Joyas del Renacimiento: Pintura, Escultura y Arquitectura Clave

Obras Destacadas del Renacimiento

El caballero de la mano en el pecho (El Greco)

Pintura al óleo sobre lienzo. Obra en la que, a pesar de no usar la perspectiva lineal tradicional, no carece de profundidad gracias a la técnica del sfumato. Juego con el claroscuro, lo que da volumen al retratado. Predomina el color sobre la línea. Si bien es un retrato, se crea un ambiente de irrealidad que hace que nos fijemos intensamente en el personaje. Retrato muy naturalista en el que no solo nos traslada la imagen física del personaje, sino también una dimensión psicológica, dotando a este caballero de las cualidades del caballero español del siglo XVI como son la nobleza, honra, dignidad y sobriedad. Retrato muy severo en el que solo destaca la gola blanca almidonada, la cadena de oro y la empuñadura de la espada que nos lo identifica como noble. Retrato de carácter típico del Greco, si bien, en este caso, prescinde de ese alargamiento muy propio de sus pinturas.

El Cristo Yacente (Andrea Mantegna)

Pintura sobre tabla, realizada al temple y de tema religioso. Destaca la enorme perspectiva del cuadro, para lo cual utiliza un acusado escorzo, situando la imagen de Cristo de forma perpendicular al plano del cuadro y colocando al espectador en un punto de visión muy bajo. Concepción casi escultórica de la obra, transmite una sensación de solidez y equilibrio que lo dota de volumen, tanto por el predominio de la línea sobre el color como por la luz que la ilumina, de forma bastante homogénea. Obra de un profundo naturalismo, profundamente expresiva, cargada de dramatismo, a lo que contribuyen los rostros llorosos a la izquierda del cuerpo de Cristo.

El David (Miguel Ángel)

Obra escultórica de bulto redondo, realizada en mármol y de tema religioso que representa a David antes de su lucha con Goliat. Una línea diagonal implícita traslada una sensación de estabilidad que no impide cierto dinamismo en este contrapposto o en el giro que nos muestra la cabeza. Naturalismo sorprendente en todos los miembros y tensión que se muestra en el rostro. El tratamiento del cabello, que juega con las luces y sombras, o el tamaño de las manos buscan esa fuerza e intensidad que los especialistas califican como *terribilità*. Obra de gran influencia clásica donde el naturalismo mencionado se equilibra con un idealismo en el rostro y un cuerpo atlético.

El David (Donatello)

Escultura de bulto redondo en bronce. Representa a David tras su victoria sobre Goliat. Desnudo de armonía y proporción, idealizado, pulido, que transmite cierta sensualidad. Un gusto por lo curvilíneo, la curva praxiteliana y el contrapposto. Actitud pausada dotada de cierta estabilidad. Realizada a mediados del Quattrocento, es un modelo de la nueva estética renacentista.

El entierro del Conde de Orgaz (El Greco)

Pintura sobre lienzo al óleo de tema religioso que representa el entierro de Don Gonzalo Ruiz de Toledo, conde de Orgaz, donde aparece flanqueado por San Agustín y San Esteban, quienes proceden al enterramiento. El cuadro consta de dos partes:

• En la inferior, se nos representa el espacio terrenal, donde se hace evidente el realismo y el detallismo de las calidades de los ropajes. Los rostros son retratos de caballeros toledanos de la época; incluso representa a su propio hijo y se autorretrata en la figura del primer plano. Colores vivos, planos y una luz que nos permite apreciar las cualidades mencionadas sobre la isocefalia de las cabezas.
• En la parte superior, en una estructura triangular, enlazándose ambas partes en la zona central, un ángel transporta el alma del difunto hacia Jesucristo. Se pierde el realismo en los rostros, se crea un ambiente irreal, místico; las figuras se desproporcionan, gran dinamismo y una marcada línea serpentina, colores fríos y luz irreal.

Obra típicamente manierista cuya contemplación ideal debe ser llevada a cabo en el lugar para el que fue creada (Iglesia de Santo Tomé, Toledo).

