La Música del Barroco: Innovación y Expresividad

¿Qué es el Bajo Continuo?

Es una nueva textura que dio lugar al cambio más transcendental en el lenguaje musical del Barroco. Gracias al bajo continuo es posible la elaboración de una melodía que se mueva con libertad sin renunciar a que esté embellecida por el acompañamiento de otras voces. Consiste en una melodía principal muy flexible en el registro agudo, acompañada por una contra-melodía en el grave que actúa como voz secundaria y como soporte de la primera. La voz principal es cantada. Para la contra-melodía (el bajo) puede usarse cualquier instrumento melódico del registro grave: lo más habitual es usar una viola da gamba o un violoncello, pero también puede ser un fagot. Los acordes suelen estar a cargo de un teclado del tipo del clave o instrumentos de cuerda pulsada como los de la familia del laúd o la vihuela. Esta textura se usa en la música pop rock, con su cantante principal, el bajo eléctrico y la guitarra rítmica.

Periodos

Para el estudio de esta época es útil dividirla en 3 etapas:

1º Barroco

Etapa de creación del nuevo estilo. Surgen las técnicas musicales que serían utilizadas a lo largo de todo el periodo.

2º Barroco

Etapa de consolidación del estilo. Aparecen nuevos géneros musicales en los que se aplican técnicas creadas en la etapa anterior.

3º Barroco

Etapa de madurez. No se crean nuevas formas, pero se elaboran y desarrollan hasta que son abandonadas o transformadas en la siguiente etapa de la historia de la música.

Características del Barroco como Periodo Histórico

El término barroco se aplicó desde la historia del arte para describir la estética del periodo. Características:

En el Nivel Político

La monarquía pasa de ser autoritaria a absolutista.

En el Nivel Económico

Los estados se financian favoreciendo el comercio y la industria que enriquecen a la burguesía.

Punto de Vista Social

División en tres estados que establecen distinciones legales, fiscales y políticas entre la nobleza, clero y pueblo llano. Lo que genera grandes tensiones sociales ya que la mayor parte de la riqueza está en manos de la burguesía y está legalmente desfavorecida.

Nivel Artístico

Las tensiones sociales tendrán su reflejo en el arte de la época. Se busca el movimiento, lo violento y lo desmesurado (gigantismo), la decoratividad (horror vacui) y las formas clásicas se deformarán y retorcerán. El arte, sobre todo busca expresividad (pasión y movimiento). Esta búsqueda es universal y objetiva. El arte y la música actúan de forma automática sobre el individuo, alterando su equilibrio de “humores” y manipulando sus sentimientos.

Claudio Monteverdi

Fue el primer músico profesional que se interesó por la “nueva música”. Empezó experimentando con arias y madrigales (pero con composiciones más elaboradas) y los madrigales más cuidados desde el punto de vista musical. Después comenzó haciendo intermedios (son pequeñas obras que se representaban en los intermedios de obras teatrales más grandes). En una de sus obras, ensayó una nueva manera de utilización del acompañamiento instrumental al servicio de las necesidades dramáticas del texto, lo llamó estilo concitato o agitado. Después, comenzó a crear óperas para las que utilizó el mito de Orfeo, es la primera ópera musicalmente compleja en la que se reflejan los recursos musicales conocidos de la época. El Orfeo, aparte de contener arias y madrigales, contiene coros y números instrumentales.

La Cantata y el Oratorio

Surgen en un periodo de crisis económica, lo que propició el desarrollo de dos nuevos géneros musicales de carácter narrativo que no se representan teatralmente: la cantata y el oratorio.

Ambos géneros tienen una estructura derivada de la ópera, pretendiendo utilizar el máximo de recursos musicales, pero la diferencia estaba en que a lo largo del período estos géneros adquirieron un diseño fijo. Por lo que la cantata era encargada por la aristocracia y era de carácter profano, había pocos instrumentos y cantantes. Predominaban las arias y los ariosos. El oratorio era encargado por la iglesia y trataba temas religiosos, en ellos predominaban los coros y tenían un narrador (historicus).

¿Qué es la Ópera?

Es un género musical representado teatralmente. Este era el objetivo final de los compositores barrocos. En esta época a la ópera se le llamaba “drama musical” o “tragedia en música”.

Las primeras óperas fueron compuestas por los compositores Peri y Caccini. Sus primeras óperas trataban el mismo tema, usaron el argumento del mito de Orfeo. Las dos obras estaban formadas por madrigales con algún aria. Fueron unas obras fuertemente expresivas pero musicalmente aburridas por el abuso de madrigales. Como música experimental fueron muy bien valorados en su época. Surge en el siglo XVII en Italia.

La Ópera en Francia

Una serie de ministros del rey, se proponen modernizar los gustos musicales franceses con la introducción de los montajes de ópera. La ópera, para tener éxito en Francia, tenía que adaptarse al gusto de la tradición autóctona. El encargado de ello era Jean Baptiste Lully (compositor de origen italiano, músico y maestro de baile del rey Luis XIV).

Antes de la elaboración de una ópera francesa, aborda la composición de ballets en los que introduce las técnicas italianas del bajo continuo. Desarrolla un género a medio camino entre el ballet y la ópera, “comedia-ballet”, comedias teatrales con muchos números bailados. En ellas Lully ensaya la forma de combinar el estilo expresivo de la música italiana con las particularidades de la lengua francesa. Una vez aceptados por el público estos géneros de música representada, Lully inicia la composición de óperas.

Lully fija en sus tragedias líricas un esquema adoptado por compositores franceses, pretende adaptarse al gusto del público francés y a las características propias de su idioma. Las óperas comienzan con una obertura, (un número puramente instrumental que adopta una forma particular, obertura a la francesa). Consta de 3 secciones: una lenta y solemne de ritmos punteados, una rápida en estilo fugado y una vuelta a una sección lenta que suele ser una repetición de la primera. Este tipo de obertura es adoptado por músicos alemanes (Händel) y se extiende a otros géneros musicales como la suite orquestal. La utilización de mucha música instrumental de danza que era bailada en el escenario. En cuanto a lo vocal es particular. No hay una distinción clara entre arias y recitativos. La acción se desarrolla en un arioso en el que se pretende un compromiso entre lo musical y lo expresivo.

¿Qué son las Arias y los Madrigales?

Son dos tipos de composiciones que comienzan a elaborar como ensayo de esta nueva textura, intentando elaborar una tragedia al estilo griego.

Madrigales

En estas obras se ponen en práctica todos los ideales expresivos que persigue la música barroca. Las melodías están al servicio de las necesidades del texto. Si no se entiende el significado de las palabras que acompañan, las melodías pierden su contexto y adoptan un aspecto extraño. En estos, la música no es coherente por sí misma.

Arias

En ellas está el interés musical. Las melodías buscan ser agradables y pegadizas. Usan formas estróficas sencillas y son los textos los que se subordinan a las necesidades melódicas.

Tendencias

La Música Coral

La tendencia a la exageración y a la manera de la monumentalidad se traduce en un amplio desarrollo del policoralismo. Se generaliza el uso del instrumento para el acompañamiento de la música coral y las composiciones más destacadas serán las misas, aunque también se componen motetes. A este tipo de música se le suele llamar barroco colosal.

Obras en el Nuevo Estilo

Se realizan obras asociadas al oficio, que se componen con los criterios de las arias y los madrigales, y destacan las composiciones de Monteverdi. En algunos casos, como las Vísperas de la Beata Vergine, combinan partes policorales con otras de este tipo.