Movimientos Artísticos: Características, Obras y Artistas Representativos

Fauvismo

El Fauvismo se desarrolla en Francia en el año 1905 y nace de una tendencia antiimpresionista, ya que los impresionistas iban desde el exterior hasta el interior, y el Fauvismo va desde el interior hasta el exterior, por lo que es un movimiento más creativo. El nombre del movimiento es este, porque en 1905 hubo una exposición en el Salón de Otoño donde se presentaron unos pintores que se autoconsideraban independientes. El crítico Louis Vauxcelles dijo que parecían fieras al ver sus obras por la forma de usar el color.

Características del Fauvismo

• Surge como reacción contra el Impresionismo.
• Sus representantes están a favor del color y de los objetos (que delimitan con una línea gruesa).
• El color y el objeto se independizan y ya no tienen relación.
• Usan manchas planas y anchas.
• La luz desaparece y, por lo tanto, desaparece la profundidad.
• Las composiciones tienden hacia un plano único (solo el primer plano).
• El color es lo más importante, ya que es el que transmite la emoción.

La raya verde (1905, Henri Matisse)

La intención de Matisse al pintar este cuadro no era reflejar el rostro de su mujer, sino reproducirlo tal como él lo veía, es decir, plasmar su propia vivencia interior.

Materia y Técnica: Óleo, pintura que se obtiene disolviendo ciertos pigmentos en una solución aceitosa. Permitía colores más vivos y brillantes y, mediante la aplicación de la superposición de dos o más colores, se conseguía una mayor variabilidad de tonos y una extraordinaria minuciosidad.

Análisis formal: En La raya verde aparece la esposa de Matisse captada de medio busto hacia arriba y con el rostro levemente ladeado. A pesar de la intensidad cromática, la obra transmite calma. El artista ha simplificado las formas de su mujer reduciéndolas a lo meramente esencial. La raya verde no está situada de forma arbitraria: muestra la separación entre el espacio iluminado y el sombreado. Matisse traduce la luz a colores, de manera que el lado de tonos fríos simula la parte en sombras, y el lado de colores cálidos, la iluminada. Al fondo llaman la atención, en su rechazo de las armonías tradicionales, los tonos verdes, naranjas y violetas. Los colores, intensos y saturados, están distribuidos en áreas planas, sobre todo en los fondos; en la mujer están planteados con pinceladas sueltas, pero siempre siguiendo un orden o ritmo que dan sentido a la imagen. La premisa de Matisse era “sencillez, claridad y tranquilidad” y siempre la acató. Jugó con los colores, las curvas y las contracurvas para que su pintura consiguiese su principal objetivo: ser un placer.

La casa de la cascada (Frank Lloyd Wright, s. XX, Racionalismo)

En La casa de la cascada (también conocida como la casa Kaufmann) podemos observar una arquitectura que integra fachada y fondo. Los materiales empleados son el hormigón, la piedra natural, el hierro pintado, el vidrio y el aluminio. La casa consta de tres plantas, dispuestas de forma escalonada para salvar los desniveles de las terrazas de rocas que flanquean el salto de agua y que ejercen de cimientos del edificio. La planta baja se asienta directamente sobre la roca natural que forma la base de la chimenea (eje vertical de la casa) y se prolonga con una impresionante terraza suspendida horizontalmente sobre la cascada; crea así la ilusión de que el salto de agua surge de las entrañas del edificio. El exterior brinda la integración con el entorno: la naturaleza que rodea la vivienda invade la construcción; incluso la piedra natural de las paredes rememora las rocas del río. Los grandes ventanales de carpintería de aluminio y cristal que se abren a las terrazas prolongan el espacio interior en una comunión ininterrumpida con el paisaje circundante. La planta baja acoge la gran sala de estar y la cocina. Arriba se encuentran los dormitorios. El concepto de espacio es centrífugo. En lugar de trazar el espacio exterior directamente, el arquitecto diseña primero el espacio interior. Esta casa es un maravilloso prodigio de la técnica y de los nuevos materiales. La estabilidad del edificio quedaba asegurada por el sólido bloque central de la casa que gravita sobre la masa rocosa y actúa de contrapeso. Se trata de una casa cuya función es ser habitada. Es un lugar donde se vive y desde el que se ve el paisaje, donde se vive buscando la comodidad.

