Música Clásica y Barroca: Evolución, Formas e Instrumentos

Clasicismo

Estilo: Galante Rococo.
Formas: Perfección, grandes formas y estabilización. Estructura formal clara y transparente. Formas instrumentales que desaparecen: suite, coral orgánico, preludio, concerto grosso, fantasía antigua, cantata, tocata. Formas que sobreviven: variación. Formas nuevas: moderna forma de sonata aplicada a trío, cuarteto, sinfonía y sonata para un solo instrumento; antigua obertura introductoria de óperas a música sinfónica instrumental, dando origen a la sinfonía moderna; antiguo concerto grosso da paso al concierto de instrumento solista acompañado de orquesta en forma de sonata de 3 movimientos.
Melodía: Claridad y simplicidad melódicas, frases más cortas, regulares y cuadradas, que se abren y cierran con reposos. Estilo homofónico o vertical. Desaparece el bajo continuo, abandono de formas contrapuntísticas.
Armonía: Transparente, no cromatizante, a base de acordes sencillos, sentido tonal muy transparente.
Instrumentación y orquestación: La música instrumental más importante que la vocal. Combinación de diferentes combinaciones instrumentales. Extensión de instrumentos es reducida. Instrumentos que no son usuales aún en la orquesta clásica: trombones, tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa. Empieza a desarrollarse el piano.
Dinámica (matices y signos expresivos): Contrastes expresivos a base de fuerte y piano y al uso de crescendo y diminuendo.
Ritmo: Sencillo y regular, con silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías; guarda un movimiento regular a través de una sección.
Ópera: Triunfa la reforma de Gluck. Ópera cómica y bufa rivaliza con la seria.
Música religiosa: Adquiere menos desarrollo, dominada por el espíritu operístico e instrumental, más bien hecha para concierto que para culto.
Música de cámara: Para un reducido número de instrumentos, que llevan forma sonata: trío, cuarteto, quinteto.
Música pura: No describe, imita o significa nada, sino que crea sensaciones. Las obras se clasifican por números agregados a la palabra latina opus (obra). Conciertos públicos de orquesta se implantan en la mayoría de naciones y gran consumo musical y expansión de música editada.

Barroco

Gusto por el fasto, lo monumental, aumento de la dimensión de teclados y número de registros del órgano. Juego de contrastes: oposición de planos sonoros, a través de la alternancia de grupos instrumentales desiguales o de composición variada; en los tempi de las obras: en la suite, sonata o concierto, se suceden movimientos vivos y lentos; textura: secciones homorítmicas se oponen a secciones fugadas; en la dinámica, se practica el procedimiento haciendo que a un piano le siga un forte.
Características: La tonalidad se desliga de los modos; se estructuran grandes formas musicales (suite, sonata, concierto, fuga); se celebran conciertos públicos; instrumentos antiguos (laúd, viola, clavecín) dejan de usarse poco a poco y se sustituyen por muchos de nuestros instrumentos actuales; la orquesta toma cuerpo; se amplían las posibilidades técnicas de algunos instrumentos y se da pie al virtuosismo, especialmente en el violín; dominada por ciudades italianas, aunque los demás países (Francia, Alemania, Inglaterra) iban a desarrollar su propio estilo. Genio de transición será Monteverdi, que logró importantes innovaciones en recursos de armonía, timbre y forma. Estableció rasgos musicales distintivos en diversos estilos de composición: el más sencillo, que llamó prima practica o stile antico, y seconda pratica o stile moderno. Los compositores empiezan a escribir música de forma específica, para el instrumento o agrupación en cuestión. La familia del violín comienza a sustituir a las antiguas violas gracias a grandes luthiers, de los que destacamos a Stradivarius y Amati. Se mejoraron los instrumentos de viento y el arte del canto avanzó con suma rapidez; así, los estilos vocal e instrumental empezaron a diferenciarse. Rasgo común a todos los compositores del Barroco fue la tentativa de expresar ideas y sentimientos con máxima vehemencia. Los compositores luchan para encontrar medios musicales que expresen sentimientos.

