Historia de la Música y la Danza: Barroco, Clasicismo y Más

Estilo galante: El estilo galante, también denominado rococó o preclásico, comprende una forma de componer, más que un período, aunque podemos enmarcarlo aproximadamente entre 1730-1780. Es un estilo que nace como oposición al Barroco y como transición hacia el Clasicismo, en el ámbito de las ideas ilustradas de la época. La artificiosidad del Barroco y el drama dan lugar a un gusto por lo natural. Por ello, la música responde a estos gustos y necesidades de la burguesía, predominando música para el entorno doméstico (grupos reducidos), más sencilla y menos virtuosa.

Joseph Haydn: Franz Joseph Haydn (1732-1809) es un compositor del Clasicismo considerado como el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda por haber fijado y desarrollado su estructura. Es un maestro en el desarrollo de los temas. Destacan sus 104 sinfonías, 83 cuartetos, sonatas para piano, etc. En el ámbito de la música vocal, aunque compone óperas y misas, se le recuerda por sus oratorios “La creación” y “Las estaciones” compuestos bajo la influencia de Haendel.

Marianne von Martínez: Marianne von Martínez fue una de las compositoras e intérpretes más famosas del siglo XVIII y reconocida por grandes nombres de la música clásica de su tiempo, aunque no recibiera el lugar que le correspondía en el mundo del arte musical. Su hogar era un centro de reunión de artistas en el que se dieron cita compositores de la talla de Mozart y Beethoven. Y por supuesto Haydn, su maestro y admirador que la apodó como la “pequeña española”. Aunque su carrera musical fue muy activa y causaba gran admiración su habilidad interpretativa, tristemente nunca llegó a ejercer oficialmente como intérprete o compositora.

Orquesta clásica: La orquesta clásica surge durante el siglo XVIII. En 1720, tras la disolución de algunas orquestas alemanas, sus componentes se reunieron en Mannheim para conformar una nueva orquesta dirigida por el compositor y director bohemio Johann Stamitz. Modelo de la orquesta clásica y germen de la actual orquesta, se caracteriza entre otros por la división de los instrumentos por familias y la eliminación del clave como soporte armónico.

Gioacchino Rossini: Gioachino Rossini (1792-1868) fue un compositor italiano y paradigma de la ópera italiana. Aunque dejó de componer a los 37 años, sus melodías frescas y fluidas, la incorporación de temas patrióticos y solemnes, así como el empleo del coro para simbolizar al pueblo marcaron sin duda un precedente entre los compositores posteriores. En 1810 empieza a componer sus óperas y de las 39 compuestas destacan “El barbero de Sevilla”, “La italiana en Argel” o “Guillermo Tell”, su última ópera.

Sonata clásica: La sonata es una composición instrumental compleja escrita para uno o dos instrumentos, generalmente en cuatro movimientos. Deriva de la sonata da Chiesa barroca, aunque en el Clasicismo abandonará el bajo continuo y se compondrá generalmente para piano o para piano con otro instrumento como el violín, la flauta o el violonchelo. El primer movimiento está escrito en forma sonata.

Jean Georges Noverre: Jean Noverre (1727-1810), fue un coreógrafo y bailarín francés que plasmó sus ideas revolucionarias en el tratado “Cartas sobre la danza y los ballets”, publicado en 1760. Noverre creó el nuevo género del ballet d´action, demostrando que la danza, el mimo y la música podían narrar una historia sin tener que recurrir a la poesía o a la canción. De esta manera surge el verdadero ballet moderno, concebido como la conjunción de música, coreografía y escena, unificados para expresar una idea dramática.

Historia de la Música y la Danza: Conceptos Barrocos

Ballet de cour

El “ballet de cour” (fruto de la colaboración de los grandes artistas protegidos del rey Luis XIV: el coreógrafo Pierre Beauchamp, el dramaturgo Molière y el compositor Jean Baptiste Lully) era una obra teatral bailada que comenzaba con una “ouverture” instrumental y terminaba con “grand ballet” en el que, al menos una vez al año, participaba el propio rey. El desarrollo dramático consistía en una serie de “entrées” o escenas en las que se mezclaban el canto y la danza, interpretados ya exclusivamente por profesionales. Se representaban bajo decorados espléndidos, y los bailarines – al principio masculinos – iban adornados con lujosas vestimentas y máscaras.

