y las vestimentas poco prácticas, adaptando las ropas a la escena y época representadas.

Otros coreógrafos como el italiano Gáspero Angiolini (1731-1803) crearon ballets de acción o pantomima.

6.3. La Escuela Bolera

Es un estilo de danza española desarrollada en los siglos XVII y XIX, destacando por movimientos elegantes, uso de abanicos y castañuelas. Influyó en la danza flamenca, fusionando elementos clásicos con gracia y expresividad. Es una parte importante de la tradición dancística española.