Expresionismo

El Expresionismo es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El artista expresionista busca que se experimente un impacto fundamentalmente emotivo ante sus obras. Lo importante en este movimiento es la forma y el sentimiento del autor. La pintura se toma como un medio de desahogarse y de ver la vida con otro punto de vista.

El grito (Edvard Munch, 1893, Expresionismo)

La trayectoria de Munch estuvo marcada por el sufrimiento y la muerte desde su infancia. Su madre murió de tuberculosis cuando él solo tenía 5 años; él a los 11 también la tuvo, pero la superó; su hermana no la superó y murió al año siguiente, y más tarde muere su padre. Por esos motivos, él termina creando los cuadros expresando su sufrimiento. Podemos observar que es una pintura, de soporte cartón, y la técnica es el óleo, temple y pastel. Es una obra costumbrista. Todo el cuadro es un grito de angustia y de dolor; expresa el estado de ánimo de Edvard. El rostro pintado en el cuadro es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle, lo cual representa los estados de ánimo y los sentimientos de Edvard. Los paseantes que hay en el cuadro son una representación para resaltar el silencio angustioso del grito y que no se inmutan del grito. El gritador es una mísera apariencia de un paisaje del delirio. El grito es un grito sobre el sentido de la existencia. Si nos fijamos, todo su cuerpo se diluye entre las curvas del océano y el cielo juntándose. Aunque los rasgos se diluyen, se distinguen bien de su cara. Sin embargo, los paseantes son dos sombras oscuras.

Éxtasis de Santa Teresa (Gian Lorenzo Bernini, 1647-1651, Barroco)

Encargo del cardenal Federico Cornaro en Roma. Bernini fue un artista italiano completo: escultor, pintor, decorador, urbanista y arquitecto. El encargo consistía en remodelar el brazo izquierdo del transepto de la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Esta iglesia era de la orden de los carmelitas, a la que había pertenecido Santa Teresa, canonizada poco antes, en 1622. Con este encargo, Bernini posiblemente vio la ocasión de demostrar su valía como escultor. El Éxtasis de Santa Teresa es un grupo escultórico de bulto redondo. Representa a dos figuras en el interior de un retablo transparente. Las dos figuras se comunican entre sí a través de sus movimientos: una está levantada y la otra yace recostada a sus pies. La capilla Cornaro es una explosión de mármol y metal, blancos y dorados que llenan la composición. La combinación de materiales que el artista utiliza permite un juego de contrastes muy afín a la tipología del momento. La piedra dura y fuerte del mármol consigue la sorprendente sensación de ligereza por ese cerco de nubes en el que se eleva la santa, y también ayuda la combinación de rayos dorados que permiten la impresión de ascensión de las esculturas en un marco abierto. El mismo contraste se puede vislumbrar entre la suavidad del cuerpo del ángel, con la dureza de pliegues quebrados de la santa, que no se sabe si cae o se incorpora sobre la algodonosa y blanda nube. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, repleto de querubines, y con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. La luz es otro de los efectos escenográficos buscado en esta composición.