Pierre Beauchamp

El francés Pierre Beauchamp es conocido por ser uno de los primeros bailarines de ballet profesionales. Junto al dramaturgo Molière y el compositor Lully creó el “ballet de cour”, espectáculo que mezclaba la danza, la música y el teatro, además de dirigir la Academia Real de Danza, fundada en 1661 por Luis XIV. Gran profesor y virtuoso bailarín, a Beauchamp le debemos gran parte de la terminología de la danza y las cinco posiciones de los pies con el acompañamiento del “port de bras” – determinadas posiciones de los brazos – que utilizará el ballet clásico.

Francesca Caccini

La italiana Francesca Caccini es considerada la compositora más antigua de una ópera y una de las músicas más destacadas del siglo XVII. Su única obra teatral que se conserva, “La liberazione di Ruggiero”, es considerada la ópera más antigua de una compositora. Fue una de las pocas compositoras del siglo XVII cuyas obras fueron publicadas.

Cantata

Etimológicamente, la palabra cantata significa “música para cantar” y nace como un término opuesto a la palabra sonata (música para “sonar” o tocar con instrumentos). La cantata surge como una forma profana de carácter laico-amoroso que fue adoptada por la música religiosa cambiando el texto por fragmentos del Evangelio, de los Salmos, o por temas religiosos populares. La cantata es una forma compleja, escrita para orquesta, coro y solistas y formada por la sucesión de recitativos y arias. En Alemania, la cantata religiosa introducirá también como seña de identidad el coral. Los compositores más representativos de esta forma son Georg Philipp Telemann y Johann Sebastian Bach con más de 200 cantatas religiosas.

Clavicémbalo

El clavicémbalo (también conocido como clave o clavecín), es un instrumento musical con teclado y de cuerda pinzada (a diferencia del piano o del clavicordio, que son instrumentos de cuerda percutida). El clavicémbalo fue uno de los instrumentos más populares durante el Barroco, sin embargo, fue cayendo en el olvido durante las últimas décadas del siglo XVIII, momento en el que los compositores se decantaron por el fortepiano (antepasado del piano moderno), el cual, a diferencia del clavicémbalo, permitía cambios de volumen con solo variar la intensidad de pulsación de las teclas.

Concerto

El concierto es una forma instrumental compleja surgida en el Barroco compuesta por la sucesión de tres movimientos contrastantes: Rápido – Lento – Rápido. El término concierto deriva de la palabra “concertare”, que expresa la idea de ponerse de acuerdo. El concerto a solo está escrito para un instrumento solista que contrasta en constante diálogo con la orquesta. El compositor más destacado es Antonio Vivaldi, al que se le atribuyen más de trescientos conciertos para solista, la mayoría para violín, aunque también para fagot, violonchelo y flauta.

Concerto grosso

El Concerto grosso es un tipo de concerto escrito para un pequeño grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van contrastando y alternándose en la interpretación de partes nuevas y repetidas (ritornello). Los compositores más destacados son Arcangelo Corelli, Georg Friedrich Haendel y Johann Sebastian Bach.

Contrapunto

El contrapunto es una técnica de improvisación y composición musical que implica la creación de líneas musicales que se mueven independientemente unas de otras, pero guardan una relación armoniosa entre ellas. Esta práctica, que surgió en el siglo XIV, alcanzó un alto grado de desarrollo en el Renacimiento (siglo de oro de la Polifonía), y se mantuvo durante todo el barroco, aunque en declive en favor a las texturas homofónicas y de melodía acompañada de siglos posteriores.

Fuga

Es una forma simple (de un solo movimiento), surgida en el Barroco y de textura contrapuntística, basada en el uso sistemático de la imitación y generalmente escrita para un instrumento de teclado (órgano o clavicémbalo). El tema principal o sujeto se presenta sucesivamente en todas las voces, y va alternando con temas secundarios o contrasujetos y con partes de imitación más libre llamadas episodios.

Juan Hidalgo

Juan Hidalgo (1614-1685), fue un compositor madrileño perteneciente al periodo barroco, uno de los autores de música teatral más prolíficos de la segunda mitad del siglo XVII y considerado como el padre de la ópera española. Hidalgo personifica el origen de la ópera en España de la mano del ilustre dramaturgo Calderón de la Barca con las obras “La púrpura de la rosa” y “Celos aun del aire matan”, ambas de 1660, ésta última considerada la ópera más antigua conservada en España.