Música de Cámara

Se escribe mucha música para pequeñas agrupaciones instrumentales, que llevará diferentes nombres como serenata, casación, divertimento, que son como continuación de la suite orquestal barroca; llevarán muchas danzas y constarán desde 4 hasta 10 breves movimientos (Haydn: 65 títulos; Mozart: 30). Época clásica: se continúa practicando música para combinaciones instrumentales, que serían de estilo menos contrapuntístico que las del Barroco, la mayoría construidas sobre la nueva forma de sonata clásica. Combinaciones preferidas serán la sonata para instrumento de teclado y violín, así como el cuarteto de cuerda. El número más usual de movimientos en estas obras es de 3. Al lado de las sonatas para teclado de los hijos de Bach, se cita al italiano Paradisi, que publicó en Londres sonatas para clavecín a 2 tiempos, en forma binaria. Las 100 sonatas de Clementi, italiano domiciliado en Londres, precursor de Beethoven, difundió el piano a través de sencillas y cristalinas sonatinas y estudios de mecanismo para este instrumento y dirige una fábrica de pianos. Prepararía el camino a grandes compositores y virtuosos del piano como Field, Moscheles, Czerny y Cramer, que se estableció en Londres, donde fundó una casa editora de música (105 sonatas para piano). España: sonatas para clave de Mateo Albéniz, Mateo Ferrer, Felipe Rodríguez, José Gallés, Blas Serrano, Freixanet y N. Casanovas. Combinación más usual entre la música de cámara: cuarteto de cuerda (2 violines, viola y violonchelo), sucesor de la sonata-trío del Barroco, en forma de sonata clásica. Luigi Boccherini, gran violocentista italiano que murió en Madrid; el toledano Manuel Canales, uno de los que compone cuartetos, que publicó en Londres.

Ballet de Acción

En Viena florecía la reforma operística de Gluck; se desarrolló la obra de otro italiano, Gasparo Angiolini, cuya obra maestra fue el ballet Don Juan. Después de triunfar L'Opéra Comique de París, el ballet-pantomima se extendió por toda Europa, dirigido por Gasparo Angiolini y Georges Noverre.
Ballet de acción: Espectáculo coreográfico narrativo, cuyo argumento se desarrolla con la ayuda de la danza y la pantomima.
Noverre (3 géneros de danza): danza noble y seria (exige altura elevada, bien proporcionada y fisionomía noble; este género abarca la zarabanda, pasacalle, adagio a 3 y 4 tiempos, loure, minuet, chacona a 2 y 3 tiempos, giga, marchas, gavota cercana al movimiento de gavota a 2 tiempos); danza mixta (exige altura mediana, figura esbelta y graciosa y fisionomía agradable; su representación contiene el romance, siciliana, musette galante, minuet gracioso, andante, pastoral, giga, gavota y caracteres de céfiros, sílfides, griegos, romanos); danza cómica (exige talla no muy alta y más fuerte que fina, fisionomía jovial, sonriente, expresiva; movimientos musicales basados en la musette campestre y pastoril, minuet cómico y grotesco a 4 tiempos, tambourin, allemandes y todos los caracteres cómicos del género). Se funda en París la Academia de Música y Danza, donde aparece la primera bailarina profesional, Mademoiselle Lafontaine. Jean Georges Noverre, teórico de la danza, coreógrafo y bailarín, publicó Lettres sur la danse, donde analiza ideas que dejó sentir en todos los medios balletisticos; creó el ballet de acción, donde introdujo la pantomima y eliminó los recitativos (105 ballets). Debutó a los 16 años en L'Opéra Comique; representó con éxito Les Fêtes Chinoises; un empresario inglés le contrató, con su cuerpo de baile y dibujante de trajes, para el teatro londinense que él dirigía. Fue maestro de baile en la corte del duque de Wurtemberg, en Stuttgart, haciendo de esta ciudad el centro del ballet. La evolución histórica hizo que el ballet se desvinculara de la palabra y, en el Teatro Ducal de Milán, se distribuyó entre los espectadores un libreto para facilitar la comprensión de la acción del ballet, que no siempre tenía clara la trama. Se representó el ballet completo de acción mitológica y cómica. Noverre perfeccionó este género, el ballet de acción, primero en Stuttgart, luego en París y Milán, después imitado por todos los coreógrafos de Europa; en Viena fue maestro de danza de la archiduquesa María Antonieta, que le nombró maestro de ballets de la Académie Royale de Musique. Otro tratado sobre danza, original de Genaro Magri, maestro de ballet en la corte de los Borbones de Sicilia y fundador de una academia de música y danza, que ilustra los procesos técnicos por danza de escuela. Otra de las máximas representantes fue Augusto Vestris, considerado, con Noverre, como uno de los fundadores de la ciencia coreográfica, aportando enormes progresos a la técnica de los saltos.