Hay una ventana en la parte superior que ilumina de forma clara los rayos dorados, consiguiendo un contraste de luces y sombras entre estos y las dos figuras que quedan en una semioscuridad propiciada por la capilla. Estos contrastes resaltan el sensible momento que se vive. Bernini trata que los fieles que observan la obra participen de la pasión de la santa. Por eso toda la obra se representa como una escena teatral, muy propia del Barroco. Solo de frente podemos contemplar el milagro que allí tiene lugar. Se muestra un instante de éxtasis religioso. Bernini escoge el momento en que el ángel saca la flecha del pecho de la santa y muestra el arrebato de sentimientos en la mujer, que se debate entre el dolor y el placer. Bernini consigue en ella complementar la arquitectura con la escultura en una sola. El conjunto escultórico y la capilla están unidos de tal forma que no puede apreciarse el arrebato de la santa sin contemplarlo en un todo. La propia composición de líneas cruzadas del Barroco marca el momento dramático entre una santa en la parte inferior de la composición y el ángel en la superior. A través del movimiento de estas figuras, Bernini consigue resumir todos los elementos propios de la escultura barroca. La perfección técnica de la obra es incuestionable. Los rostros de los representados buscan el máximo del sentimentalismo en la acción. El ángel mira a la santa con alegría y satisfacción. Pero la santa alcanza el paroxismo cuando a través de ella se contempla la vehemencia del momento. Con la boca entreabierta, los ojos entornados y la mano al corazón, el espectador es llevado de la mano de Bernini a participar en la emocionante escena.

Guernica (Pablo Picasso, década de los 50, Cubismo)

Se considera símbolo de la paz, quiere representar el sufrimiento de la muerte de los inocentes. Se pintó en apenas un mes, pero tiene como periodo de preparación más de veinte años. Guernica es una población pequeña, conocida por el árbol de Guernica; para los vascos es su símbolo. Pertenece al Expresionismo cubista.

• Figura 1: Caballo con dolor.
• Figura 2: Mujer que alza sus manos hacia el cielo gritando.
• Figura 3: Un toro y debajo una mujer que grita, en sus manos un niño muerto.
• Figura 4: Hay un hombre en el suelo muerto con una espada rota.
• Figura 5: En un lado, un hombre/mujer levantándose del suelo.
• Figura 6: Hombre con un candelabro.
• Figura 7: Arriba una luz, parece el sol, bombilla y ojo.

Perspectiva 1: La crucifixión. Obsesionado con la muerte de un inocente; Jesús crucificado de Picasso, el caballo, es el inocente por las corridas de toros, por cada toro un caballo. La boca de Cristo, Picasso la pone al caballo como dolor y la corona de espinas de Cristo, con el caballo (bombilla). Los Longinos, el que atraviesa el costado de Cristo: verdugos, con la mano extendida, también es la mano de Cristo, el inocente. El caballo tiene la llaga del costado, al lado los Longinos, parece el toro. Está presente la madre de Jesús, la Dolorosa. La Dolorosa de Picasso, destrozar su rostro para sacar lo que lleva dentro. Figura: madre inocente con su hijo muerto, sube con una escalera hacia arriba: la cruz de Cristo, de tanto dolor como si se hubiera roto el cuello. Goya, Los fusilamientos, un hombre que está rendido, con camisa blanca, también está en el cuadro Guernica. Inocente que levanta las manos. Un cordero con una cruz, cordero pascual: Jesús, el que ha hecho la alianza entre los hombres y Dios. Junto a la espada hay una flor: queda la esperanza.

Perspectiva 2: Ruedo. Es un ruedo, una corrida de toros. Un caballo que muere por los cuernos del toro. Partes del cuerpo del toro son de un humano. El toro es el verdugo, y el caballo la víctima. Toda esta mezcla es la esencia de un ser humano. El hombre con cabeza de toro, violando a una mujer: muerte de un inocente.

Perspectiva 3: El laberinto. Representación de la vida humana.

Perspectiva 4: Frontón. Símbolo de la perfección. La luz hace un triángulo, perfección.

Perspectiva 5: Pirámide. Monumento funerario a la muerte de un inocente, barca con forma de pirámide. El cuadro de La libertad guiando al pueblo también tiene forma de pirámide.

Perspectiva 7: La luz nos hace ver el sufrimiento, es el ojo de Dios que lo ve todo y no lo soluciona.

