Explorando el Romanticismo Musical: Compositores, Temas e Innovaciones

El Romanticismo Musical

Periodos de la música romántica y principales compositores

• Primer Romanticismo: Beethoven, Schubert y Rossini
• Romanticismo Pleno: Chopin, Liszt, Schumann, Berlioz, Mendelssohn, Bellini, Verdi, Wagner
• Romanticismo Tardío: Brahms, Saint-Saëns
• Postromanticismo: Richard Strauss, Mahler, Puccini

Temas de Inspiración Románticos

Los músicos del siglo XIX compartieron con sus colegas literatos y pintores muchos temas, como el simbolismo encontrado en la naturaleza, la atención dada a la infancia, el gusto por lo diferente y exótico o la pasión por el pasado. Estos temas se reflejaron de diversas maneras en la producción musical occidental a lo largo del siglo. Entre todos ellos, destacaremos tres temas que permanecieron a lo largo de sucesivas generaciones de compositores: el folklore, el paisaje y la historia.

La invención del folclore

Diversos poetas y pensadores alemanes de esta época miraron al pueblo y a la cultura popular. Pensaron que en esta cultura no contaminada por la civilización urbana se escondía una gran sabiduría y conocimiento. Estas ideas tuvieron su eco entre los compositores produciéndose multitud de recopilaciones de canciones populares, las cuales dieron como resultado la armonización de muchas de ellas por compositores.

La historia como tema musical

El culto por la literatura del pasado - por ejemplo de Dante, Shakespeare, Calderón de la Barca y Cervantes - tuvo su paralelo en el ámbito de la música. La musicología, entonces en sus inicios, contribuyó al conocimiento de los compositores del pasado. Una de las corrientes que tuvieron más éxito dentro del uso de la historia como materia para la ficción artística es el medievalismo. Hubo una apropiación de la imaginación medieval - poblada de criaturas fantásticas y sobrenaturales habitando espacios plenos de simbolismo - en obras artísticas contemporáneas.

La naturaleza

Los creadores del Romanticismo fueron personas con una alta sensibilidad que reconocían el valor supremo de la Naturaleza, manifiesto en su majestuosidad, belleza, fuerza y misterio; reconociéndola como la fuente de toda creatividad y conexión con lo eterno. Los románticos exaltan el paisaje, la introspección, las sensaciones, la reflexión. En sí, todas esas cualidades que nos hacen humanos. El Romanticismo está evidentemente ligado a la nostalgia, la rebeldía, la inconformidad, la crítica y el sentimiento de incomprensión de quienes se muestran más sensibles hacia la belleza y la sabiduría, rehuyendo de la ajetreada vida urbano-industrial. Sentimientos identificados como una reacción burguesa ante una visión materialista del mundo.

Lenguaje Musical Romántico

La armonía es muy rica y expresiva y sus formas amplias. Llegó a enriquecerse mucho más gracias al uso más libre de la disonancia y a la incorporación de notas cromáticas. Comenzaron a usarse acordes de novena, onceava o treceava y era una armonía más compleja. Cada vez se fueron usando combinaciones armónicas más libremente y uno de los acordes más importantes era el de séptima disminuida, un acorde cromático que facilitaba mucho la modulación y provocaba una sensación de ambigüedad tonal. El mejor ejemplo de esta libertad es el acorde de Tristán.

Los compositores románticos utilizaron la melodía para expresarse de una forma muy precisa y exhaustiva. Todo esto hizo que el estilo clásico fuese abandonado poco a poco y que se creasen temas a partir de células motívicas. La melodía siempre se asociaba y estaba basada en las ideas poéticas de la época.

La música instrumental empieza a ganar más importancia y aparece la música programática para conseguir encontrar la unidad. Se tiende a unificar las formas en un todo mayor típico del Romanticismo y la idea de movimiento se introduce en la música instrumental con el paso de modo mayor a modo menor, reflejando una metáfora del paisaje como la oscuridad y la luz.

Existe una mayor variedad y contraste de melodías, ritmos o dinámicas y el timbre comienza a usarse únicamente con una función expresiva. El piano intenta esconder su carácter mecánico, procurando un tipo de interpretación próxima al canto y explorando su rica paleta tímbrica.

Las texturas musicales son más densas y pesadas, explorándose un registro más amplio que en épocas anteriores en cuanto a alturas, dinámicas y timbres. Se suelen dar contrastes muy dinámicos y dramáticos y a menudo está dominada por la sección de viento metal.

Las indicaciones dinámicas son muy variadas y complejas debido a la gran cantidad de músicos que había en las orquestas. Se podían usar indicaciones desde fuertes, pianos, decrescendo...

Es un carácter emocional que abrió la puerta al progresivo abandono de la periodicidad regular del estilo clásico, se añadían instrumentos y a veces este derivaba del folclore y las melodías populares. Se buscaba lo exótico y lo que expresaba sensaciones y sentimientos a la perfección, que las obras fuesen lo más originales posibles.

Su forma se vio afectada por el estudio de la música tradicional y de la música antigua con intereses de imitación de obras populares. Las técnicas que se utilizaban eran de armonía modal y revivieron las técnicas contrapuntísticas del Barroco.