Beethoven

Bonn (Alemania), 1770 - Viena (Austria), 1827. Abuelo: director de orquesta en Bonn; padre: tenor en la misma corte, alcohólico. Gracias al dinero cedido por aristócratas, Beethoven completó su educación musical. Christian Neefe: su mejor maestro y quien le animó a viajar a Viena, donde se instaló, viviendo como músico independiente gracias a sus excelentes cualidades como pianista. Fue desdichado en amores; las mujeres que amó no le correspondieron, lo que, unido a su sordera, que a los 32 años era total, le llevó a la desesperación y al intento de suicidio. Amaba la naturaleza, la paz y la democracia, y creía en el ser humano como forjador de su destino; estas ideas están plasmadas en sus obras.
Tres periodos:
1. Periodo de influencias clasicistas: comprende 6 cuartetos de cuerda, opus 18; primeras sonatas para piano; 3 primeros conciertos para piano y orquesta; y 2 primeras sinfonías.
2. Periodo de madurez: abarca desde la 3ª sinfonía (dedicada a Napoleón Bonaparte, hasta que el músico se entera de que Napoleón, a quien consideraba republicano, se había autoproclamado emperador) hasta la 8ª sinfonía. Supera los modelos formales de Haydn y Mozart; única ópera: Fidelio; conciertos para piano y orquesta nº 4 y nº 5 ("Emperador"), así como la mayor parte de la producción de cuartetos y sonatas.
3. Periodo de plenitud: su sordera le convierte en un ser solitario; estilo romántico; 9ª sinfonía ("Coral"), primera sinfonía de la historia con voces humanas; último cuarteto: Gran Fuga; últimas sonatas para piano; y la Misa Solemne.

Ballet de Cour

La danza llega a Francia a través de Catalina de Medici, que contrató a un violinista y bailarín italiano para organizar los festejos de la corte. Primer encargo: un espectáculo-ballet para celebrar el matrimonio de uno de los hijos de Enrique III: Le Ballet Comique de la Reyne, comedia de 5 horas, mientras desfilaban carros, músicas e infinidad de danzas. Las circunstancias políticas desastrosas de Francia impidieron que el Ballet Comique de la Reyne fructificase. La necesidad de restricción obligó a introducir novedades que llevaron a un nuevo baile: el ballet de cour (ballet cortesano): diferentes géneros y espectáculos pantomímicos y danzables con coros destinados a la corte; mascaradas fáciles de improvisar, unidas a una leve trama: ballet-mascarada; ballet de números sueltos: cada entrada es un número distinto y con efecto visual de disfraces y danzas; no necesitaba escena, bastaba con que los músicos disfrazados formaran un cuadro, dentro del cual se hacían las danzas, luchas, pantomimas y acrobacias. Tras la muerte de Luis XIII no hay ballets en la corte; se sustituyen por la ópera. Al público cortesano le gustaban las entradas de ballet en los entreactos, pero no la ópera, por estar escrita en un idioma que no eran capaces de entender. Llega a París Giovanni Battista Lully, que se convierte en Jean-Baptiste Lully e introduce una reforma. El rey Luis XIV le nombra compositeur de la musique instrumentale de la corte. Con Luis XIV, amante de la danza (el "Rey Sol"), que apareció en el Ballet de la Nuit personificando al dios Apolo con 14 años, había intervalos muertos entre cada dos números de los ballets de entradas; para rellenarlos, Lully compone trozos instrumentales seguidos de trozos vocales, dúos, escenas dramáticas; las entradas parecen pasajes bailados de ópera: ópera-ballet; la parte cantada e instrumental tendrán cada vez mayor importancia. Comienza su andadura en la Academia de Música, de la cual se hace cargo Lully: la Académie Royale de Musique et de Danse, donde todos los componentes de la ópera y del ballet van a recibir una reglamentación rigurosa.

