Historia del Teatro: Desde la Antigüedad hasta la Era Contemporánea

El Teatro en la Antigüedad

Teatro Griego

El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Los atenienses celebraban ritos en honor a Dionisio, dios del vino y embriagador de los sentidos. Estas ceremonias rituales evolucionaron hacia la tragedia. El público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, que tenía un componente educativo, de transmisión de valores y purgación de los sentimientos.

Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la farsa, este nuevo arte estuvo asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.

Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso con máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje. Además, se subían en aparatosos zapatos de plataforma (coturnos). El público, colocado en el theatron observaba a los actores que se movían en la skené, en la que dialogaban con el coro, colocado junto a los instrumentistas en la orchestra.

La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto. En la tragedia las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas. La acción se relataba a través de diálogos entre los personajes y el coro, que intervenía en forma de canciones. Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales.

La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. La comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante. Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.

El Teatro Romano

El teatro romano recibió la influencia del griego, que derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza. Más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron los histriones –que significa «bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y mimo. Como autores destacaron PLAUTO y TERENCIO, que hacían adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local, aunque aportaban un valor didáctico. La estructura de las piezas era muy dinámica y del gusto del público, y solían cantarse muchas partes de la obra. El teatro literario entra en declive y es sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el teatro romano y contribuyó al declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano el teatro clásico decayó y no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo juglares y trovadores, sobrevivieron.

El Teatro Medieval

El teatro de la Edad Media era de calle, lúdico y festivo. Estaba subvencionado por la Iglesia y, más adelante, por gremios y cofradías. Los actores eran en principio sacerdotes, pasando más tarde a actores profesionales, y las obras fueron en primer lugar en latín, pasando a lenguas vernáculas. El diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. El teatro medieval se desarrollaba en tres principales tipologías:

• Litúrgico: Temas religiosos dentro de la Iglesia
• Religioso: Textos de gran valor literario sobre la vida de Jesucristo con elementos juglarescos, sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danzadas, y moralidades, sobre personajes simbólicos.
• Profano: De temas no religiosos, el teatro se fue del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias. Eran llevados a cabo por toda una comunidad cada. Las representaciones podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada obra se encargaba un gremio que intentaba que el tema tuviera que ver con su ocupación laboral. Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil memorización.

Teatro de la Edad Moderna

Renacimiento

El teatro renacentista acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo, con obras más naturalistas, de aspecto histórico, intentando reflejar las cosas tal como son. Se buscaba la recuperación de la realidad, de la vida en movimiento, de la figura humana , en las tres dimensiones, creando espacios de efectos ilusionísticos. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades: • Unidad de acción: la obra debe seguir de una única acción principal, • Unidad de tiempo: la acción no debe transcurrir en un tiempo superior a las 24 horas, • Unidad de lugar: la obra debe representarse en un espacio físico único, sin intentar representar más de un lugar. surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte, con textos improvisados, predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín, Colombina… En Inglaterra, a finales del siglo XVI, descolló el teatro isabelino. A diferencia del teatro continental, el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general. Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre. Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como BEN JONSON y CRISTOPHER MARLOWE dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE. Sus obras se siguen representando. A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. En aquel tiempo no existían en París edificios dedicados al teatro, utilizándose recintos destinados al juego de pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets. MOLIÉRE está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus comedias de costumbres pueden considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras tiene cierta amargura. Fue también un actor cómico y trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico. La obra dramática más importante de este período en España es La Celestina de Fernando de Rojas. es una comedia humanista, hecha para la lectura y reflexión que para la escena. Se trata de una obra excepcional, retrato de la época y modelo de la literatura galante posterior. Su complicada estructura dramática hizo que no fuera representada en su época y hoy sigue teniendo enormes dificultades para su puesta en escena.

BARROCO.En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia, basada en el destino. La escenografía era más recargada, El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Es uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal.Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, gestionadas por las hermandades. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA,CALDERÓN DE LA BARCA y TIRSO DE MOLINA. Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española convirtiéndola en género nacional. Entre las que destacan y el “Comendador de Ocaña o Fuenteovejuna”. Miguel de Cervantes “El caballero de Olmedo”. Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y su teatro llegó a representarse ante la corte. “La vida es sueño”. Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en “El burlador de Sevilla”. EL SIGLO XVIII En el siglo XVIII el teatro siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia. La escenografía era más naturalista, con un mayor contacto entre público y actores. Al organizarse espectáculos más complejos, empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena.Las obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. Como dramaturgos destacan METASTASIO, BEAUMARCHAIS y VOLTAIRE. En España, NICOLÁS.

