El gusto, la belleza, lo sublime, lo kitsch y lo camp: una exploración estética

El Gusto: Contexto, Cultura y Educación

¿Existe el buen y mal gusto?

El gusto no se determina individualmente; está marcado por nuestro contexto, cultura y educación. ¿Existe el buen y el mal gusto? Lo bello es lo que experimenta el sujeto, dejando de lado si la obra responde a una concepción moral, política o religiosa. Los juicios de gusto reflejan nuestros sentimientos, y la representación e imaginación ayudan a la comprensión intelectual.

Joseph Addison: El placer estético se deriva del arte y la naturaleza, experimentándose de manera autónoma, centrándose en la experiencia del sujeto.

• Placeres primarios: objetos presentes con cualidades como grandeza, singularidad y belleza.
• Placeres secundarios: representaciones mentales de objetos ausentes (recuerdos, estatuas, pinturas...).

David Hume: En “Norma del gusto”, defiende que la belleza reside en la mente del espectador, percibiéndose de manera diferente. No podemos definir las cualidades de un objeto para llamarlo bello.

Immanuel Kant: En “Crítica del gusto”, defiende que el juicio de gusto señala cómo se siente el sujeto por la representación, juzgando el objeto mediante agrado o desagrado, siendo desinteresado.

Factores que influyen en el gusto

• Factor de sociabilidad: Los individuos están influenciados por su contexto histórico. Se mantiene la autonomía del gusto donde el criterio del juicio es estético (no moral, religioso...). En el s. XVIII se valoran las obras de arte por la forma.
• Tres niveles de cultura: La sociedad de masas se divide en estatus de cultura superior, mediocre y vulgar, donde la alta cultura marca el buen gusto, dando prestigio. “La distinción” de Pierre Bourdieu explora cómo el gusto es moldeado por factores sociales:

• Habitus: percepción, pensamiento y acción de cada clase social.
• Gusto legítimo: alta cultura, clase dominante.
• Gusto medio: aspiración al gusto legítimo.
• Gusto popular: lo útil frente a lo estético.
• Violencia simbólica: El buen gusto se impone por la clase dominante a toda la sociedad.
• Industria cultural: Cultura de masas donde los productos elaborados son para ser consumidos, lejos de pretender ser obras de arte, sin exigencia por parte del creador ni del consumidor. Su finalidad es entretener y distraer.

La Belleza: De lo Objetivo a lo Subjetivo

Belleza a través de la historia

Hasta el s. XVIII se consideraba objetiva; a través de los siglos evolucionó hacia una comprensión más subjetiva y plural.

Antigüedad

• Homero: La belleza está relacionada con la armonía y proporción. Enfatiza la relación entre belleza y bondad moral, donde el ideal del ser humano es ser bello y bueno.
• Pitagóricos: La proporción y la simetría eran fundamentales para la percepción de la belleza.
• Platón: La belleza trasciende lo físico. En “El banquete”, presenta el amor como deseo de lo bello, guiando nuestras aspiraciones y acciones. La escala de la belleza de Platón va desde lo sensible hasta lo inteligible, culminando en la contemplación de la belleza en sí, superando el mundo de las apariencias y llegando a saber quién es Dios. El amor por lo bello es un impulso que nos lleva a buscar la verdad y la bondad, donde el deseo del ser humano es el deseo de sabiduría, alcanzado a través del amor y la contemplación de lo bello, una comprensión del mundo y de sí mismo.

Edad Media

• San Agustín: Cuestiona si algo es bello porque nos gusta, o nos gusta porque es bello. La belleza está basada en la armonía: forma, orden y medida. El ser humano tiene una belleza sensible, volcada en el objeto. Valora más la belleza natural (divina) que la sensible, donde la belleza debe conducir a conocer la belleza de Dios.
• Pseudo-Dionisio y Santo Tomás de Aquino: La belleza es el atributo divino, vinculado con la divinidad; las cosas bellas participan en la belleza de Dios.

Edad Moderna

• Leon Battista Alberti: Enfatiza la importancia de la proporción y la armonía en el arte, donde la belleza está vinculada entre la forma y el contenido.

Siglo XVIII

• Immanuel Kant: En la Crítica del Juicio, la belleza deja de estar basada en principios objetivos y pasa a ser centrada en lo que agrada y desagrada, placer de lo que veo. Desinteresado y universal, donde no atiende a un deseo o finalidad, ni se define por un canon.

Siglo XIX

• Hegel: El arte es la forma en la que el ser humano encuentra expresión y se hace consciente de sí mismo, donde es capaz de transformar ideas en formas concretas y tangibles. Diferentes formas del arte: simbólico (arquitectura), clásico (escultura) y románico/cristiano (pintura, música y poesía).

Siglo XX

• Potencia el artista bohemio, donde lo importante es expresar al margen de la verdad, siendo no importante si la obra es bella o no. Arte vinculado a las reivindicaciones, la belleza esclavizada pasando por unos estereotipos y sin gusto personal ya que hay interés.
• Vanguardistas: Crítica de la belleza rechazando los estándares tradicionales, rebelándose y buscando nuevas formas de expresión.
• Sociedad del consumo: Transforma la belleza en producto comercial, donde la imagen corporal y estética se convierten en objetos de consumo, usando la publicidad la belleza como medio para vender.