El Juicio Final (Miguel Ángel)

Pintura al fresco de tema religioso, sobre el motivo del Juicio Final, en el que el autor nos sitúa la imagen de Cristo en el centro, acompañado de todo un grupo de santos. Al tema central acompañan los salvados, los condenados, el infierno y la resurrección de los muertos. Obra de composición abigarrada, en la que desaparece cualquier búsqueda de equilibrio y estabilidad clásicos. Predomina el dinamismo y el movimiento; desaparece cualquier fondo paisajístico o arquitectónico. Se sitúa un azul violáceo que crea un determinado clima. Las figuras son todo un estudio de gestos, movimientos, actitudes que, en algún caso, van más allá, anunciando la llegada del manierismo. Pintura de la etapa final del artista, considerada una obra cumbre del arte universal (Capilla Sixtina, Vaticano).

El Moisés (Miguel Ángel)

Obra escultórica de bulto redondo en mármol. Composición cerrada en la que se equilibran una cierta tendencia a lo vertical con una tendencia hacia la horizontalidad (con el brazo y el doblado de las piernas). Igualmente, la barba la dota de dinamismo. Caracteriza una escultura sedente que muestra un intenso naturalismo, por su musculatura, fuerza y potencia, que rompe la armonía del Quattrocento. Obra en la que el rostro nos muestra esa fuerza, tensión, que se denomina *terribilità*. Realizada para el sepulcro del Papa Julio II, que después de muchos cambios en el proyecto, se convierte en la figura central de una tumba mucho más modesta concebida para la iglesia de San Pietro in Vincoli (Roma).

El nacimiento de Venus (Sandro Botticelli)

Pintura realizada sobre tabla con técnica de témpera. Trata un tema mitológico en el que nos presenta a Venus en una composición piramidal donde prima la línea vertical. Si bien, el equilibrio que podría trasladar queda contrarrestado por el gusto por lo curvilíneo, por el dinamismo que en pintura genera. Más aún, las diagonales se contraponen entre sí y se logra la profundidad mediante dos planos marcadamente identificables. Prima en el cuadro la línea sobre el color; los colores son, en general, más cálidos en un primer plano y fríos en el segundo. Obra idealizada en el tratamiento de los cuerpos, cabellos, rostros… Como también en ese neoplatonismo que se representa en el paisaje. Pintura de interpretación compleja, ya que está basada en la mitología y que, como novedad, nos muestra el desnudo de Venus. Probablemente, la primera representación de una diosa pagana desnuda a gran escala desde la antigüedad.

El sacrificio de Isaac (Alonso Berruguete)

Escultura de bulto redondo en madera policromada y estofada, de tema religioso. Composición de gran movimiento; aunque predomina la línea vertical, el artista la gira, dotándola de gran dinamismo. Obra de gran dramatismo, apreciable no sólo en los rostros de Abraham e Isaac. En consecuencia, obra muy realista en la que Berruguete rompe ese gusto por el equilibrio y la simetría, característico del Renacimiento italiano. Obra manierista y perteneciente a un retablo desaparecido. Segunda mitad del siglo XVI.

El tributo de la moneda (Masaccio)

Pintura realizada al fresco de tema religioso donde se narran tres escenas simultáneas del mismo episodio bíblico. El tema central es el tributo romano que se le pide a Jesús; es la esencia. El autor busca la profundidad, aplicando la perspectiva lineal y situando el punto de fuga sobre la cabeza de Jesús. Sin embargo, lo más interesante es el volumen de las figuras, a las que nos muestra desde distintas perspectivas. Consigue crear mediante la luz un grupo compacto, interrelacionando a los distintos personajes del grupo. Busca la continuidad narrativa entre las tres escenas. En cuanto al color, utiliza tonos cálidos en el primer plano y fríos en el segundo. Utiliza la figura de Jesús para realzarla y muestra simbolismo en los colores. Gracias a este autor, la pintura avanza en el sentido técnico y en valores renacentistas como la valoración humana que hace de la figura de Cristo.

