Géneros Dramáticos: Tragedia y Comedia en el Teatro Griego

Géneros Dramáticos

La Obra Teatral

La obra teatral es un proceso comunicativo que tiende a producir determinados efectos en el espectador. Lo hace por medio de las acciones, parlamentos, gestos y movimientos de los personajes que aparecen en escena. Se logra mediante distintos modos de desarrollar la acción dramática, de donde derivan los distintos géneros dramáticos.

Tragedia

Género dramático conectado con la parte trágica de la naturaleza humana, con las vivencias de dolor y sufrimiento. Su finalidad es conmover al espectador, poniéndolo en contacto con experiencias angustiantes. Los conflictos que aparecen en la tragedia se relacionan con las fuerzas que el ser humano no puede vencer: culpa, destino, etc. La lucha de los personajes contra esas fuerzas permite que el público viva en carne propia el sentido del sufrimiento.

Tragedias conocidas: Romeo y Julieta, Macbeth, Otelo de Shakespeare.

Comedia

Género dramático que cumple funciones opuestas a la tragedia. Su fin es provocar risa, divertir, sorprender con desenlaces felices y/o jugar con la imaginación por medio de trucos visuales que le permiten al espectador vivir en un universo mágico.

Comedias conocidas: La vida es sueño de Calderón y La importancia de llamarse Ernesto.

Orígenes de la Comedia

En sus comienzos, el teatro se redujo a la utilización de las posibilidades del movimiento y el ritmo corporal. Más tarde, estos ritos se asociaron a los ciclos de la naturaleza y fueron dejando su carácter primitivo. En Grecia, las fiestas en honor a Dionisos, dios del vino, la fertilidad y el éxtasis, se celebraban como propiciación para la primavera. En ellas, se evocaba la muerte del dios, todo esto era representado en los ditirambos, quienes utilizaban máscaras de sátiros o machos cabríos. Luego, derivaron hacia lo que sería la tragedia (canto del macho cabrío, ya sea que se recibiera ese animal como premio o se sacrificara en honor al dios). Ha sido definida por Aristóteles como la base de la dramaturgia occidental hasta el siglo XX.

La Tragedia según Aristóteles

La tragedia es la imitación de una acción elevada y completa, en un lenguaje matizado según las partes, efectuada por los personajes que actúan y no por medio de un relato, y que suscitando temor y piedad produce purgación de tales sentimientos.

Elementos Caracterizadores

• Pathos o pasión: el padecimiento del héroe.
• Hybris o desmesura/soberbia: el héroe cree poder desafiar los designios del destino.
• Hamartia o error trágico: produce la catástrofe o caída.

Estos hechos, unidos a la grandeza de los protagonistas, inducen en los espectadores un estado de conmoción, en el que se mezclan el terror y la compasión, y cuyo último efecto es la catarsis o purificación, al identificarse con el héroe.

Partes de la Tragedia

• Prólogo: los personajes dan comienzo a la acción.
• Párodo: primera entrada del coro, que se mueve en la orquesta.
• Episodios: partes de la acción dramática divididas por los estásimos.
• Estásimos: intervalos del coro que canta y comenta.
• Éxodo: parte final de la tragedia con su moraleja correspondiente.

Coro

Elemento fundamental de la tragedia. Es un grupo de bailarines, cantantes y recitadores que se mueven en forma colectiva, al compás de la música de flautas. Comentan y enjuician la acción, influyendo sobre el espectador con su punto de vista, que puede ser el del mismo autor, el del pueblo o un reflejo del orden superior de la polis (ciudad-estado).

Ámbito Escénico

Los teatros griegos se instalaban al aire libre, sobre una colina donde se encontraban las gradas en semicírculo. Éstas rodeaban la orquesta, donde se movía el coro, frente al altar de Dionisos. La escenografía consistía en un frente de palacio con una puerta central y dos laterales. Se utilizaban también algunos artificios mecánicos y un vestuario que incluía máscaras.

Grandes Trágicos

La tragedia griega es una genial creación debida al talento de los poetas de un pueblo que supo elegir la forma literaria más racional. Animada por el espíritu religioso que le dio origen, señala y encarna el triunfo del orden sobre el caos, el equilibrio entre los derechos del ciudadano libre, su igualdad ante la ley, etc.

Esquilo (525-456 a. C.)

Soldado que combatió en Maratón contra los persas, hecho que refleja en su tragedia de ese nombre, única que se conserva sobre un tema nacional contemporáneo. Dio al género su forma, reduciendo la importancia del coro a favor de la parte hablada. Componía en trilogías, de las que solo una ha llegado a nosotros: La Orestíada. Representa la inauguración del espíritu democrático de Atenas, que impone el concepto de una justicia misericordiosa.

Sófocles (495-406 a. C.)

Ocupó un puesto importante en la dignidad sacerdotal de su tiempo y llevó la tragedia a su punto culminante como pieza única y acabada. Abandonó el estilo elevado de Esquilo por un dominio consciente de su arte, donde armonizaba el fondo trágico del conflicto entre la libertad y el destino con gran belleza. Se conservan siete piezas de su producción, donde reflexiona sobre la realidad y la apariencia.

Eurípides (480-406 a. C.)

El más democrático y moderno de los trágicos. Es el típico poeta ilustrado, al margen de la vida pública y social, que centra su obra ya no en la dimensión trágico-heroica, sino en la modalidad de los sofistas. Su actitud crítica y escéptica no llegó a ser totalmente irreligiosa. Dedicó siempre sus tragedias a una visión puramente humana, afectada por las fuerzas naturales oscuras. Para Eurípides, la esencia de lo trágico se encuentra en el interior del hombre mismo, en la contradicción de sus pasiones y la presencia del destino sobrenatural.

