Formas y Estilos Musicales: Un Recorrido por la Historia de la Música

Antífona

Frase corta vocal silábica intercalada antes y después de los versos de un himno o un salmo. En la interpretación de los salmos cantados se aplicaba la estructura antifonal propia con una entonación melódica, un tenor (nota repetida sobre la que se recita) y una cláusula (cadencia que cierra la frase o un inciso de la misma).

Aria da capo

Es una pieza musical que forma parte de una ópera o zarzuela, en ella, él o la solista cantante es acompañado por la orquesta. La acción de la obra se detiene, pues en este tipo de piezas, el personaje expresa sus sentimientos. Durante la época barroca, se conocía como "aria da capo" por su forma ternaria A B A', con el paso del tiempo, se liberó de esta forma.

Diferencias

Forma instrumental practicada en España durante el Renacimiento por los músicos de la escuela española. No son otra cosa que variaciones sobre una melodía dada. La primera de la que se tiene noticia fue de una canción castellana del XVI, Dezilde al caballero, sobre la cual compuso Cristóbal de Morales una Misa a cuatro voces, y Gombert un villancico a cinco. A. de Cabezón también crea sobre ella una serie de diferencias, variando el acompañamiento del tiple primero, luego pasando la melodía al tenor, luego enmudeciendo el bajo, etc. A estos divertimentos llamó Cabezón Diferencias sobre el Canto del Caballero. La diferencia admite variación rítmica, armónica, quitando o añadiendo voces, etc., lo cual en algunos casos hace irreconocible el original en que se basa. Parece que si no fue Cabezón el inventor de las diferencias, como a menudo se ha dicho, sí que fue en suelo español donde encontraron su origen, muy presumiblemente de manos de un músico de vihuela, exportándose luego con enorme éxito a otros países de Europa, sobre todo Inglaterra.

Estudio

Un estudio musical es una breve composición hecha para practicar una destreza técnica particular en la ejecución de un instrumento solista (piano, violín, guitarra...). Compuestos desde el siglo XVIII, sobre todo por Carl Czerny, fue Chopin quien transformó el estudio en un género musical. Los estudios que son más ampliamente admirados son aquellos que trascienden su función práctica y son apreciados simplemente por su música, ejecutándose en concierto. Los estudios de Liszt son excepcionalmente dificultosos pero poseen una belleza musical y lírica destacable.

Estilo concertato

El estilo concertante (del latín concertare, luchar) es la utilización de varias voces que se hacen oír simultáneamente sin perder su personalidad en oposición a la polifonía renacentista donde las voces forman un todo homogéneo. El estilo concertante da primacía a la voz superior encargada de traducir musicalmente el texto poético. En el caso de la música instrumental, el compositor destacaba en un primer plano a una o varias partes solistas sostenidas en un segundo plano por un acompañamiento, un bajo continuo que solía consistir en un clavecín con acordes cifrados.

Leitmotiv

Melodía o secuencia tonal corta y característica, recurrente a lo largo de una obra, sea cantada (como en la ópera) o instrumental (como en una sinfonía). Se la identifica con un determinado contenido poético y hace referencia a él cada vez que aparece. Así, una determinada melodía puede simbolizar a un personaje, objeto, idea o sentimiento. Wagner lo utilizaría como procedimiento casi exclusivo en sus óperas, preparando al público y anticipando la aparición de un determinado personaje, objeto simbólico, sentimiento…

Lied

Forma musical que en alemán significa canción. Su plural es lieder. En la historia de la música, este término se refiere a una composición, escrita para una cantante con acompañamiento de piano con corte lírico y estilo refinado cuyo distintivo principal es la compenetración de poesía y música. Esta composición floreció en el Romanticismo, siendo Schubert su mayor representante. Con Schubert, el lied fue liberado de todas las convenciones del aria de la ópera, reduciéndose éste al núcleo de la forma (el poema, la melodía y la ilustración del piano). Solían presentarse en ciclos de carácter y temática similares: El viaje de invierno de Schubert.

Preludio

Se trata de una composición instrumental breve, es de gran libertad formal y suele servir de introducción a otra normalmente más compleja. En su origen consistía en una improvisación de los músicos para comprobar la afinación de los instrumentos. Ya en el siglo XV-XVII, se componen sin estar ligados a otra obra. En el siglo XVIII se asocia a la fuga con Bach y en el siglo XIX, durante el Romanticismo, se independiza como forma para piano donde destacan los preludios de Chopin.