La Escuela de Atenas (Rafael Sanzio)

Pintura al fresco, alegoría de la filosofía. Composición abierta de gran simetría, enmarcada en su conjunto en ese arco imaginario que nos trae reminiscencias clásicas. Obra de gran profundidad donde predomina la perspectiva geométrica, si bien contribuye a ésta el sfumato que utiliza en figuras y arquitecturas. Colores cálidos en el primer plano y fríos en el segundo, lo cual ayuda a favorecer la profundidad. También se nos muestra una luz cenital que ilumina el conjunto. El tratamiento de los cuerpos y rostros es muy naturalista; utiliza el escorzo. Obra bastante teatral, dotada de movimiento y dinamismo. En cada una de las figuras muestra una alegoría a la personalidad del filósofo representado, si bien en algunos rostros, rinde homenaje a maestros contemporáneos como Leonardo da Vinci (Platón) o Miguel Ángel (Heráclito).

Fachada de la Universidad de Salamanca

Obra en la que se mezcla arquitectura y escultura, de carácter civil. Realizada en piedra, sillería de extraordinaria calidad y con ese peculiar tono dorado característico de la piedra de Villamayor. Prima la verticalidad, que se refuerza con columnas y pináculos que enmarcan la fachada, si bien la horizontalidad también está muy marcada, ya que el conjunto está concebido como un gran retablo pétreo. Dos vanos de entrada con arco carpanel, cinco calles y tres cuerpos separados por entablamentos, y todo ello rematado por una excelente crestería con bellísimos pináculos de tracería calada. Decoración muy compleja y sobrecargada (horror vacui), como corresponde al estilo Plateresco. En el cuerpo inferior, el tema principal es el del medallón central, en el cual aparecen los Reyes Católicos. Sobre este cuerpo, temas heráldicos. Rematando la fachada, nos encontramos motivos alegóricos sobre la Iglesia y la virtud. Obra cumbre del Plateresco español, perteneciente a la arquitectura salmantina del siglo XVI.

Iglesia de San Lorenzo (Filippo Brunelleschi)

Arquitectura religiosa en piedra (pietra serena) y estuco blanco. Planta de cruz latina con tres naves separadas por arquerías de medio punto sobre columnas corintias, y a los lados, capillas. Sobre el crucero, una cúpula sobre pechinas que contrasta con la cubierta adintelada y artesonada (casetones) de la nave central. Perspectiva lineal dirigida hacia el altar mayor. Gran luminosidad, predominio de la horizontalidad, gran simetría y proporciones modulares basadas en el cuadrado. Uso canónico de los elementos clásicos: columnas, arcos de medio punto y entablamento. Primer cuarto del Quattrocento.

La Gioconda o Mona Lisa (Leonardo da Vinci)

Composición triangular típica del Renacimiento italiano. La técnica que se usa es óleo sobre tabla de álamo. El paisaje de fondo es rocoso, salvaje y de un matizado tono azul verdoso. En esta obra se ve reflejado el empleo magistral del sfumato, difuminando los rasgos hasta hacerlos indefinibles, especialmente en la sonrisa y la mirada. Utiliza colores ocres para las sombras oscuras, albayalde y amarillo de plomo-estaño para los colores carne. Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules; difumina el color para marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina con claridad. Hace un uso sutil de la luz, que modela suavemente tanto el retrato como el paisaje. Progresa desde el fondo, se concreta en la transparencia de los velos, en los pliegues del vestido y entre los cabellos. Es un siglo en el que la pintura vive una notable evolución; la figura del hombre será el núcleo de este movimiento. El dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primacía para dar paso a la luz, que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras. Está sentada en una silla donde su postura es recta y erguida, transmitiendo sensación de equilibrio y serenidad. Viste ropa discreta; el pliegue de sus ropas está muy trabajado y no lleva joyas para que la atención del espectador no se desvíe hacia ellas y se centre exclusivamente en su belleza y en su misteriosa sonrisa. Otro de los objetivos logrados por Da Vinci es la naturalidad de la obra. El brillo de sus ojos, la transparencia de su piel, la minuciosidad con la que es pintado su pelo, la manera tan detallada de tratar su rostro es un claro reflejo de lo natural. Obra del siglo XVI perteneciente al Cinquecento.