Música Sinfónica Romántica

La música programática es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. (Ejemplo: Una noche en el Monte Pelado)

Tipos de Música Sinfónica Programática

• Sinfonía Programática: Es una sinfonía que mantiene todavía las bases de la estructura de la sinfonía, con sus movimientos, pero basada en algún tema programático, de manera que suele usar temas recurrentes, que evocan ideas, imágenes o escenas. El compositor con el que surgió este nuevo tipo de Sinfonía fue Héctor Berlioz.
• Poema Sinfónico: Es una obra orquestal de origen extramusical, basado en poemas, cuadros, escenas, etc, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena reflejada en el título. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El primero en utilizar el término fue el compositor Franz Liszt, con sus trece Poemas Sinfónicos. Ejemplo: Poema Sinfónico Orfeo.

Desarrollo de la Orquesta

Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal, que mejoraron su flexibilidad, especialmente en el registro agudo, cobrando un nuevo protagonismo: El trombón se establece como integrante de la orquesta. También se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el arpa, así como el píccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta...

Música de Cámara en el Romanticismo

El piano fue el instrumento romántico por excelencia. Provisto de martillos recubiertos de fieltro y fortalecido por placas y abrazaderas de metal, era capaz de producir un sonido pleno y firme a cualquier escala dinámica. Surgieron diversas e importantes escuelas de ejecución y composición: la escuela de Clementi se caracteriza por la elegancia, la luminosidad y el sentimiento. Hummel opta por el legato y la agilidad en los arpegios. La obra pianística de los grandes compositores del Romanticismo estará más o menos influida por estas características en sus obras. En Chopin destaca, por ejemplo, el rubato evidente en sus nocturnos, piezas de carácter que habían sido anteriormente desarrolladas por el compositor inglés John Field.

El Lied

La palabra alemana lied, que significa canción, se utiliza en música para hacer referencia particularmente al lied alemán del siglo XIX para voz solista y piano. En la mayoría de los lieder, la parte de piano constituye mucho más que un simple marco de apoyo para la voz. Por el contrario, los compositores tratan a la voz y al piano con la misma jerarquía, a menudo el piano estaba encargado de crear la atmósfera apropiada y quizás de añadir detalles dramáticos o pictóricos. A veces se escribía un ciclo de canciones, utilizando todo un conjunto de poemas relacionados con una misma idea, quizás delineando una historia. El primer gran compositor romántico de lieder fue Franz Schubert. Más tarde, Schumann, Brahms y Hugo Wolf.

Pieza de Carácter

Término usado para una amplia cantidad de la música para piano del siglo XIX basada en una idea simple o en un programa. El término es menos frecuentemente aplicado a la música para otros instrumentos (nunca la voz humana). Las piezas de carácter son esenciales en la música del Romanticismo. Muchas piezas de carácter son compuestas en forma ternaria, pero no es una característica universal. Un rasgo común es la intención de otorgarles títulos expresivos, tales como Voyage autour de ma chambre ("Viaje alrededor de mi cuarto") de Stephen Heller, un ejemplo temprano del género. Otras piezas de carácter tienen títulos que sugieren la brevedad y singularidad del concepto, tales como las bagatelas de Beethoven o los preludios de Debussy, o construcción casual: el título Impromptu es común. Muchos nocturnos e intermezzi son piezas de carácter también, entre ellos los de Chopin y Brahms, respectivamente.

Ópera en el Romanticismo

La Ópera Italiana

En el siglo XIX asistimos a un claro declive de la ópera cómica, si bien todavía hay algunos casos notables hasta 1830 (El Barbero de Sevilla de Rossini, por ejemplo o El Elixir de Amor de Donizzeti), poco a poco se va imponiendo el género serio. Los compositores más importantes en este género además de los mencionados serán Bellini, Verdi y Puccini. La ópera seria por su lado recurre a los mencionados temas románticos (la Edad Media o El Renacimiento, obras clásicas etc...). Ejemplo: Bellini: Capuletos y Montescos.

Grand Opéra (Francia)

Puede considerarse la continuadora de la Tragedia Lírica Barroca, y la Opera Seria Clásica cuyos representantes serían Glück o Spontini. A partir de 1830, empieza a adquirir unas características propiamente románticas. Algunas de sus características son:

• División en cinco actos.
• Importancia del Ballet y la escenografía.
• Impresionantes medios orquestales y corales.
• Temas Históricos.
• Carácter ecléctico y cosmopolita (mezcla elementos de varios estilos y escuelas).
• Mezcla de elementos cómicos y trágicos.
• Utilización del coro como un personaje.

Autores: Meyerbeer, Halévy, Auber y Rossini. Obra: “Los Hugonotes” de Meyerbeer.

Wagner

La concepción estética de Wagner apareció en dos obras teóricas antes de aplicarse a la música: La obra de Arte del Futuro y Ópera y Drama. Aunque las óperas hasta el momento (Lohengrin, Tanhausser y El Holandés Errante), tienen ya algunos indicios de estos principios estéticos, estos se desarrollaron totalmente en su tetralogía “El Anillo del Nibelungo” y más tarde en “Persifal”.

La obra de arte total hace referencia a una concepción de la obra en la que se integran todas las artes, música, poesía (libreto), pintura y arquitectura (decorados), etc...

Leitmotiv.