Grandes Figuras del Arte del Siglo XX: De Moore a Hitchcock

Henri Moore

Henri Moore buscó un lenguaje propio. Se unió a la corriente artística que se inspiraba en las formas primitivas. Las esculturas arcaicas tuvieron una gran influencia en el trabajo de Moore. En 1922 realizó Madre e hijo. Hacia 1930, influenciado por el movimiento modernista, realizaba bocetos y dibujos para cada escultura. Sus primeras esculturas presentaban vacíos convencionales, extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo. Después realizó figuras más abstractas, donde los agujeros penetraban el cuerpo. Tras la Segunda Guerra Mundial, sus esculturas de bronce se volvieron más grandes. Moore coleccionó objetos naturales. Sus temas principales fueron: figuras femeninas, grupos de madre e hijo y abstracciones de la figura humana. Es considerado un escultor biomórfico.

Antoine Pevsner

Antoine Pevsner fue un escultor ruso. Junto con su hermano Naum Gabo, tuvo una primera formación científica, lo que marcó su espíritu de investigación. Su arte se caracteriza por los materiales que usa. Rechazando los materiales comunes en la escultura tradicional, se dedicó al metal, al vidrio y al cemento, demostrando que estos materiales son susceptibles del más feliz aprovechamiento artístico. Al bronce le da un uso totalmente nuevo. La matemática domina esas construcciones. Obras como “Proyección en el Espacio” y “Superficie Desarrollable” reflejan sus preocupaciones de orden geométrico. La importante idea de la cuarta dimensión es un elemento constante en su obra. Replantea el problema de la relación del hombre con el espacio.

Naum Gabo

Naum Gabo fue un escultor estadounidense. Comenzó a crear bustos y cabezas cubistas. Entre 1919 y 1920 realizó la Construcción cinética, una varilla de metal que hacía vibrar mediante un motor eléctrico, con la que inauguraba la abstracción cinética. Su constante es la sugestión de transparencia y de energía activa. Es un ejemplo importante para el desarrollo del arte no-objetivo. Fue el primero en utilizar plásticos industriales en la escultura. En 1920 publicó el Manifiesto Realista, donde preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo. Sus obras, con partes dotadas de movimiento, se conocen como esculturas cinéticas. En Alemania hizo piezas caracterizadas por su calidad arquitectónica.

El Acorazado Potemkin de Serguéi Eisenstein

El Acorazado Potemkin (1925) es una obra maestra del cine de Serguéi Eisenstein. La película narra uno de los ocho episodios sobre la fallida revolución rusa de 1905. El rodaje duró más de una semana y durante el mismo se experimentó con objetivos, focos, plataformas, planos, etc. La película fue un éxito en el extranjero, aunque fue prohibida en algunos países. Algunos de sus rasgos más característicos son: la ausencia de protagonistas individuales, el uso de rótulos que exponen frases y mensajes, la inserción de metáforas visuales, la abundancia de planos detalle que dan verdadero valor simbólico a los objetos, la búsqueda de la unión entre fondo y forma, una fotografía muy variada, un montaje a base de fragmentos y el predominio de líneas de composición oblicuas y triangulares.

Suspense en Alfred Hitchcock

En una historia con suspense, el espectador tiene más información que los personajes. El objetivo es mantener la incertidumbre sobre si el criminal será atrapado antes de que se salga con la suya. El interés se mantiene con un ritmo más intenso. Una película suele durar 1.30 o 2 horas. Hitchcock en La soga, lo hizo a tiempo real, durando lo mismo que los acontecimientos que narra. En las películas del cine de crímenes, los primeros minutos muestran quién o quiénes cometen un crimen, pero los personajes ignoran este hecho durante toda la trama. El suspenso narrativo suele ir acompañado por la sorpresa narrativa. El narrador sabe algo que el espectador no sabe. En La soga nos sorprenderá saber quién descubre el crimen y cómo logró descubrirlo. Las películas de Alfred Hitchcock son un referente al estudiar el suspense narrativo y la sorpresa. La transferencia de culpa es otro recurso utilizado por Hitchcock: los personajes creen que alguien es culpable de un crimen, pero el espectador sabe que el verdadero culpable es otro. Es el caso de Psicosis o Saboteador.

Comedia amarga en Charles Chaplin

El gran dictador, de Charles Chaplin, es un proyecto artístico-político que parodia a los dictadores. Combina humor y sentimientos, y representa con una sonrisa argumentos terribles. Es uno de los grandes ejemplos de comedia, que hace paralelismos entre la imagen de Hitler y la que crea Chaplin con su personaje, Charlotte, a través del parecido físico. Chaplin sabe imitar idiomas dando un toque cómico a su obra. Conoce los discursos, los gestos y el entorno de Hitler, lo que le permite crear una imitación fiel del personaje. Ridiculiza los argumentos del nazismo. La decoración destaca por representar cómo era el despacho de Hitler. Es una crítica muy audaz.

Comedia sofisticada y ácida en Ernst Lubitsch

Ernst Lubitsch desarrolló su estilo de comedia sofisticada y ácida entre la alta sociedad. Su objetivo era la evasión. Sus comedias, con diálogos brillantes, situaciones equívocas y confusiones, son un ejemplo del estilo que Lubitsch desarrollaría a lo largo de su filmografía. La comedia se convierte en un arma magistral contra el apogeo nazi. Lubitsch es un hábil narrador de historias, un humorista sobre el amor y el sexo. Ser o no ser es una sátira en la que integra el drama de la invasión de Varsovia, una película de espionaje en la que se encuentran rasgos del estilo del director.