TEATRO CONTEMPORÁNEO SIGLO XIX El romanticismo apareció en Alemania.Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa. El teatro, destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la predilección por temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular. Surgió un nuevo género, el melodrama, a menudo ignorado y ridiculizado, y se popularizaron los espectáculos de variedades .El teatro realista marcó las bases del teatro moderno. Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social y los derechos de las mujeres, también  valiosos por sus convincentes estudios de individuos. Se puso énfasis en el naturalismo, la descripción minuciosa de la realidad, no sólo en la temática y el lenguaje, sino también en decorados, vestuario, atrezzo, etc. La interpretación era más veraz, sin gesticulaciones ni dicción grandilocuente, investigando en las motivaciones psicológicas de los personajes. Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Por primera vez se iluminó sólo el escenario, dejando al público a oscuras. “CHEJOV”.El naturalismo es responsable de la aparición de la figura del director teatral. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción. El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total, destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente y buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación, con preferencia por los temas míticos y las leyendas. En España se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Podemos decir que los autores españoles coinciden, con los alemanes y franceses, que explica las frecuentes mezclas de lo trágico y lo cómico, el verso y la prosa; abandono de las tres unidades; temáticas que giran en torno a un amor imposible y platónico.Su gran figura es JOSÉ ZORRILLA, el autor de Don Juan Tenorio

SIGLO XX En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas, realistas, impresionistas y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine. en el siglo XX conviven una gran diversidad de estilos, evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa y reivindicando el gesto, la acción y el movimiento. Comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. • el expresionismo. tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra. • el musical. los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio. A finales de la década siguiente, como resultado de crecientes problemas políticos y económicos, volvieron los musicales.• el teatro épico. se caracterizó por una radical oposición a la forma de vida y a la visión del mundo de la burguesía y el teatro burgués. BERTOLD BRECHT desarrolló una nueva forma de teatro que se prestaba a representar la realidad de los tiempos modernos, y se encargó de llevar a escena todas las fuerzas que condicionan la vida humana y a sacar sus propias conclusiones. Hasta el fin de su vida sostuvo la tesis de que el teatro podía contribuir a modificar el mundo. El efecto de distanciamiento creado por Brecht es un arma contra el romanticismo y el sentimentalismo. La crítica social, la compasión con los seres humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial. • el teatro del absurdo, vinculado al existencialismo  carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático. Desde los años sesenta, el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico, buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador. Los nuevos directores añadieron a este "teatro de provocación" una conciencia estilística basada en claves como la ceremonia, el divertimento y el exhibicionismo. El lenguaje oral quedó así ampliado por los aspectos visuales, y el arte dramático recuperó en cierta forma su antigua ambición de "teatro total". A finales del siglo XIX y comienzos del XX no se produce en España la renovación del arte dramático. Aquí el teatro es, un entretenimiento para el público burgués. Las compañías teatrales formadas por las grandes actrices y actores del momento, están dedicadas a complacer los gustos de este público. BENITO PÉREZ GALDÓS, autor de reconocido prestigio. Galdós se atrevió a crear unos personajes femeninos que, se enfrentan al fanatismo y al oscurantismo. Las obras de JACINTO BENAVENTE  señalan el final del tono melodramático, grandilocuente y declamatorio en el teatro. Benavente inicia el realismo moderno. RAMÓN MARÍA DEL VALLE INCLÁN impone lirismo a su prosa. Crea el esperpento, que él define como “la búsqueda del lado cómico en lo trágico de la vida. FEDERICO GARCÍA LORCA destaca por su lenguaje lleno de metáforas y por inusitadas figuras renovadoras. Con la vuelta de la democracia se produjo una renovación del teatro oficial. Directores, hombres y mujeres de teatro hasta entonces vetados acceden a la dirección de los teatros nacionales, centrando sus programaciones en los grandes dramaturgos clásicos y contemporáneos y recuperando a los autores españoles del 98.Los grupos independientes van perdiendo vigor y presencia en la escena española. sólo unos pocos han subsistido y han podido mantener una continuidad. TEATRO ORIENTAL El teatro oriental tiene ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. Aunque los teatros de los diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes que mezclan literatura, danza, música y espectáculo. TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO En Oriente destacó el teatro indio, donde se habla de canto, danza y mímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las historias de los dioses y héroes indios. La representación es básicamente actoral, sin decorados, destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversas modalidades, en siete o diez actos. El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos estaban rígidamente codificadas. Las marionetas y el teatro danzado, han sido también muy apreciados en varios momentos de la historia de la India. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos,así como la expresión del rostro y los movimientos de los ojos. También tenía importancia el maquillaje, donde los colores eran simbólicos, identificando al personaje. En la India, el teatro evolucionó destacando el canto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka y el wayang kulit. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos. TEATRO CHINO El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario.Desde el siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. la representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. TEATRO JAPONÉS El teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado .Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del teatro occidental. El kabuki sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas.