La influencia de las jarchas en la poesía medieval española

JARCHAS

Las jarchas están dentro de una composición mayor, las moaxajas. Los últimos versos de las moaxajas, las jarchas, no están escritos en lengua clásica, sino en una lengua romanzada, vulgar. Además, no están escritos por el poeta, esta intervención final es preparada por los versos anteriores. La jarcha está atribuida a las mujeres. La mayoría de las moaxajas están escritas en árabe, pero también pueden estar en otros idiomas. Se descubrió en 1948 que las jarchas estaban escritas en el antiguo dialecto mozárabe del Al-Ándalus, que nació del latín ibérico. Las moaxajas se pueden datar entre 1049-1349, las primeras moaxajas son casi medio siglo anteriores a la lírica provenzal. Han llegado a la actualidad un total de 56 jarchas, pero no todas han sido descifradas. Esto se debe por la pésima tradición manuscrita, los copistas, probablemente, no entendían la lengua mozárabe y corrompían los textos. Una misma jarcha podía aparecer en otras moaxajas, parece ser algo sistemático (hasta tres poetas distintos pueden usar la misma jarcha). Estas repeticiones están previstas y es algo normal, aunque no se explica el porqué. No sabemos si un poeta árabe o hebreo creó la jarcha que luego fue repetida, o lo sacaron de la poesía mozárabe y no son obra de un poeta culto (la moaxaja sí es culta, la jarcha no). Los tratadistas árabes comentan que los poetas cultos escribían la moaxaja a partir de una jarcha existente, aunque la jarcha esté al final de la composición. Esto significa que la jarcha es el núcleo de la moaxaja, además de que determina el sistema de rimas, los versos y todo de la moaxaja. Los versos son isosilábicos porque así lo dicta la jarcha.

Orígenes de la lírica románica

Tesis árabe: dice que la cultura árabe es anterior a la cultura provenzal, por tanto, influirá desde la península ibérica hacia Europa. También tendría influencia árabe el amor trovadoresco.

Tesis folclórica: toda lírica deriva de cantos paganos heredados de la antigüedad, como las mayas (fiestas en mayo). La maya era una fiesta para recibir la primera, pero que también servía como puesta de largo de las doncellas para enseñarlas al prójimo, cuando tenían edad para contraer matrimonio.

Tesis latinista medieval y litúrgica: habla del origen de la literatura románica en la misa en latín. La iglesia fue la única institución que sobrevivió al imperio romano. El modo de cantar el amor en la lírica tradicional románica provendría del modo de cantar a la virgen.

POESÍA GALLEGO-PORTUGUESA

En el siglo XII encontramos los primeros testimonios de poesía gallegoportuguesa: el primer testimonio es Joan Saez de Avoyn, un noble portugués. La poesía gallegoportuguesa va del siglo XII al XIV. Hay tres grandes géneros:

• Cantigas de amigo: este género no tiene paralelo en la poesía dominante provenzal, no parte de ahí, su origen, en todo caso, serían las jarchas. Habla una doncella, esto es capital para la historia de la lírica, en una edad media baja donde la voz del yo es la de un hombre que le canta versos preciosos a una mujer sin voz ni identidad.
• Cantigas de amor: claro paralelo con la poesía provenzal, el modelo es la cançó provenzal. Trovador triste que se queja del rechazo de su dama.
• Cantigas de escarnio: también tiene paralelo con la poesía provenzal, es una transposición del sirventés. El trovador utiliza la poesía para atacar a una persona del mundo real, un contrincante, una costumbre, etc. Estas composiciones son las que han aguantado peor el paso del tiempo porque están ligadas a su contexto histórico: personas que no conocemos hoy en día, roces entre poetas del momento.

Cantigas de amigo

Excepto las cantigas de amigo, el resto tiene su precedente en la poesía trovadoresca que triunfa en Europa. Dentro de este género, frente a la concepción feudal (amor cortés de los provenzales), en la cantiga de amor el poeta se detiene más en analizar las consecuencias de ese amor no correspondido. Las cantigas de amigo es el género más frecuentado. Pone en boca de mujer cantigos lamentosos que van dirigidas a su madre o, a veces, a una hermana. Esta estructura paralelística se conoce también como leixa-prén (toma y deja). Esta técnica compositiva es la que da orden a la obra: paralelismo marcado que recicla los versos para crear los siguientes.

En la cantiga de amigo hay un cambio de paisaje → se pasa de las cortes feudales al mar (el Atlántico) y, en ocasiones, este mar se convierte en parte fundamental de la cantiga con elementos simbólicos.

El agua tiene naturaleza simbólica, cuando aparece el agua se está hablando de actividad sexual, el agua es lo que da vida a la naturaleza. A veces aparece el agua de manera muy apetecible, el agua fresca. Sobre todo es una agua en movimiento, cuando es agua en movimiento es una mujer fértil que está invitando a su amigo a reproducir el acto sexual, cuando es agua estancada es la congelación de la fertilidad, una mujer que tiene congelada esa fertilidad.

Ha desperdiciado mucho tiempo como poeta hablando de otras damas, pero que ahora solo va a trovar por la dama elevada, que es la virgen. Esto cuadra con la tercera tesis, como cantos dirigidos a la virgen luego derivan a cantos mundanos.

La cantiga de escarnio usa la poesía para criticar las costumbres de la época o para atacar a un determinado personaje. Son composiciones ligadas a una costumbre y persona concreta y han sobrevivido peor el paso del tiempo.

El rey Alfonso X las comenzó a escribir de niño, pero no es posible afirmar si todas las cantigas de este códice las escribió él o son todas suyas. Hay 427 composiciones en el códice y todas están dedicadas a la Virgen y a los milagros que ha hecho. Esta coherencia representa una unidad frente al corpus profano gallegoportugués donde no todo está dedicado al mismo asunto. Salvo el poema introductorio escrito en verso, las demás cantigas están acompañadas de melodías (Texto 16). La intención del rey era representar el contenido de las cantigas con muchas miniaturas, pero no todas llegaron a ejecutarse.

VILLANCICO

El villancico fue la forma predominante desde la Edad Media hasta los Siglos de Oro. A mayor irregularidad métrica, mayor oralidad. La forma estándar del villancico: dos partes (un estribillo y una glosa). ESTRIBILLO: → 2/4 versos iniciales que se van a repetir al final de cada estrofa. Si el estribillo está al inicio es la cabeza. La evolución del villancico hará que la cabeza se pierda y el villancico comience con la estrofa. GLOSA / ESTROFA: desarrollan el tema propuesto por el estribillo. El villancico castellano llegó a ser moda culta, los cortesanos van a tomar solo el estribillo de la lírica tradicional y componen glosas cultas. Pueden ser ejercicios lúdicos que se hacen en palacio (en Manrique se puede observar esto). Es una práctica parecida a la de la jarcha. La mayoría de las glosas conservadas son de poetas cultos.

En los villancicos encontramos la voz de la mujer y podemos juntarlos por especialización temática o por atributos de la mujer. Hay muchos argumentos. Algunos están vinculados con el trabajo y muchos motivos vinculados con el erotismo (usan eufemismos, metáforas y dobles sentidos → campos semánticos (como el de la comida, el tejido, las labores del campo). El tema más importante es el amoroso, donde la mujer es la protagonista. Cuando aparece una descripción de la mujer protagonista no se realiza una descriptio puellae, sino se trata de adjetivos genéricos repetidos en muchos villancicos: chica bonita, hermosa, galana, guerrida.

En cuanto al pelo, también se habla de la longitud del cabello, al igual que la barba del Cid. El cabello largo y suelto es símbolo de virginidad, en cambio, llevar el pelo recogido, oculto o tapado con un velo es símbolo de casadas o de viudas. La niña en cabellos (=doncella) es la protagonista de la lírica popular. La doncella no sale de casa, la cabellera está vinculada al erotismo de la mujer, en esta poesía las doncellas ante la mirada de un hombre se tuerzan el cabello, se lo lavan, lo peinan… Peinarse ante los ojos de alguien encierra una promesa y una correspondencia amorosa. Lo salvaje, lo animal está ligado al pelo largo sin “domar”.

El encuentro de los enamorados se da en la naturaleza, en lugares exteriores para escapar de la vigilancia familiar. Un lugar que aparece en la literatura es la romería, aprovechar una romería para tener el encuentro amoroso. Otro lugar es el jardín cerrado, el huerto cerrado. El hortus conclusus está simbólicamente asociado a la virginidad de la mujer, es un jardín inmaculado.

Otras ocasiones para el encuentro amoroso son actividades cotidianas relacionadas con el agua: ir al río a lavar la ropa. Durante estas tareas domésticas se puede escapar la doncella, el agua si es fría y por tanto apetecible es símbolo del deseo sexual femenino. Si el agua es turbia, está en movimiento… Muchos ritos de fecundidad tienen que ver con el agua: bañarse la noche de san juan. El agua es generador de otros símbolos: la jarra de agua, la moza del cántaro (cuando se quiebra el cántaro o la jarra simboliza la pérdida de la virginidad).

Formalmente, el villancico con glosa adopta la forma de zejel. Composición de origen árabe que está emparentado con la moaxaja. Resultado del cruce de diversas tradiciones. Su estructura, la regular, es que la estrofa está compuesta por tres versos monorrimos (característico), hay vuelta que rima con el estribillo.

LA ÉPICA

Los cantares de gesta son los primeros reflejos de cierta entidad literaria al margen de la lírica. La materia de Francia con la canción de Roldan inaugura un género que tendrá en la sociedad feudal a su público más. La épica narra las hazañas de un héroe, un héroe que devuelve la paz a una colectividad, el viaje del héroe. Esa colectividad había sido atacada por un peligro interior o exterior, el héroe consigue devolver la paz. Frente a los cientos cantares de gesta conservados en francés, en castellano son muy escasos, no tenemos ni uno completo, el Cid es el más completo.

El cantar de gesta es poesía, el verso es el medio de expresión, pero no suele organizarse en estrofas regulares, se da la irregularidad. Aunque se suelen agrupar los versos en series de una misma rima, las tiradas. No hay alternancia de una misma rima en una misma triada. Es poesía pero también es narración, es poesía narrativa que nos cuenta un hecho. Dentro de esta narración queda claramente destacado un protagonista, es al que se le encomienda la transformación de ese desequilibrio inicial. Como poesía narrativa tiene un carácter objetivo, busca una objetividad. En la poesía épica, vemos un narrador que expone unos hechos que conoce y que considera pasado remoto.

Estos hechos que se narran son conocidos por el público, el público acepta el relato si este relato se mantiene dentro de unas pautas, las pautas de la materia heredada. La progresión narrativa es confiada también a los personajes, estos también hablan, el diálogo es un elemento característico pero también los parlamentos en primera persona.

La poesía épica no puede entenderse sin los juglares, son ellos los que fueron creando una cultura popular a lo largo de los siglos XII y XIII. De hecho, más tarde, cuando los clérigos quieran estudiar los hechos de España, a pesar del desprecio hacia los juglares por considerarlos gente inculta, no tendrán otro remedio de acudir a ellos porque fueron los que la conservaron.

Los juglares crean una memoria colectiva del pasado, puede ser remoto o pasado. Crean también una cultura literaria, por eso los letrados del siglo XIII tendrán que contar con los juglares para reconstruir esos hechos. Estos clérigos descalifican la figura del juglar, de ahí que en siglo XIII se basen en ellos para persuadir a los fieles con otras historias, pero que ya tienen el sello de la iglesia y de la moralidad. No solo condena la forma, sino también las historias que cuentan los juglares.