La Santa Trinidad (Masaccio)

Pintura al fresco de tema religioso, donde el tema de la Trinidad se enmarca bajo una arquitectura fingida que recuerda a los arcos de triunfo romanos, con bóveda de cañón, columnas jónicas, pilastras corintias y casetones. Además de la Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo como paloma), se muestra a la Virgen y San Juan Evangelista a los lados de la cruz, y fuera del marco arquitectónico, arrodillados a los pies, a los donantes. Obra que muestra la preocupación del pintor por la perspectiva lineal, lograda por horizontales, verticales y un punto de fuga bajo, y ese intento de situar al espectador en un punto de visión más bajo para aumentar la monumentalidad. Luz cenital que favorece que las figuras muestren un aire escultórico, mientras que el color, equilibrado, ayuda a la composición. Se trata de una pintura que se lee en sentido vertical ascendente y casi se muestra en trampantojo.

La última cena (Leonardo Da Vinci)

Pintura mural (temple y óleo sobre yeso) de tema religioso en una composición cerrada en la que prima la línea horizontal, que incluso apreciamos en la disposición de las cabezas, en la línea de la mesa y en la techumbre. Busca la profundidad gracias a la perspectiva lineal, situando el punto de fuga sobre la cabeza de Cristo. El realismo de la obra se apoya en el paisaje natural que se muestra a través de las ventanas del fondo, al igual que lo hace con la naturalidad con que se mueven los doce apóstoles, a los cuales trata de forma realista y psicológicamente individualizada. Se trata de una composición un tanto estudiada, donde el sfumato se trata con especial habilidad. Obra dotada de un cierto dramatismo resultante del momento en que Jesús comunica a sus apóstoles la traición de uno de ellos, lo que permite al autor hacer un estudio de las reacciones humanas. Obra en lamentable estado de conservación debido al fracasado ensayo de Leonardo al utilizar una técnica experimental sobre muro seco.

La Venus de Urbino (Tiziano)

Pintura al óleo sobre lienzo de tema alegórico o cortesano, en el que se representa una escena con un desnudo femenino en primer plano y dos sirvientas situadas al fondo en un interior palaciego. Obra que, aunque temprana, muestra elementos que anuncian el manierismo, abandonando los modelos clásicos más puros. Representa un ideal de belleza femenino sensual, mostrando a una mujer que nos mira directamente, con cierta provocación erótica. De hecho, el desnudo se refuerza con la claridad del cuerpo, que contrasta con el fondo oscuro y el cortinaje. Obra de gran perspectiva, con fondo abierto tras la ventana hacia donde se dirige la mirada del espectador a través de las líneas de las baldosas. Considerada una de las mejores Venus de Tiziano, inspirada en las Venus de Giorgione. El color veneciano adquiere gran protagonismo en la obra.

La Virgen de las Rocas (Leonardo Da Vinci)

Pintura al óleo realizada sobre tabla (trasladada a lienzo posteriormente), de tema religioso. Se trata de un cuadro de excelente perspectiva aérea y en el que la composición va más allá del simple triángulo, buscando una composición piramidal o tetraédrica que aumenta esa sensación de profundidad y perspectiva, que a su vez se ve incrementada por el uso del claroscuro y el sfumato que utiliza para el paisaje rocoso y las figuras. Respecto al color, se juega con el sfumato, que domina plenamente y que además le da un mayor verismo a la obra. Juega con el escorzo, con los colores fríos y cálidos, con la luz que dota a las figuras de volumen. Obra muy elaborada en la que Leonardo busca la perfección e idealización, lo que no impide que se interrelacionen los cuatro personajes (Virgen, Niño Jesús, San Juanito y un ángel) mediante gestos y miradas.

Madonna de Granduca (Rafael Sanzio)

Pintura al óleo sobre tabla de tema religioso, de composición triangular y profundidad atmosférica. Representa a una Virgen con el Niño. A través de ella, modifica esa imagen melancólica de Vírgenes anteriores y crea un tipo de belleza serena en la que se aprecia la influencia de Leonardo y de Fra Bartolomeo, sumando la elegancia propia de Rafael. Pintura originalmente sin fondo (posteriormente se añadió uno oscuro), pero no carente de profundidad lograda a través del sfumato, ni de volumen logrado por el foco de luz muy intenso que modela las figuras. Juega con los colores (rojo, azul, tonos carne) y combina un cierto realismo con una idealización sublime. Rafael, con sus vírgenes, busca un equilibrio entre la belleza humana, el idealismo platónico y el sentimiento cristiano. Obra del primer tercio del siglo XVI que se influye en la belleza de Leonardo y en la solidez escultórica de Miguel Ángel en la figura del niño.