Pasión

Oratorio basado en el tema de la muerte de Cristo. A partir del siglo XII el narrador lo desempeña un registro medio, Cristo un registro grave y el pueblo agudo. Su origen se remonta a la tradición de la Iglesia a declamar los textos evangélicos. En el Barroco será una forma esencialmente germánica donde prevalece la pasión coral con recitativos para el narrador, y arias, coros y orquesta. La pasión llega a su cumbre con J.S. Bach.

Polifonía

Textura que resulta de la superposición de dos o más voces que suenan al mismo tiempo, ya sean interpretadas por voces humanas, instrumentos o por ambos. Según cómo se organicen, existen diversos tipos de textura polifónica:

• Homofonía: aquella que resulta de la superposición de dos o más voces con idéntico diseño rítmico pero distintas melodías. Es decir, que está compuesta como por bloques sonoros (acordes), que se suceden uno detrás de otro.
• Contrapuntística: consiste en la superposición de dos o más voces totalmente diferentes, es decir, cada una con su propio diseño rítmico y melódico, aunque guardando relación con las demás.
• Contrapunto imitativo: es un tipo especial de polifonía contrapuntística, en la que las voces se van imitando unas a otras. La melodía de una voz presenta un fragmento de un tema, que es inmediatamente imitado por otra, de modo que el mismo fragmento o motivo se escucha, por ejemplo, cantado.

Poema Sinfónico

Es un tipo de composición orquestal de forma libre, donde se desarrolla un tema poético, dramático, descriptivo, programático, etc. Se puede considerar a las oberturas de concierto de Berlioz y Mendelssohn como los antecedentes directos de los poemas sinfónicos. Ejemplos los contemplamos en obras como Mi patria de Smetana. Aunque el poema sinfónico esté programado para describir ciertas situaciones poéticas y dramáticas, esto no quiere decir que su estructura sea totalmente libre. Hay innumerables ejemplos de poemas sinfónicos compuestos bajo la forma rondó, y muchos de ellos bajo el nombre de sinfonía. En todo caso, el compositor estructura la forma del poema sinfónico de la mejor manera para expresar su contenido sentimental.

Recitativo

Del italiano recitare, recitar. Se trata de un número o parte de la ópera en el que por su ritmo e inflexiones más que cantar se recita la acción, no se basa por tanto en la emoción como el aria. Sirve para que el público comprenda el argumento de la obra. Puesto que lo que se pretende es describir lo que está pasando, carece de riqueza instrumental. Inicialmente era acompañado por un laúd, posteriormente por un clavicémbalo y, ya en la época barroca, se añade al clavicémbalo un violonchelo. Podía ser recitativo seco: apoyado por algunos acordes del clave, ó recitativo acompañado por sección de orquesta cumpliendo una función dramática e indicando los cambios de estado de ánimo de los personajes. Éstos últimos son debidos a Gluck, a mediados del siglo XVIII conocido como reformador de la ópera seria.

Rondó

Forma musical que aparece en el siglo XV y que se caracteriza por presentar el tema principal al principio de la obra y éste se irá intercalando entre material nuevo: ABACADA...

Suite

La suite es una de las formas profanas más importante del Barroco. En esencia, es un conjunto de danzas de número variable, cuyo nexo de unión era la tonalidad, que era la misma en todas las danzas. Las danzas contrastaban en tempo (a una rápida le seguía una lenta) y en ritmo (a una danza binaria le seguía otra ternaria). Había cuatro danzas básicas, y luego se le podían añadir más. Las danzas básicas son: Allemande (danza de origen alemán y ritmo tranquilo, anacrúsica y femenina, compás binario), Courante (danza de origen francés y ritmo vivo, anacrúsica y masculina, compás ternario), Zarabanda (danza lenta y acompasada de origen español, que se utilizaba para acompañar cortejos fúnebres, tética, femenina o masculina, y compás ternario) y Giga (danza de origen inglés, ritmo vivo y binaria de subdivisión ternaria aunque en ocasiones hay Gigas ternarias).