Capilla de Nôtre Dame du Haut en Ronchamp (Le Corbusier, 1950-1955)

Utiliza como materiales el hormigón y el acero, con vidrios de colores para las ventanas. El autor quiso conseguir recrear un lugar de recogimiento, de silencio, de oración, de paz y armonía espiritual. Esto lo consigue en un interior religioso donde los matices de luces crean un ambiente intimista. Esta obra inicia en Le Corbusier un cambio hacia un estilo diferente con una nueva plástica y con formas constructivas orgánicas. El templo está concebido como una iglesia interior-exterior; en su interior caben grupos de hasta doscientas personas, y una fila de bancos laterales acoge peregrinos aislados o incluso pequeños grupos. Pese a ser una iglesia de peregrinación, el arquitecto no mantiene la tipología anterior, ya que el espacio carece de todo tipo de jerarquía. Cuando hay peregrinaciones masivas, la explanada natural del este de la pared del altar sirve como templo al aire libre, con lo que relaciona totalmente el edificio con el paisaje. La cubierta voladiza, semejante a una concha, o a la quilla de un barco, protege la pared del altar, el púlpito y las plataformas de los cantores que, adosados a este lateral, crean la “gran iglesia” exterior. La pared exterior sur avanza a modo de proa, partida en dos por un gran contrafuerte, y abre la terraza del altar hacia la explanada. En esa misma pared del altar está la imagen “milagrosa” de Nôtre Dame du Haut. El interior está cercado por muros curvados y las ventanas irregulares, son muy pequeñas y abocinadas, semejando lucernas que filtran la luz cambiante según las distintas horas del día y de las estaciones, con un sentido simbólico que nos remite al arte medieval. Carece de elementos ornamentales ajenos a la propia arquitectura, claro que el color también le sirve para crear juegos de luces que ornamentan el interior. En el exterior, el edificio se presenta como una forma muy plástica, gracias a la facilidad del modelado del hormigón, careciendo de una fachada principal. Sus paredes son blancas, dejando el cemento visible en la gran concha que es la cubierta, con una curiosa forma de sus elementos constructivos, destacando los tres elementos verticales que son las torres, que rematan en semicúpulas, abiertas para que la luz llegue al interior de forma cenital. Es un curioso sistema de luces inspirado en el de Villa Adriana en Tívoli. Esos muros verticales aparecen recubiertos con una textura granulosa “a la gunita” que crea destacados efectos de claroscuro.

Las Lanzas o La Rendición de Breda (Diego Velázquez, s. XVII, Barroco)

El Barroco surgió en Europa a inicios del siglo XVII hasta el siglo XVIII. Se desarrolló en Italia, Francia y España, incluyendo algunos países bajos.

Características del Barroco

• Movimiento y variedad.
• Majestuosidad, dinamismo y pasión.
• Expresión del estado de ánimo.
• Extremo realismo.

Arquitectura Barroca

• La ilusión del espacio en los interiores.
• Abundante ornamentación, juego de luces y sombras.
• Influencia del arte griego.
• Uso de columnas.
• Cañón de medio punto.
• Predominio de las curvas.
• Decoración exuberante, naturalista.
• Sensación de inestabilidad.

Representantes:

• Italia: Carlos Maderna.
• Francia: Luis Le Vau.
• España: Pedro de Ribera. (Ellos terminaron El Vaticano).

La unificación es el arte en el que se incrementan todas las artes (música, arquitectura, escultura, pintura).

Escultura del arte Barroco

• Utilización del claroscuro y la relación con el ambiente como fondo.
• Tendencia naturalista.
• Temas religiosos, bustos, retratos.
• Materiales: mármol y madera.
• Uso de vidrios para los ojos y lágrimas, cabello verdadero, ropaje real.

Representantes:

• Italia: Exageran el dinamismo. Gian Lorenzo Bernini.
• Francia: Simon Guillain.
• España: Sentimiento religioso. Realismo. Expresión de los rostros. Francisco Salzillo.

Pintura del arte Barroco

• La composición es diagonal y asimétrica.
• Naturalismo, dinamismo.
• Temas: paisajes, animales, religiosos (incluyen niños).
• La luz adquiere importancia.

Representantes:

• Italia: Guido Reni.
• Francia: Antoine Watteau.
• España y Países Bajos:
  • Escuela flamenca (Pedro Pablo Rubens).
  • Escuela holandesa (Frans Hals).
  • Escuela valenciana (Francisco Ribalta).