Monasterio de El Escorial (Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera)

Una de las obras cumbres de la arquitectura española. Conjunto arquitectónico realizado en granito y pizarra que resume las tres estéticas que atraían a Felipe II: la de los alcázares castellanos, el clasicismo romano (que apreciamos especialmente en la basílica) y las cubiertas apuntadas de pizarra que recuerdan la arquitectura flamenca. La traza universal acoge, además de la mencionada basílica (que es el núcleo del eje de El Escorial), monasterio, biblioteca, colegio y palacio. Su planta se organiza en base al rectángulo y la cuadrícula, como una parrilla (en honor a San Lorenzo), siendo el eje del conjunto el Patio de los Reyes y la basílica, para la cual se inspira en San Pedro del Vaticano, inscribiendo una cruz griega en una planta basilical. Edificio de magnífica solidez y contundencia, carente de casi cualquier ornamento (estilo herreriano o desornamentado), a excepción de algunos elementos geométricos como pirámides y esferas. La modificación más importante durante su construcción fue la que determinó la construcción de un segundo cuerpo en la zona occidental, que permitía aumentar la capacidad para albergar a los monjes y la construcción de la cripta (Panteón Real) donde serían enterrados la práctica totalidad de los Reyes de España. Esto obligó a elevar la cabecera del templo, lo que conllevó otras modificaciones. La fachada principal rompe la horizontalidad con magníficas columnas dóricas adosadas, ocho en el primer cuerpo y seis en el segundo sobre plinto, rematado con un frontón triangular. Todas en orden toscano gigante sobre paramento liso; desnudez que también se aprecia en triglifos y metopas, sin más decoración que la escultura del santo que aloja la hornacina central. Tras este cuerpo de doble fachada, se accede al Patio de los Reyes. Obra de evidente clasicismo y de una severidad manifiesta. Interior decorado con magníficas pinturas de artistas como Zuccaro, Tibaldi y Luca Giordano.

Palacio de Carlos V (Pedro Machuca)

Situado dentro del conjunto de la Alhambra de Granada. Pedro Machuca edificó este sólido edificio para el emperador Carlos V, en el que destaca la sensación de sobriedad y fortaleza clásica. Almohadillado rústico en el primer cuerpo. Prima la horizontalidad, separando éste del segundo por una cornisa y entablamento. En la fachada, los dos cuerpos aparecen decorados por pilastras jónicas (abajo) y corintias (arriba) pareadas sobre podio, y rematadas las ventanas del segundo piso por frontones triangulares y curvos alternados. Como elemento decorativo, se usan medallones en ambos cuerpos, lo cual contrasta con la relativa desnudez del conjunto. De planta cuadrada, aloja en su interior un gran patio circular porticado, sustentado en sus dos pisos por columnas dóricas en la primera planta y jónicas en la segunda. Edificio de inspiración bramantesca, de excelentes proporciones y con una arquitectura cargada de simbolismo imperial.

Puertas del Paraíso (Lorenzo Ghiberti)

Obra escultórica en relieve de bronce dorado. Puerta doble (este) del Baptisterio de Florencia, con cinco grandes cuarterones cuadrados en cada hoja. Entre estos, pequeñas esculturas (profetas y sibilas) y bustos de artistas contemporáneos (incluido el suyo) en tondos y hornacinas que enmarcan los paneles. Ghiberti se muestra como un maestro en la utilización del relieve pictórico (schiacciato), que dota a sus escenas de un gran naturalismo, profundidad y realismo. Conjuntos muy dinámicos, en los que las figuras se mueven con gran elegancia y donde juega magistralmente con la perspectiva lineal y aérea. Obra muy dinámica donde se utiliza el escorzo y marcada por un carácter narrativo. Temática religiosa con diez escenas del Antiguo Testamento: Adán y Eva, Caín y Abel, Noé, Abraham, Isaac, Esaú y Jacob, José, Moisés, Josué, David y Goliat, Salomón y la Reina de Saba. Obra cumbre del Renacimiento del Quattrocento.