Sonata

Forma musical en varios movimientos que surgió a mediados del siglo XVI, derivada de la canzona do sonar y se desarrollará durante el Barroco y el Clasicismo. Las sonatas son virtuosísticas y serias. Se distinguen dos modalidades de sonata barroca: sonata da camera, destinada al concierto y la sonata da chiesa, reservada para la iglesia (de 3 a 5 movimientos con tempo contrastante). Desde el punto de vista de su instrumentación todas las sonatas pertenecen al tipo de sonata en trío, concebida para dos partes solistas o principales sostenidas por un bajo continuo. Fue durante el periodo clásico cuando, con Haydn, Mozart y Beethoven, la sonata adquirió toda su personalidad, siendo la estructura base de la sinfonía y también del concierto. La sonata como forma se estructurará en 4 movimientos que contrastan en tempo. De ellos el 1º se estructura en forma sonata constituyendo todo un movimiento de tensión que se opera del paso de la tónica a la dominante expuesto en dos temas afirmada; esta tensión se amplía a través del desarrollo y se resuelve en la reexposición (ABA).

Sinfonía

Forma musical, nacida como tal en el Clasicismo, con Haydn. Antes del Clasicismo, también se empleaba el nombre de sinfonía, pero no con el mismo significado que ahora. Una sinfonía es una obra compuesta para una orquesta sinfónica, dividida en 3 o 4 movimientos, de los cuales el primero tiene forma sonata (Exposición- desarrollo- reexposición). Se puede decir que una sinfonía es una sonata pero para una orquesta. Como hemos dicho, fue Haydn quien consagró el nombre de sinfonía. También se puede destacar, que no es igual una sinfonía de Haydn, que una de Mahler. Las de Haydn, se pueden interpretar con unas docenas de músicos, mientras que las de Mahler, hace falta una gran orquesta para poder interpretarlas. A destacar también las 9 sinfonías de Beethoven con la sustitución del clásico minueto por un scherzo.

Tema y variaciones

Forma musical en donde una melodía, por lo general armonizada, que aparece en primer lugar, es seguida luego por distintas repeticiones variadas de la misma. El principio general es la variación de algún rasgo (melodía, ritmo, armonía) del tema armonizado que conservando su identidad en grado suficiente preserva una relación con la melodía original, incluido el número de compases. Hasta la época de Beethoven también se mantenía la misma clave o su escala mayor o menor paralela. Dentro de una sonata, sinfonía o cuarteto puede aparecer como forma de los segundos movimientos:

1. Adornando la melodía del tema mediante el agregado de notas o el cambio de sus rasgos rítmicos, manteniendo sin embargo, bastante del contorno como para conservar la identidad con el original. Cuando varía la melodía, la armonía suele conservarse fundamentalmente intacta, no hay regla que lo establezca. Ejemplo de Mozart, Sonata en La mayor.
2. La melodía puede verse sujeta al tratamiento contrapuntístico. Beethoven empleó una fuga en una de las variaciones del último movimiento de la Sinfonía Heroica.
3. El acompañamiento puede cambiar tanto rítmica como armónicamente, como en la variación VI del movimiento anterior.
4. A veces se da una variación un carácter específico, por ejemplo, el de una danza. Se llama variación de carácter (Variaciones Goldberg de Bach).

Vals

Es un elegante baile de salón. Originario de Austria (siglo XII) era una danza lenta campesina en que los bailarines giraban constantemente. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet, empieza a ser considerado como un baile de salón. De ritmo vivo y rápido, su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte, donde los bailarines en pareja se desplazan y en los pulsos débiles giran sobre sí mismos. Chopin aportó una cantidad de excelentes vals para piano, (Vals del minuto). También destacan los vals de los Strauss (El Murciélago, El Danubio Azul…) Tchaikovski aporta preciosos vals en El Cascanueces o en El Lago de los cisnes…

Ópera

Género de música teatral o escénica que nació por primera vez en Italia a principios del siglo XVII. Su origen se encuentra en la camerata fiorentina, que eran unas reuniones de artistas, en su mayoría poetas y músicos, donde ponían en práctica los ideales de la tragedia griega. Las representaciones comenzaron en los espectáculos aristocráticos, con un lenguaje siempre culto y muy cuidado, muy pronto se extendió a toda la sociedad. En el siglo XVIII aparecen dos estilos de ópera, la ópera seria que se caracterizó por su estructura en actos y presentar distintas partes, obertura, recitativos y arias. El otro estilo es la ópera bufa, nacida en Nápoles, se diferencia en que esta contiene un argumento cómico. Algunas de las óperas más características son: "Orfeo" de Monteverdi, del Barroco, "La Flauta Mágica" de Mozart del Clasicismo y "Rigoleto" de Verdi en el Romanticismo.