Las Meninas (Velázquez, s. XVII, Barroco)

La obra que observamos es una pintura de óleo sobre lienzo. Se encuentra en el Museo del Prado en Madrid y es una obra figurativa. La escena se desarrolla en una estancia iluminada por la derecha y llena de cuadros en las paredes. Al fondo se abre una puerta por donde entra la luz, a la que sigue una escalera donde se encuentra parado un cortesano. Al lado de esta puerta, el espejo refleja unas imágenes (los reyes: Felipe IV y Mariana de Austria). En el centro de la sala destaca una niña (Infanta Margarita) que recibe las atenciones de dos muchachas (meninas), una de las cuales le ofrece agua en una jarra de barro. Otros personajes son colocados en distintos planos, desde el propio pintor hasta los enanos, que molestan al perro adormilado del primer término. La disposición de los personajes recuerda una escena de interior articulada en sucesivos planos. El pintor domina con perfección la perspectiva aérea, de manera que con la pincelada suelta y con el tratamiento abocetado de las figuras proporciona una mayor sensación de captación de la atmósfera y el ambiente, consiguiéndose la profundidad del cuadro. A medida que los personajes se van alejando, sus contornos se van difuminando. Los focos de luz son dos: la procedente de la ventana que se encuentra a la derecha y la que llega desde la puerta abierta en la que se recorta la figura del aposentador de palacio. Si nos acercamos al lienzo, tan solo veremos una maraña de colores y manchas que cobran sentido a medida que nos vamos alejando. El efecto de profundidad espacial es conseguido, no por medios racionales dibujísticos, sino a través de recursos sensoriales en los que cuenta la gradación de tinta, la luz, el color, etc. Juega con la luz, haciendo incidir sobre los personajes en primer plano, sumergiendo en penumbra a los que se alejan con una paleta clara, luminosa, rica de color y matices. También recrea lo que está más cerca del espectador. La nitidez de las figuras va relacionada con la distancia y con la luz que recibe. En la composición vemos el juego de las verticales y horizontales. La técnica es a base de manchas de color que la luz moldea.

El Barroco

Surgió en Europa a inicios del siglo XVII hasta el siglo XVIII. Se desarrolló en Italia, Francia y España, incluyendo algunos países bajos.

Características

• Movimiento y variedad.
• Majestuosidad, dinamismo y pasión.
• Expresión del estado de ánimo.
• Extremo realismo.

Arquitectura Barroca

• La ilusión del espacio en los interiores.
• Abundante ornamentación, juego de luces y sombras.
• Influencia del arte griego.
• Uso de columnas.
• Cañón de medio punto.
• Predominio de las curvas.
• Decoración exuberante, naturalista.
• Sensación de inestabilidad.

Representantes:

• Italia: Carlos Maderna.
• Francia: Luis Le Vau.
• España: Pedro de Ribera. (Ellos terminaron El Vaticano).

La unificación es el arte en el que se incrementan todos los artes (música, arquitectura, escultura, pintura).

Escultura del arte Barroco

• Utilización del claroscuro y la relación con el ambiente como fondo.
• Tendencia naturalista.
• Temas religiosos, bustos, retratos.
• Materiales: mármol y madera.
• Uso de vidrios para los ojos y lágrimas, cabello verdadero, ropaje real.

Representantes:

• Italia: Exageran el dinamismo. Gian Lorenzo Bernini.
• Francia: Simon Guillain.
• España: Sentimiento religioso. Realismo. Expresión de los rostros. Francisco Salzillo.

Pintura del arte Barroco

• La composición es diagonal y asimétrica.
• Naturalismo, dinamismo.
• Temas: paisajes, animales, religiosos (incluyen niños).
• La luz adquiere importancia.

Representantes:

• Italia: Guido Reni.
• Francia: Antoine Watteau.
• España y Países Bajos:
  • Escuela flamenca (Pedro Pablo Rubens).
  • Escuela holandesa (Frans Hals).
  • Escuela valenciana (Francisco Ribalta).