San Sebastián (Alonso Berruguete)

Escultura de bulto redondo, de madera policromada y estofada, de tema religioso. Composición muy cerrada de gran dinamismo, en donde la curva y el movimiento serpentino predominan sobre cualquier otra peculiaridad y nos indica una estética manierista que puede recordar a alguna escultura de Miguel Ángel. Obra dramática, donde el patetismo se aprecia en la anatomía del cuerpo, un gesto retorcido, músculos en tensión y en el rostro sufriente. Obra de canon muy alargado, característica del manierismo español del siglo XVI.

Cúpula de Santa María de las Flores (Filippo Brunelleschi)

Arquitectura en piedra, mármol de distintos colores (blanco, verde, rojo) y ladrillo. Se refiere principalmente a la cúpula de la Catedral de Florencia. Cúpula doble, ojival o ligeramente apuntada, sobre un tambor octogonal. En cada una de las caras del tambor, se abre un óculo. Sobre éste, la cúpula exterior, más esbelta, sustentada por ocho grandes nervios de mármol blanco y dieciséis secundarios, que recoge las presiones de la interior. Se remata con una linterna piramidal y octogonal. En el interior, la cúpula semiesférica, construida con anillos concéntricos de ladrillo dispuesto en espina de pez (spina pesce), es más resistente que la exterior, jugando con las presiones que la sustentan. Modelo de proporción, equilibrio y perspectiva constructiva. Aunque la catedral es de estilo gótico, la cúpula es el primer gran testimonio de la nueva arquitectura renacentista. Los mármoles de distintos colores y el ladrillo la dotan de plasticidad y elegancia que avisan del nuevo estilo. No inspirada directamente en las antiguas construcciones romanas (como el Panteón), sino en las grandes cúpulas bizantinas y góticas, aunque con un sistema constructivo y un estilo muy personal e innovador. Primera mitad del siglo XV.

Santo Entierro (Juan de Juni)

Grupo escultórico de bulto redondo, realizado en madera policromada y estofado, de tema religioso. En ella, un grupo de personajes (José de Arimatea, Nicodemo, la Virgen, San Juan, María Magdalena, María Salomé y María Cleofás) se sitúan en torno al cuerpo sin vida de Jesucristo en un marco compositivo aproximadamente rectangular. Esa estabilidad aparente se rompe con las muchas diagonales y las curvas que podemos apreciar en los cuerpos y ropajes; desequilibrio que en algún caso se compensará con la cierta simetría que marcan los dos grupos que flanquean al cuerpo de Cristo. Obra de tema muy dramático que se ve en los rostros compungidos, ropajes agitados, cuerpos girados, escorzos… Conjunto minuciosamente rematado tanto en la talla como en la policromía. Forma parte de un retablo desaparecido. Segundo tercio del siglo XVI.

Contexto y Características del Renacimiento

Orígenes y Periodización

El Renacimiento tiene su origen en Italia por varios motivos: el deseo de enlazar con la antigüedad clásica grecorromana, cuyos vestigios eran abundantes en la península; el hecho de que el Renacimiento fuera un fenómeno impulsado por una activa burguesía urbana, muy presente en las distintas repúblicas y señoríos italianos; y que la amenaza y posterior caída de Bizancio a manos de los turcos otomanos determinó que numerosos artistas, hombres de letras, pensadores y científicos bizantinos emigraran a Italia, llevando consigo manuscritos y conocimientos del mundo clásico.

El Renacimiento se ha dividido tradicionalmente en dos grandes períodos:

• Quattrocento (siglo XV): Con epicentro en Florencia.
• Cinquecento (siglo XVI): Con epicentro en Roma y Venecia, que incluye el Alto Renacimiento y el Manierismo.