Orígenes de la Comedia (Reiteración)

La palabra comedia deriva de "komos" (canto festivo y desaforado) que se asocia con ciertos ritos de fecundidad rastreados en pinturas del siglo VI a. C. Fue definida por Aristóteles como la "mimesis de acciones propias de hombres de índole inferior con defectos risibles". Supone un desenlace feliz y su finalidad consiste en hacer reír al espectador. Se caracteriza por la acumulación de peripecias: enredos, equívocos, cambios de ritmo, reiteraciones y elementos fantásticos. Asienta su efecto en las situaciones cómicas, en el lenguaje o en la exageración del personaje mismo.

Organización del Texto Dramático

La progresión de la acción y del tiempo en la obra se manifiesta tradicionalmente mediante la organización del texto en actos, escenas y cuadros. Cada acto es una unidad informativa para la construcción de la historia. A la vez, el hecho teatral y el desarrollo de la intriga necesitan estos elementos:

• Sujeto: realiza las acciones, lucha, especula, teje alianzas, se enamora, etc. Para llevar adelante el hecho teatral es necesaria la presencia de uno o más sujetos.
• Conflicto: choque de fuerzas antagónicas que genera y desencadena la acción. Enfrenta a dos o más personajes, actitudes o concepciones del mundo. Puede asumir diferentes formas: rivalidad por razones económicas, amorosas, políticas, etc.; conflicto entre dos concepciones del mundo; lucha interna del personaje entre la razón y la pasión, el deber y los sentimientos; intereses enfrentados entre el individuo y la sociedad; y debate moral o metafísico del personaje contra un principio.
• Acción: elemento transformador que permite el pasaje de una situación a otra. Está asociada a los movimientos visibles en el escenario, pero también a las modificaciones que operan en el interior de los personajes.
• Entorno: toda acción dramática se lleva a cabo en un tiempo y un espacio determinados, un "aquí y ahora".
• Historia: elemento básico que permite el desarrollo de la estructura dramática. Está constituido por el entramado de acciones que parten del conflicto central: intrigas, avances y retrocesos.
• Circunstancias dadas: aquellas que atañen al/los personajes, tanto principales como secundarios. Es la historia previa de cada personaje antes de comenzar una escena u obra.

Teatro y sus Códigos

Código Lingüístico

En la puesta en escena, los parlamentos de los personajes se expresan a través de la voz de los actores. En este proceso, los elementos paralingüísticos, como la entonación, etc., agregan nuevos sentidos a las palabras.

Código No Lingüístico

Signos visuales, auditivos, musicales y espaciales se complementan con los anteriores. La selección de un vestuario adecuado, los movimientos en la escena, los gestos y los sonidos acompañan la representación. Por lo tanto, el texto dicho (las expresiones lingüísticas impresas) y el espectáculo (lo puesto en escena del texto) se resignifican entrelazándose con otros códigos.

Público y Representación

La relación entre el espectador y la representación ha ido cambiando a lo largo de la historia. Cuando vemos una película, nos dejamos llevar por el relato y, mientras dura la función, aceptamos lo que vemos como si fuera "real". En los orígenes, el público era consciente de que estaba presenciando una obra teatral: los actores se dirigían al público en forma directa y mencionaban en escena elementos propios de la representación. Las vanguardias teatrales retoman estos elementos originales y juegan con el distanciamiento del espectador respecto de lo que se representa.

Recursos del Teatro (Función: Recordar al Espectador que Presencia una Obra Teatral)

• Prólogo: en el teatro antiguo, un personaje llamado prólogo cumplía la función de poner al auditorio al tanto de lo que iba a ver, anticipando detalles de la obra, rasgos de sus personajes o bien algunos elementos de la trama necesarios para comprender el desarrollo de la acción.
• Monólogo: parlamentos que el personaje pronuncia cuando está solo en escena. Este artificio, aceptado como tal por el espectador, tiene la única función de que éste conozca qué piensa en ese momento el personaje.
• Apelaciones directas al espectador: recurso fundamental en el teatro antiguo, relacionado con el origen ritual, mágico y popular del teatro.
• La cuarta pared: durante el siglo XIX, se comienza a pensar el teatro como imitación de la realidad. Se crea la escena como espacio de ilusión dramática en el que el espectador no tiene participación alguna, es mero observador, y caen en desuso los recursos anteriores. Se habla de "cuarta pared" ya que separa a los actores del público.

Creación Colectiva

El proceso de creación colectiva tiene varias etapas: la investigación y elaboración del texto, la división del texto con su respectivo análisis crítico, la actuación, el montaje y la presentación ante el público (que incluye la síntesis dialéctica del espectador).

La Investigación y Elaboración del Texto

Esta primera fase consiste en el trabajo de mesa: la selección de un tema determinado. Luego, los actores aportan material que corresponda a los objetivos estéticos, sociopolíticos, etc., de la obra en proceso de gestación. Al tiempo, se hacen las improvisaciones y las alternativas van generando imágenes que se traducen en un primer texto.

La División del Texto

Una vez obtenido el texto (aunque sea provisional), se pasa al análisis del mismo usando categorías establecidas en el "esquema general".

Actuación

A través de la actuación, el actor recupera sus derechos de creación, de intervenir en todos los aspectos de la escritura del espectáculo durante el proceso de montaje.

El Montaje

Se conforma en tres pasos:

1. Ajustar las alternativas propuestas.
2. Definir a los personajes en función de sus relaciones.
3. Conformar los diferentes códigos: el sonoro, el gestual, etc.

La Presentación ante el Público

Se lleva a cabo la puesta en escena del espectáculo en su totalidad.