Las gestas de estas historias se propagaron mediante recitaciones orales, cada una de estas recitaciones influyó en la evolución del texto. El juglar muchas veces no sabía leer, muchos aprendían a través del oído. El juglar recitaba de memoria y, por tanto, modifica oralmente, no va a ser igual una recitación que otra, puede ser consciente o inconsciente esa recitación, dependiendo del público. La mayor parte de los poemas épicos españoles se han perdido, pero esas pérdidas son más o menos compensadas a través de crónicas o de otro tipo de composiciones como el romancero viejo o el teatro. El teatro retoma muchas de estas gestas.

Una singularidad del cantar de Mio Cid respecto a otros cantares es el realismo. El realismo ha sido un ingrediente que la crítica internacional ha usado para describir la literatura española. Es un héroe que empieza llorando, no mata a 50 moros de un espadazo como Roldán. El Cid cuando acaba la batalla cuenta monedas, realismo económico. Cuando termina una batalla se cuenta el dinero, se reparte el dinero, se habla de dinero… Que cuente dinero después de la batalla no solo es una voluntad de realismo, sino que también es una forma de decir que el Cid fue acusado falsamente de ocultar dinero. Es característico del CID el final feliz. Es un héroe muy mesurado, no es impulsivo. Otra característica es el papel de las mujeres, es muy importante el papel de las mujeres, de ahí que la crítica defienda que es un cantar pensando para ser recitado para mujeres.

En el cantar del mio cid se parte de unos hechos reales, pero poco a poco se va mezclando con lo irreal. Debío de escribirse hacía el año 1140, habla de un pasado, pero no tan remoto.

El episodio del león es destacable. Los hombres del Cid rodean a su señor mientras él duerme la siesta y el Cid vence al León sin necesidad de luchar. La jerarquía no se explica, se muestra. Cómo dentro de un profundo antig

uo régimen como lo es la baja edad media donde la clase social es la clave de bóveda del sistema, en esta obra no. En esta obra los de gran linaje son los antagonistas, lo que nos demuestra esta obra es que la nobleza se demuestra con los actos y las obras y no con la sangre. 

Per Abbat (siglo XIII) es el autor de la única copia conocida del Cantar de Mío Cid. El nombre Per(o) Ab(b)at era muy corriente en la época, lo que hace difícil identificarlo. La copia, posterior a la redacción original, está fechada en 1207 o 1307. Según la fecha y la teoría a que se acoja, Abbat pasaría de ser un mero copista a ser el autor del Cantar. Para esta última teoría, se suele recurrir a la interpretación literal el explicit con que acaba el manuscrito. 

ALEJANDRO MAGNO: En la Edad Media, Alejandro Magno es una figura que fascina al sector de los intelectuales, lo que va a generar que ciertos géneros entren en auge, como la épica. Este personaje reúne características atractivas para las dos clases dirigentes de la época, para los nobles guerreros y los clérigos intelectuales. Une en su personaje fortitudo y sapiensa: encarna el espíritu caballeresco militar y el espíritu intelectual escolar. Alejandro Magno no es solo un guerrero, tiene ambiciones de conocimiento. 

FORTITUDO:Alejandro Magno aparece representado como un militar excelente, es el precursor de los libros de caballería. No todos los libros de caballería parten de la figura de Alejandro Magno, ya que le pasa algo muy importante: la vivencia del amor, un aspecto básico de los libros de caballería. Alejandro Magno aparece representado como un militar excelente, es el precursor de los libros de caballería. La crítica también dice que es el precursor de la caracterización del Rey Arturo. No todos los libros de caballería parten de la figura de Alejandro Magno, ya que le pasa algo muy importante: la vivencia del amor, un aspecto básico de los libros de caballería.