Obertura

En términos generales, una obertura es cualquier pieza instrumental que introduce una obra (suite, ópera, etc.). Normalmente, en sus inicios, la obertura no tenía una estructura fija. Luego, encontramos dos modelos básicos: la obertura francesa (lento-rápido-lento) y la obertura italiana (rápido-lento-rápido). En el Clasicismo la obertura adopta a veces el esquema forma de sonata y, a partir de ahí, sufre avatares muy parecidos a los de la sinfonía, ya que incluso adopta el discurso programático en la obertura-concierto de Mendelssohn.

Oratorio

Se trata de una obra de grandes dimensiones, dividida en varios actos para coro, orquesta y solistas, en la cual no hay representación escénica, y se basa en un texto religioso de la iglesia católica, generalmente de la Biblia. Existen varios personajes y un narrador o evangelista en el caso de las Pasiones. Los oratorios más importantes y famosos son: El Mesías de Haendel y La Pasión según San Mateo de Bach.

Organum

Es la forma musical vocal occidental más antigua de romper con la monodia, perteneciente a los siglos XI-XII y alcanza su plenitud en la escuela de Notre Dame con Leonin y Perotin. Esta forma primitiva de polifonía pertenece al ars antiqua y consiste en superponer a una melodía gregoriana, llamada cantus firmus, una o más voces simultáneas y paralelas, separadas por distancias interválicas de cuartas o quintas, nota contra nota, (punctum contra punctum, de ahí el término de contrapunto). Esta forma finalmente se verá eclipsada por el motete.

Motete

Es una composición polifónica nacida en el siglo XIII. El motete es una de las formas musicales más importantes de la música polifónica desde el siglo XIII hasta el XVIII para cantar en la iglesia, de texto comúnmente bíblico. Era una la voz que realizaba un contrapunto florido de ritmo libre sobre el esquema rítmico del cantus firmus. Una de las formas polifónicas surgidas en la Edad Media. Su nombre viene del término francés MOT, que significa palabra. Y es que el origen de esta forma está en la práctica de añadir un texto (en francés y generalmente de carácter no religioso) como ayuda para recordar los largos melismas en las voces de algunas formas de polifonía primitiva, como el organum. A partir del Renacimiento, motete viene a significar simplemente canto polifónico con texto generalmente en latín sobre cualquier tema aunque normalmente será religioso. Destacan los motetes de Palestrina.

Madrigal

Forma musical más importante de la polifonía profana nacida en el Renacimiento. Es una composición de tres a seis voces sobre un texto profano generalmente culto. Los principales madrigales serán los italianos, poéticos, con uso de madrigalismos, enarmonías... Un compositor importante de madrigales italianos, es Claudio Monteverdi, que marca el paso de la polifonía al madrigalismo. Los madrigales ingleses presentan un carácter más rítmico, menos cromático, vertical, con texto menos artificioso y refinado que el italiano. Destaca Thomas Morley.

Melisma

Un melisma es un grupo de notas cantadas sobre una misma sílaba. Tradicionalmente, se aplicaba el término especialmente para el canto gregoriano, ya que incluso designaba un estilo dentro de ese género: el estilo "melismático", que se oponía al más sobrio estilo "silábico" (una nota por sílaba). Modernamente, se habla de melismas dentro de cualquier estilo: ópera, pop, flamenco...

Minué - Minuet

Es una forma musical y danza de origen francés, de movimiento moderado y en compás 3/4. Fue muy conocida en la corte de Luis XIV y se convirtió en la danza más popular de la historia. Lully introduce el minuet en la música instrumental, y Bach lo incorpora en la suite. Se puede decir que es un minuet ternario. Puede tener la siguiente estructura:

• a- Minuet I sin minuet II
• b- Minuet II con minuet II (doble) sin da capo
• c- Minuet III (Minuet II) y minuet da capo

La sonata acoge al minuet, instaurándolo como tercer movimiento. El minuet del movimiento es moderado. Se acentuó la aceleración de su tiempo llegando a generar otra forma musical muy similar al scherzo.