Danzas del Barroco

Bach, Haendel, Purcell, Couperin construyeron suites para diversos instrumentos e incluso para orquesta con estas danzas:
Air: Aire o air de cour, desde el siglo XVI, importante representante de la música en el Grand Siècle, durante el Barroco.
Allemande: Danza lenta alemana de compás cuaternario; ocupa un lugar de importancia. Estructura: secciones que se repiten, yendo de tónica a dominante y luego de dominante a tónica; es monotemática y su ritmo lento en semicorcheas es ancrúsico, y el primer tiempo se prolonga sobre el segundo, creando mayor irregularidad.
Ballo: Danza renacentista italiana, variante del original francés; posee trío que va da capo; de compás binario; carácter alegre.
Branle: Destacada danza del Renacimiento francés; ritmo binario y con forma tripartita (ABA); se baila en corro. Las suites de branles aparecen en las primeras ediciones de danzas de Attaignant, designando branles de diversa velocidad: en general, a paso balanceado: double (lento), simple (tranquilo), gay (rápido), Bourgogne (vivo); los dos primeros son de compás par y los dos últimos, impares.
Bourrée: Antigua danza francesa, procedente de Auvernia, semejante al rigodón; carácter alegre y movimiento rápido; integra las suites de danzas de los siglos XVII y XVIII. Ancrúsica y alla breve (en compás de 2/2).
Canario: Baile de procedencia española (Canarias), que se acompaña de castañuelas y de aire muy movido; aparece en el Quijote, citado por Cervantes, pero no es cortesano.
Courante: Danza presurosa, también llamada "corriente" en francés e italiano. Forma parte de las suites instrumentales de los siglos XVII y XVIII; suele ser el segundo movimiento en el esquema fundamental de las mismas, existiendo ya en el siglo XVI, y su nombre define el carácter de las mismas.
Chacona: Antigua danza de origen español y después muy difundida y aceptada en toda Europa durante el Barroco. Su nombre significa "canción danzada"; de ritmo ternario, con cierta inflexión sobre el segundo tiempo y estructurada a la manera de una variación sobre un bajo ostinato, similar al tratamiento de la passacaglia.
Folía: Variaciones sobre bajos de canción y danza, que se va repitiendo, aumentando la dificultad ornamental o de velocidad en la interpretación. Su nombre deriva del francés folie o "locura".
Gallarda: Antigua danza francesa de gran popularidad en toda Europa en el Renacimiento; acompañaba, como segunda danza, a la pavana y se bailaba en grupo.
Gavota: Antiguo baile francés, de compás binario o cuaternario, y de movimiento no muy rápido, en 2/2, ancrúsico; subsiste aún en Gran Bretaña.
Giga: Irlandés o escocés, aceptada en Inglaterra y Francia; carácter vivo y compás compuesto e inflexión en el segundo tiempo; suele darse en escritura fugada o muy imitativa.
Minuet: Del francés "paso menudo"; es una antigua danza popular francesa de origen campesino, que pasó a la corte en tiempos de Luis XIV. Tempo moderado y ritmo ternario, generalmente ancrúsico. Estructura formal: se transformará desde el binario monotemático al ternario bitemático con trío del Clasicismo. Fue introducida en la ópera por Lully, Rameau y Haendel, y se convirtió en componente fundamental de las suites barrocas y posteriores sonatas, serenatas y sinfonías del Clasicismo.
Pavana: Danza francesa; ceremonioso baile de corte; viene de Padua (Padova). Danza fúnebre que, cuando moría una joven, bailaban sus amigas para despedirla; por ello es recuperada con estas características por los impresionistas, como Fauré.
Rigodón: Danza de ritmo binario y movimiento vivo, de origen provenzal; aparece en la suite a finales del siglo XVII.
Rondeau: Danza viva, en la que un tema A, también llamado "refrán" o "estribillo", se repite intercalado con otros (B, C, D) o coplas. Existiendo el simple (ABACA) y el compuesto o desarrollado (ABACADA). Muy cultivado por Rameau y Couperin. En el Clasicismo suele ser el movimiento final de sonatas, sinfonías y conciertos.
Saltarello: Danza italiana de origen romano, de compás compuesto en 6/8 y tempo muy ágil; va precedida de una danza lenta, como la pavana.
Siciliana: Compás compuesto de 6/8; carácter alegre y origen italiano.
Zarabanda: Danza lenta y expresiva de origen español, de ritmo ternario, con figuraciones largas muy ornamentadas, integrando las suites instrumentales en el Barroco como movimiento central.