Transformaciones Sociales y Culturales

Frente a la Edad Media, la fuerte presencia de la burguesía va a dejar su huella, transformando muchos aspectos de la vida y la sociedad. Se produce un cambio de mentalidad hacia el Humanismo, que sitúa al ser humano en el centro del universo (antropocentrismo), en contraste con el teocentrismo medieval.

Características del Arte Renacentista

Los artistas adoptan como modelos las obras griegas y romanas, pretenden imitarlas considerándolas un modelo de perfección, armonía y belleza. Desaparecen los últimos restos de bizantinismo y rigidez gótica en la pintura y se aprecia el deseo de incorporar la naturaleza a la obra de arte, lo que les obliga a buscar un espacio tridimensional (perspectiva) al que trasladarla. Se busca el naturalismo y el realismo, pero a menudo idealizado.

El Papel del Artista y el Mecenazgo

El mecenazgo juega un papel importante en esta época. Además de los nobles y eclesiásticos, los ricos burgueses (banqueros, comerciantes) van a proteger a los artistas. Por una parte, para elevar su posición social, ser objeto de admiración y mostrar su riqueza, poder y prestigio; y por otra lado, quizás, para hacer olvidar el origen a veces usurario de sus fortunas. El artista va a pasar de ser considerado un mero artesano a ser una persona orgullosa de su obra, la cual va a identificar mediante su firma. La obra individualizada va a vivir la ley de la oferta y la demanda en el mercado y será deseada por su belleza y por el valor que le concede la firma del autor. Se da importancia a la forma; interesa la manera en que se cuenta algo, buscando alcanzar la belleza terrenal como reflejo de una belleza celestial o ideal.

Intelectualismo en el Arte

Se muestra un fuerte contenido intelectual del arte, reflejo del gran prestigio que tienen los humanistas en este mundo renacentista. Gentes cultas con una formación amplia e integral (filósofos, literatos, teólogos) favorecen la creación de círculos intelectuales y academias que estimulan la creación artística y le proporcionan bases teóricas y programas iconográficos complejos.

Arquitectura Renacentista

Se recuperan y utilizan los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio, toscano, compuesto). Para las cubiertas, utilizarán la cúpula (inspirada en modelos romanos como el Panteón y también bizantinos), la bóveda de cañón y el artesonado plano. La decoración menuda es de grutescos (motivos vegetales, animales y fantásticos inspirados en la Domus Aurea de Nerón) y decoración a candelieri (motivos simétricos dispuestos verticalmente). En las iglesias y templos, se busca recuperar la planta centralizada (cruz griega, círculo) o basilical de origen clásico, aunque adaptada a las necesidades litúrgicas cristianas. La arquitectura civil (palacios, villas) adquiere gran importancia.

Arquitectos Destacados del Quattrocento

Filippo Brunelleschi

Considerado el iniciador de la arquitectura renacentista. Su primera gran obra es la cúpula de la Catedral de Florencia (Santa María de las Flores). En su obra se concilian formas góticas (el perfil apuntado de la cúpula) con soluciones innovadoras y clásicas. Proyectó dos cúpulas, una interior semiesférica y otra exterior ojival que recoge las presiones y que, con su perfil apuntado, crea un modelo que será imitado posteriormente. En la Capilla Pazzi (en el claustro de la iglesia de la Santa Croce) crea un modelo de espacio centralizado clásico. En arquitectura civil debemos hacer mención al Palacio Pitti (aunque muy modificado posteriormente).

León Battista Alberti

Humanista y teórico además de arquitecto. La iglesia de San Andrés de Mantua es el prototipo de las posteriores iglesias jesuíticas contrarreformistas. Consta de una sola nave cubierta con bóveda de cañón, capillas laterales comunicadas entre sí y cúpula en el crucero. La fachada, inspirada en los arcos de triunfo romanos, se remata con un frontón triangular. Otras obras destacables son el Templo Malatestiano de Rímini (remodelación de una iglesia gótica) o el Palacio Rucellai en Florencia, donde aplica la superposición de órdenes clásicos en la fachada.

Además de estos arquitectos florentinos y romanos, es importante mencionar las escuelas regionales de Lombardía (con influencias decorativas) y de Venecia.