Fuga

Composición musical en estilo contrapuntístico, en un solo movimiento que consiste en la reaparición constante de un tema o motivo principal (sujeto y respuestas) por las diferentes voces de que consta la obra. La fuga se compone de varios elementos:

• Sujeto: es el motivo principal y que se repite en varias tonalidades durante la obra.
• Respuesta: es el sujeto a un cierto intervalo (generalmente en la dominante del sujeto). La respuesta entra a continuación del sujeto.
• Contrasujetos: Son melodías que acompañan tanto al sujeto como a la respuesta.
• Divertimentos o Episodios: Son fragmentos libres en los cuales no hay entradas ni de sujeto ni de respuesta.
• Estrechos: Ocurren cuando se estrechan las entradas del sujeto y de la respuesta, haciendo entrar la respuesta antes de que haya acabado el sujeto.
• Nota Pedal: Es una nota prolongada en el bajo (generalmente la tónica, la dominante o ambas), sobre la cual se hacen todo tipo de imitaciones y contrapuntos.

J.S. Bach fue el compositor que llevó la fuga a su máximo exponente con su Clave Bien Temperado y su Arte de la Fuga.

Gymel

En la música polifónica inglesa de la época medieval y los inicios del Renacimiento, gymel (también llamado gimel o gemell) es la técnica polifónica en la que una voz (generalmente la voz superior) se divide temporalmente en dos partes de igual gama, normalmente la tercera inferior o superior, pero cantando música diferente. A menudo las dos cantan un pasaje de polifonía intrincada, comenzando y terminando en unísono y a menudo, pero no siempre, las otras voces abandonan temporalmente el canto. El empleo más temprano del gymel parece haber sido hacia mediados del siglo XIV.

Heterofonía

Textura musical, que realiza variaciones instrumentales de una misma línea melódica, es decir, una ejecución simultánea de diferentes versiones de una misma melodía.

Contrapunto imitativo

Es un tipo especial de polifonía contrapuntística, en la que las voces se van imitando unas a otras. La melodía de una voz presenta un fragmento de un tema, que es inmediatamente imitado por otra, de modo que el mismo fragmento o motivo se escucha, por ejemplo, cantado.

Concierto grosso

Concierto (del latín concertare, luchar) forma instrumental barroca (siglos XVII-XVIII). En el concierto grosso se oponen dos grupos instrumentales: el ripieno o tutti, grupo orquestal mayoritario y el concertino o grupo de solistas formado muchas veces por un trío de cuerdas. Presenta tres movimientos: rápido-lento-rápido. Corelli, Torelli y J.S. Bach (Conciertos de Brandemburgo) destacarán en esta forma musical.

Concierto solista

Una de las formas musicales más importantes surgidas en el Barroco, consiste en una pieza en varios movimientos en la que el solista dialoga con el tutti orquestal es la forma de la manifestación más importante del estilo concertado que es consecuencia del principio estético del Barroco la ley del cantante. Será Vivaldi quien imponga este estilo se trata de un concierto de 3 movimientos y la autonomía del solista en el Clasicismo adopta la forma sonata para solista y orquesta y desarrollan el virtuosismo.

Coral

Forma musical religiosa de la iglesia protestante, siglo XVI. Con una melodía principal, sencilla y silábica en un principio cantada por el pueblo. Las frases son cortas con reposos en calderones, la forma suele ser AAB y texto alemán para que el pueblo participe. Posteriormente se armonizó por un coro. El propio Lutero, músico, compuso unos 40 corales. Pero su apogeo llegará en el Barroco con J. S. Bach donde alcanza la perfección y equilibrio polifónico.

Canon

El canon es una forma de composición musical de carácter polifónico basada en la imitación estricta entre dos o más voces separadas por un intervalo temporal. La primera voz interpreta una melodía y es seguida a distancia de ciertos compases por sucesivas voces que la repiten. El canon aportó un gran beneficio al estudio del contrapunto y en consecuencia al desarrollo de las distintas formas musicales. Un compositor importante de canon fue: Johann Pachelbel.