Teatro en España: La Zarzuela

La zarzuela, género barroco restaurado por Barbieri a comienzos del siglo XIX, es un género lírico español que nace como espectáculo cortesano y se transforma en espectáculo de masas urbanas a mediados del siglo XIX. En 1851, el estreno de Barbieri, Jugar con fuego, y la inauguración, en 1856, del Teatro de la Zarzuela, templo del nuevo género. En todas las ciudades de España surgen teatros dedicados a la zarzuela, y se extenderá a lo que eran nuestras colonias en América (en Cuba, la zarzuela cubana).
Orígenes: Siglo XVII. Comedia y zarzuela: partes habladas y cantadas; la primera, hablada, pero con música, y la segunda, con participación de ambas partes. La "zarzuela" viene del Palacio de la Zarzuela, llamado así porque abundaban las zarzas en él. Género teatral español de carácter cómico, en uno o varios actos, en el que se alternan escenas habladas y cantadas; se diferencia de la ópera por usar texto hablado y cantado. Comienza con obras escritas por Calderón para representar en el pequeño teatro del Palacio Real de la Zarzuela, en El Pardo (Madrid).
Elementos: Diálogo hablado; la música entraba en la parte "dulce" de la representación; género para público cortesano; temática amorosa, idealizada, pastoril; protagonistas: dioses/as de la mitología clásica, personajes que se enamoran, odian y sufren; presencia de lo tragicómico; elementos como canciones, bailes, danzas; tiende a lo burlesco, con el uso de lenguaje común y sencillo. El laurel de Apolo, de Calderón, escrita para festejar el nacimiento de un hijo varón de Felipe IV. Las zarzuelas pronto fueron comunes en todas las fiestas reales. Los autores de la música fueron músicos asentados en la corte: Juan Hidalgo, Cristóbal Galán, Juan de Navas, Sebastián Durón y Antonio Literes.
Elementos formales: Coros a 4 voces, dúos, tonos y tonadas a voz sola, en forma estrófica, o compuestos por coplas y estribillo; aparecen también arias, representadas por compañías de Madrid e instrumentistas de la corte; los papeles solistas los interpretan actrices-cantantes de compañías cómicas y músicos de guitarra y arpa.
Etapas:
1. Época de Calderón, con el compositor Juan Hidalgo (Los celos hacen estrellas y Juegos olímpicos).
2. Juan de Navas, Sebastián Durón y Antonio Literes (Amor, industria y poder, de Navas; Salir el amor del mundo, de Durón; y Júpiter y Danae, de Literes).
3. Obras de Durón y José de Nebra (Viento es la dicha de amor).
Siglo XVIII y la Tonadilla: La zarzuela deja de ser un espectáculo para la corte y se extiende al público de los corrales y a los teatros municipales de Madrid (La Cruz, de los Caños del Peral); incremento de los elementos populares, mezclados con los del carácter italiano en Acis y Galatea, de Antonio Literes y José de Cañizares. José de Nebra: en la primera compone para corrales y para público no cortesano (Viento es la dicha de amor); conocimiento de la ópera napolitana y del aria da capo, como uso de elementos españoles; combinación de lo trágico con lo cómico y metros populares como las seguidillas. Ramón de la Cruz introduce cuadros de costumbres y claro realismo, en colaboración con el músico Antonio Rodríguez de Hita (Conde de Aranda): Las segadores de Vallecas o Labradores de Murcia.
Tonadilla: Se escenificaban en los intermedios de las comedias, en un acto, de fuerte espíritu popular, en teatros y corrales de comedias, que desarrollaban una acción muy simple, cómica o satírica, para uno, dos o tres personajes. Personajes de la vida diaria: hortelanos, venteros, toreros, lacayos, músicos, poetas, peregrinos. Temática: amores, desdenes, celos, venganzas, desengaños. Estructura musical tripartita (ABC): introducción, coplas y final, que terminaba en seguidilla. Música de características nacionales; danzas como la seguidilla, el fandango, así como instrumentos hispanos (guitarra, castañuelas).