Lo Sublime: Placer y Miedo

Posee una elevación extraordinaria, relacionada con la grandeza admirable de una persona y con la nobleza, elegancia y gravedad de una obra o experiencia. Lo sublime da placer y miedo.

• Longino: Relaciona lo sublime con la perfección, con un componente de asombro.
• Edmund Burke: Habla del placer negativo, estableciendo la definición de lo bello (placer positivo) y lo sublime (placer negativo), provocando sentimiento de miedo (oscuridad, poder, inmensidad...). Relacionado con pasiones y sentimientos del cuerpo, aquello que amenaza tu vida provocando la muerte. Ej. La naturaleza se presenta como ese poder que nos supera, un paisaje que nos hace sentir pequeños.

Fuentes/Causas de lo Sublime

• Oscuridad
• Poder
• Carencia
• Inmensidad
• Infinito

Immanuel Kant: En la Crítica del Juicio distingue entre lo bello y lo sublime, caracterizando lo bello como forma limitada y cualidades serenas que atraen al espectador, y lo sublime asociado a lo infinito, la cantidad y el impulso mayor.

• Sublime matemático: Surge del desajuste entre infinito y nuestra capacidad de comprensión. Lo pequeño que somos en comprensión al universo, provocando dolor (porque no soy capaz de representar lo que es el universo) y placer (porque soy consciente del universo y de nuestra incapacidad). Ej. El mar en calma, una montaña, cielo estrellado...
• Sublime dinámico: Manifiesta la presencia de fuerzas naturales que superan nuestra capacidad física y nos recuerda nuestra impotencia frente a la naturaleza. Produciendo otro desajuste, lo poco que puede hacer el ser humano ante la fuerza de la naturaleza. Ej. El mar en tormenta, cascada... → Matemático por la magnitud (acantilado) y dinámico por la fuerza de la naturaleza (catarata).

La Fealdad: Una Perspectiva Histórica

Antigüedad

• La fealdad estaba asociada al mal; se valoraba más la conducta moral que la física.
• Platón: Se debía evitar representar la fealdad, ya que era contraria a la armonía y la bondad.
• Aristóteles: Defendía la representación de lo feo como forma de enfrentarse a ello y lograr una purificación emocional.

Edad Media

• La fealdad se presentaba de manera simbólica y gloriosa, asociada a la muerte.
• San Agustín: Existe lo feo porque es el último grado de participación de la belleza en un ser.

Edad Moderna

• Visión más objetiva de la fealdad, con gusto hacia lo extravagante y extraño.

Siglo XIX

• Admiración y reconocimiento hacia la estética de lo feo.
• Víctor Hugo y Karl Rosenkranz: Reivindicaban el derecho del arte a representar lo feo y repugnante. El arte no tiene que buscar la belleza perfecta, sino que puede dar valor a lo feo al representarlo de manera ideal.

Siglo XX

• Las vanguardias desafiaron que el arte debía ser bello, buscando desmontar este concepto; se buscaba escandalizar y denunciar aspectos sociales a través de la representación de lo feo, grotesco y perturbador.

Lo Kitsch: Apariencia de Belleza

Apariencia de algo bello que puede gustarnos superficialmente, carece de autenticidad y profundidad. Se asocia con el mal gusto y la imitación barata de estilos artísticos o culturales. Tiene la capacidad de atraernos debido a su llamativo aspecto visual y su simplicidad. Ej. Portaventura, merchandising, LEGO… Concepto forjado en el s. XIX a partir del concepto alemán que daba nombre a la construcción de muebles en serie a bajo precio a partir de muebles históricos y antiguos. El concepto de kitsch viene de los turistas americanos que venían a Europa a comprar arte y acaban comprando los bocetos como si fueran obras.

Pierre Bourdieu: En “La distinción” explora los criterios sociales que influyen en la formación del gusto, moldeado por nuestro entorno social y educativo, lo que nos lleva a preferencias similares a las de nuestra clase social.

• Gusto legítimo: gusto de la clase alta, establece cuáles son los clásicos de la cultura.
• Gusto medio: propio de las clases medias, reconocen las obras de la alta cultura, pero no la pueden consumir.
• Gusto popular: viene marcado por la necesidad de la adquisición del objeto, compro el objeto por la utilidad que me da.

Clement Greenberg: Defiende que la gente de campo viene a la ciudad y no sabe consumir la alta cultura; el consumidor del kitsch no sabe que lo consume.

Umberto Eco: Examina la relación entre la cultura de masas y la cultura de élite, señalando cómo la clase alta no solo define el buen gusto, sino también lo que es kitsch, careciendo de conciencia crítica sobre lo que está consumiendo. El consumidor cree que consume alta cultura, pero no lo es, ya que el fabricante lo hace con el objetivo de ennoblecer su obra, creado para que el consumidor crea que está teniendo una experiencia de alta cultura privilegiada, pero no tiene suficientemente cultura como para identificarlo.