SAPIESA:Los clérigos tienen interés en recuperación la educación que Aristóteles le dio a Alejandro Magno. En el comienzo, se dice que Alejandro estudió las siete artes medievales (medievalización). Esta ambición intelectual y el afán de ir siempre más allá e incluso franquear los límites humanos también lo destacan. El ir hacia Oriente, donde un humano donde no ha ido nunca. Toda esta ambición es de tipo intelectual y parece no tener freno, por lo que se le castiga por su desmesura: se le castiga porque está compitiendo con Dios. //APOLONIO: . Esta obra tuvo una amplia difusión, no tanto como la de Alejandro Magno. Esa fascinación por el rey Apolonio llegó hasta la Edad de Oro. La originalidad radica en la adaptación, hay una libertad absoluta para modificar los fragmentos. Aparece una medievalización y cristianización del texto. Medievalización → sustitución de los elementos de la antigüedad clásica por elementos cercanos a los lectores del siglo XIII (adaptación a la época). La obra no se adapta solo a una nueva estética, sino también a una nueva ética. Se adapta todo lo relacionado con dioses, fiestas paganas y demás. //El héroe de El libro de Apolonio es uno distintos a los demás: es pasivo, no lucha contra la adversidad, sino que la acepta estoicamente. Se somete a ese hado trágico superior a él y tiene una reacción constante, la de las lágrimas, llora. Es un héroe vergonzoso; mesurado, pero incapaz de reprimir el llanto. La fórmula de Apolonio es que la sabiduría se forma de erudición y vivencia. El hombre viaja para conocer y autoconocerse, la experiencia del viaje como transformadora. 

MESTER DE CLERECÍA:El mester de clerecía nació entre estudiantes y profesores de la Universidad de Palencia, y su nombre proviene de Manuel Milá y Fontanals, quien extrajo el nombre de unos versos del Libro de Alexandre, en el que el autor se quiere separar del mester de juglaría, diferenciándose porque el mester de clerecía carece de pecado, por tener rima, estrofa característica, regularidad y ser de más alta clase. Las obras principales de la cuaderna vía son de Gonzalo de Berceo (Milagros de nuestra señora), el Libro de Alexandre o el Libro de Apolonio. 

Comienza un nuevo sector de intelectuales más vinculado a la formación. El Mester de Clerecía tiene una forma estrófica específica, la cuaderna vía (tetrástico monorrimo). Esta estrofa se cultiva durante los siglos XIII y XIV. Está formada por cuatro versos, cada uno de 14 sílabas (versos alejandrinos → provienen de un texto francés llamado Roman de Alexandre). Tienen una cesura en medio y la rima es consonante (AAAA – BBBB).

El mester de clerecía abaraca diferentes temas: vidas de santos Lo que confiere homogeneidad al mester de clerecía es:

1) A la hora de redactar, sus autores siempre parten de un texto previo latín, que traducen con amplios márgenes de libertad (añaden, quitan y modifican según sus necesidades creativas): no están atados a la fidelidad de la fuente. Esto no quita que no sean textos originales, no tanto en su relato, sino en la elaboración formal de la obra 2) Encontramos una voluntad clara y explícita de respetar la regularidad métrica.3) A los autores del mester, les mueve una voluntad pedagógica, pues con sus obras pretenden ayudar a la formación ética y cultural de sus lectores. Por ejemplo, en el Libro de Alexandre, el escritor interrumpe el seguimiento de la vida de Alejandro Magno para explicarnos las propiedades de ciertos minerales 4) Estos autores emplean una lengua entre lo culto y lo popular. Esto lo podemos ver en la proliferación de neologismos, cultismos y latinismos (método culto para elevar la lengua), o un gusto por los diminutivos, refranes, comparaciones populares (recursos populares). Esta dualidad de intenciones se refleja en la lengua y en la intención.