Instrumentos del Barroco

El laúd, la viola y el clavecín eran instrumentos "nobles"; los violines no contaban con buena reputación, se usaban para acompañar al baile. En este periodo, la relación entre el instrumento y la clase social era muy estrecha. Hicieron momentos de esplendor el laúd, la viola de gamba y el clavecín; algunos evolucionaron (el violín) y nacieron otros nuevos (clarinete, fagot, pianoforte). Se intercambiaban instrumentos de la misma tesitura; los instrumentos llamados "de alto" (altos de viola, violín, oboe, flauta) eran intercambiables entre sí, como también los bajos melódicos (bajo de viola, violonchelo, fagot). Los instrumentistas determinaban el tempo adecuado, adornaban la melodía, variaban las repeticiones, restauraban la frase, la dinámica y la articulación. Los instrumentos se podían agrupar en bandas, que reunían instrumentos de la misma familia.
Formas instrumentales del Barroco: Las formas heredadas del siglo XVI son formas basadas en la imitación, como la canzona o la fantasía, o formas de estructura libre, como la tocata.
La suite: "Serie" o "sucesión", en francés. Puede ser para teclado o para orquesta; sucesión de piezas instrumentales de caracteres contrastados, regida por una tonalidad única y un estilo particular de danza, de forma binaria. El número de piezas de la suite no es fijo, pero se establecieron como más habituales la allemande, courante, zarabanda y giga.
Sonata: Deriva de la canzona da sonar, expresión que significa "pieza inspirada en la polifonía vocal, pero interpretada por instrumentos". Las sonatas eran series de canzones alegres. Modos: sonata da camera (destinada al concierto) y sonata da chiesa (a la iglesia). La de concierto tiene todas las características de la suite de danzas, y la de iglesia incluye de 3 o 4 movimientos: lento-vivo-lento-vivo. Las dos sonatas son sonatas en trío, para dos partes solistas o principales, sostenidas por un bajo continuo. Scarlatti: Ejercicios: sonatas breves para clave, de un solo movimiento; surge el virtuosismo en el teclado, con cruces de manos y ataques. Estas sonatas unen la gracia y la agilidad italianas al ritmo alegre hispánico. Influye en el Padre Soler, en las 80 sonatas para clavecín; también es autor de 6 conciertos para 2 violines, viola y clave, y de los conciertos para 2 órganos.
La fuga: Nació del ricercare y la canzona renacentistas. Composición polifónica de estilo horizontal o contrapuntístico, en un solo movimiento; reaparece el personaje principal o tema, acompañado de un tema secundario, imitado libre o rigurosamente (canon); al final, las voces terminan juntas en un final común. Alcanzó su punto culminante con Bach.
Concerto grosso: Se fijó su forma definitiva bajo la influencia de Giuseppe Torelli y Arcangelo Corelli. En los 12 Concerti, opus 6, de Corelli, el conjunto instrumental se opone a un grupo de solistas formado por un trío de cuerdas; alternancia entre tutti y concertino; se establece una especie de eco entre ambos. Johann Sebastian Bach: perfeccionó los estilos y, en vida, no fue conocido y estimado como debía como compositor, pero sí como organista; su música cayó en el olvido después de su muerte, hasta que Mendelssohn rescató su figura.
Concierto para solista: Oposición tímbrica que se establece entre el solista y el tutti. Antonio Vivaldi: modelo clásico, concierto en 3 movimientos, a veces con introducción lenta precediendo al primer allegro, muy rítmico y con tonalidad afirmada; tradicional procedimiento del eco hasta la dinámica por grados (piano, più piano, pianissimo). Georg Friedrich Haendel: casi 43 óperas, 40 suites para clavecín, 37 sonatas y tríos, 2 conciertos para órgano y orquesta, 22 conciertos para orquesta y Música acuática.