Cuarteto

Es una formación camerística construida por cuatro instrumentos, habitualmente se refiere a la cuerda (formada por dos violines, viola y violonchelo). Es la agrupación de cámara más importante de la historia de la música, aunque tiene interesantes antecedentes barrocos. Es una forma esencialmente clásica que solía tener cuatro movimientos: uno rápido inicial con esquema y forma sonata, un segundo lento o andante, un tercero que es un minueto y el cuarto movimiento que es un final rápido. Destacan los cuartetos de Haydn que fijaría esta forma definitivamente.

Cantiga

Nombre que recibió en nuestro territorio la canción (ya fuese religiosa o profana) en los siglos XII y XIII; dio lugar a diferentes variedades. Del cancionero galaico-portugués sólo se conservan algunas cantigas de amigo del trovador Martín Codax. También se conservan las Cantigas de Santa María, que fueron recopiladas por Alfonso X el Sabio, en las cuales se intercalan (cada diez cantigas) las Cantigas de Loores o alabanza a la Virgen. Estas están compuestas en lengua gallega culta. Tienen una procedencia y unos instrumentos muy variados.

Cadencia

Serie de acordes o fórmula melódica que indica el fin de una sección en una obra. Una cadencia es una función armónica y formal caracterizada por una progresión (o encadenamiento) de acordes que suele desembocar en el acorde de tónica. Las diferentes cadencias se clasifican, en función de la tensión que acompaña a cada movimiento, en conclusivas, si generan cierto grado de estabilidad o reposo, y suspensivas, si generan inestabilidad o tensión.

• Conclusivas:
  • C. perfecta: V-I
  • C. plagal: IV-I
• Suspensivas:
  • C. imperfecta: V-I (con uno o los dos acordes invertidos)
  • C. rota: V-VI
  • Semicadencia a la dominante: I-V, II-V
  • Semicadencia a la subdominante: I-IV

También puede significar: parte de un concierto, normalmente al fin del primer movimiento donde el instrumento solista puede enseñar su virtuosismo. (En el siglo XVIII, cuando los compositores tocaban sus propias obras, se improvisaba esta sección, a partir del siglo XIX, se escribe completamente).

Bajo continuo

Sistema de acompañamiento a base de acordes típico del Barroco. Los compositores solían escribir unas cifras sobre las notas de la línea del bajo indicando con ellas a los intérpretes los acordes sobre los que debían improvisar. Puede desarrollarse con cualquiera de los instrumentos polifónicos de la época. Los más frecuentes eran el clavecín, el órgano, el laúd y el arpa. Está presente tanto en las obras de cámara como en las orquestales (una suite orquestal o un concierto para violín, cuerda y B.C., por ejemplo).

Bajo Alberti

El bajo Alberti es un tipo particular de acompañamiento en música, frecuentemente usado en el Clasicismo. Fue llamado así debido a Doménico Alberti, quien lo usó extensivamente, si bien no fue el primero que lo hizo. El bajo Alberti es un tipo de acompañamiento con un acorde quebrado o arpegiado, donde las notas del acorde se suceden en el orden grave-agudo-medio-agudo; luego se repite el mismo patrón: do-sol-mi-sol. El bajo Alberti se encuentra con frecuencia en las partes para la mano izquierda en la música para instrumentos de teclado, en especial en las obras pianísticas de Mozart. Sin embargo, a veces se encuentra en obras para otros instrumentos. Por ejemplo Béla Bartók la usó hacia el final de su Cuarteto de cuerdas nº 5. Un ejemplo muy conocido del bajo Alberti se encuentra en el inicio de la Sonata para piano K. 545 de Mozart (Sonata fácil).

Bel canto

Término operístico usado para denominar a un estilo vocal, entre cuyas características destacan el uso de legato, el desarrollo de elementos virtuosísticos (trino, escalas rápidas, coloraturas...), capacidad de improvisación y de adornar las repeticiones de la melodía. Surgió en Italia, durante el Barroco. Su apogeo se extiende desde 1680 a 1830 aproximadamente. Este estilo decayó con autores como Verdi, Wagner o Puccini (verista), que daban privilegio a cantantes que supieran declamar más que cantar.