Abraham Moles: Presenta cinco principios del kitsch:

1. Inadecuación
2. Acumulación
3. Percepción sinestésica
4. Mediocridad
5. Confort emocional

Lo que antes era despreciado, hoy es valorado. Se ha infiltrado en el arte y lo que antes era la corrupción del arte y el mal gusto, hoy podemos consumirlo sin vergüenza ni complejos.

Lo Camp: El Buen Gusto del Mal Gusto

Derivado del término francés “camper”, Susan Sontag se refiere al gusto por lo exagerado, artificial y extravagante, buen gusto del mal gusto. Cuando la persona es consciente de que consume kitsch pasa a ser camp.

Características de lo Camp

• Exageración y artificio
• Arte decorativo y utilitario
• Rechazo del buen gusto convencional

Evolución del Concepto de Arte

Antigüedad

El concepto de arte se asociaba con la idea de Ars/Techné (habilidad o destreza) y mimesis (imitación de la naturaleza, según Platón). Se valoraba el objeto pero no al artista. Las obras de arte se valoraban como objetos de función. Ej. esculturas con función política para mostrar al pueblo la imagen de un líder.

Edad Moderna/Renacimiento

Comenzaron a reivindicar su trabajo como algo más que una simple habilidad manual; el arte implicaba capacidad de contar historias y transmitir significados.

Siglo XVIII

Charles Batteux definió las bellas artes como aquellas que tienen un principio común: la imitación de la belleza natural, dando paso a nuevas formas de entender el arte. No juzgar una obra de arte por su contenido. El gusto como criterio que define qué se debe considerar arte. Ya no se pide verdad o un juicio moral, se valora al margen de criterios.

Siglo XX

Las obras de arte ya no tienen que ser bellas, no hay una definición universal. Anteriormente se valoraba la formación, títulos... a partir del s. XX la obra debe tener aceptación, crítica...

Posmodernidad: La Ausencia de Estilo

No existe un estilo específico del arte, ya que carece de características definidas.

Apropiacionismo

Práctica artística en la que un artista toma elementos del pasado y los reinterpreta en su propio trabajo. Implica una reinterpretación de la imagen o concepto original, ampliando el contexto cultural. Técnica que implica el uso de simulacros, presentación de lo real cuando no lo es, y puede ser usado como forma de crítica. Contribuye a romper con la distinción entre alta y baja cultura, permitiendo mayor libertad.

Crítica del Arte: Transgresión y Desafío

El arte contemporáneo se presenta de manera transgresora y desafiante, cuestionando las normas sociales, políticas y morales establecidas.

Tipos de Defensas en Obras Transgresoras

• Alejamiento: Busca remover conciencias y cuestionar las creencias y valores del espectador, alejándose de sus posiciones preestablecidas y llevándolo a reflexionar sobre su vida y sus convicciones.
• Defensa del canon o norma: Busca vincularse con obras artísticas anteriores, referenciando el pasado y convirtiéndolo en parte del canon artístico contemporáneo.
• Defensa del formalismo: Se argumenta que el arte debe centrarse únicamente en sus cualidades formales o artísticas, independientemente de su contenido religioso, moral o político.

Tipos de Transgresión Estética

• Violación de las reglas artísticas: Algunas obras violan las reglas establecidas del arte para cuestionar la noción misma de qué constituye el arte.
• Obras que violan tabúes: Estas obras buscan provocar rechazo o repugnancia al abordar temas tabú o utilizar materiales considerados desagradables o inapropiados.
• Obras que suponen una oposición política: Desafían las instituciones políticas o sociales, enfrentándose al estado o a otras autoridades para provocar reflexión y debate sobre temas políticos y sociales importantes.

Conceptos de la Imagen: Arte y Comercio

El arte y el comercio antes estaban separados; hoy en día artistas colaboran con marcas y las marcas se revisten con arte para ganar prestigio. → Capitalismo artístico, de Lipovetsky, donde se apela a la sensibilidad, a la experiencia. Aplicado a ámbitos de la vida cotidiana, el mundo del arte, las tecnologías… Mezcla el arte con la industria, queda lejos del servicio de grandes ideales, donde te hacía pensar o te llevaba a lo absoluto; el arte está vinculado con el consumo y experiencias de entretenimiento. Donde todo es buscado para un éxito comercial.

Características del Capitalismo Artístico

• Estetización de los bienes de consumo
• Generalización de la dimensión empresarial
• Hibridación del arte con marketing, estética e industria
• Generalización del diseño
• Multiplicación estética
• Aceleración de los cambios de estilo
• Multiplicación de las instituciones artísticas
• Aumento del precio del arte contemporáneo
• Hiperconsumo estetizado
• Abundancia de fotografía digital

Anamorfosis: Una mancha que condiciona totalmente la imagen, no se puede representar y condiciona la lectura del cuadro y su significado.