El panorama europeo:
Italia: Conciertos, oberturas, concerti grossi, sonatas; formas en las que predomina la cuerda (violín) y el clavecín, en menor escala (Antonio Vivaldi, Giovanni Battista Pergolesi y Giuseppe Tartini).
Francia: Breves piezas graciosas para ser degustadas en salones recogidos, para clavecín (François Couperin y Jean-Philippe Rameau). El Arte de Couperin representa la finura, simplicidad, espíritu galante.
España: Música de teclado: clavecinistas (Scarlatti padre, Soler) y organistas (Correa de Araujo y Juan Bautista Cabanilles). Batalla: piezas que describían una batalla, vocales (La guerre, de Jannequin) o instrumentales (The Battle, de Byra); imitaban armas de fuego.
Alemania: Suite en clave y otros instrumentos (Bach y Haendel). En clave, después de estos, Mattheson y Telemann. Georg Philipp Telemann compuso piezas para clave en forma de suite, fantasías para clavecín a modo de oberturas, 20 piezas breves para clave y órgano, sonatas y 18 canones melódicos.
Formas religiosas:
a) Cantata: Forma breve, discontinua; alternan recitativos, coros y arias a una o varias voces, acompañadas de bajo continuo y partes instrumentales; descriptiva, teatral, lírica. Cantata italiana: nació al tiempo que el canto expresivo, el bajo continuo y el estilo concertante; se reduce a una sola escena o al momento psicológico que trata de resaltar (Carissimi, Cesti). Alemania: parte de los corales en alemán se intercalaban a veces dentro del mismo oficio religioso, entre el evangelio y la homilía; formaban parte de cantatas; corales con textos de la Biblia; el recitativo precedía al aria, y las arias con forma da capo (200 cantatas de Bach); los coros contrastan con las arias; la estructura es la misma que en la ópera.
b) Oratorio: Composición vocal-instrumental con partes líricas y dramáticas, sobre textos religiosos; intervienen el narrador de la escena, voces solistas, coro y orquesta; puede haber obertura instrumental y solos en forma de recitativos o aria. Surgió de las representaciones sagradas italianas del siglo XVI. Dos tipos: oratorio latino (textos bíblicos y en latín) y oratorio vulgar (textos bíblicos italianos y afán educativo y moral) (Landi y Carissimi, sus cultivadores y compositores). Bach: Oratorio de la Ascensión, Oratorio de Pascua, Oratorio de Navidad. Telemann: El día del juicio. Haendel: Judas Macabeo, El Mesías, Josué y Sansón.
c) La Pasión: Oratorio basado en el tema de la muerte de Cristo; origen: siglo IV; tradición de la Iglesia de declamar textos evangélicos sobre la crucifixión y muerte de Cristo durante la Semana Santa; el relato lo recitan tres clérigos, que desempeñan los papeles de cronista o narrador (voz de registro medio), Cristo (grave) y pueblo (agudo). Bach: 5 Pasiones, solo se conservan dos; de la Pasión según San Marcos solo se conoce la letra; Pasión según San Juan (pocas arias, extensión moderada); Pasión según San Mateo (recuperada por Mendelssohn), una de las cimas de la música.
La misa: Misa para coro a capella (con o sin bajo continuo); misa policoral (distribuía a los cantores del coro en grupos por la iglesia); instrumental; misa concierto (alternaban solistas con el coro e instrumentos con voces). Según la finalidad: misa brevis (usaba los textos del Kyrie y del Gloria, liturgia del domingo); misa solemnis (5 piezas de la liturgia ordinaria componían con música las ceremonias solemnes).