Explorando el Arte de la Prehistoria a la Antigüedad

El Arte de la Prehistoria

1. Cronología: La Prehistoria abarca desde la aparición del hombre hasta la invención de la escritura, y se divide en 4 periodos:

• Paleolítico (aprox. 3.500.000 a.C. / 10.000 a.C.)
• Paleolítico Inferior: de los orígenes al 50.000 a.C.
• Paleolítico Medio: del 50.000 al 30.000 a.C.
• Paleolítico Superior: del 30.000 al 10.000 a.C.

Durante este periodo, el hombre es nómada y vive de lo que puede obtener de la naturaleza, practicando una economía depredadora basada en la caza, la pesca y la recolección de frutos silvestres.

• Mesolítico: entre el 10.000 y el 8.000 a.C.
• Neolítico: entre el 8.000 y el 3.000 a.C.

El Neolítico representa la gran revolución de la historia de la humanidad, ya que el hombre pasa de ser depredador a ser productor de alimentos, al empezar a practicar la agricultura y la domesticación de animales. Se inventará la cerámica para poder almacenar los excedentes de producción y transportarlos, nacen así las primeras formas de intercambio (comercio primitivo).

• Edad de los Metales: del 3.000 al comienzo de la Historia. En algunas zonas, metales e Historia llegan al mismo tiempo.

Las primeras manifestaciones artísticas conocidas corresponden al Paleolítico Superior.

2. El Arte del Paleolítico

La pintura y la escultura tienen como tema la caza y la supervivencia de la especie. Se trata de un arte con carácter mágico: se representa aquello que se desea o necesita.

2.1. Pintura

TEMAS: El básico son los ANIMALES, a veces símbolos de carácter sexual. No aparece la figura humana.

TÉCNICA: Se trata de PINTURA RUPESTRE, realizada sobre roca, y POLICROMA. Para obtener los colores se emplean grasas animales, jugos vegetales, tierra, madera quemada y sangre. Las pinturas suelen aparecer en las zonas más profundas de las cuevas. Se intenta aprovechar la forma de las rocas para conseguir un cierto relieve, buscando el mayor realismo posible. Se realizan FIGURAS AISLADAS, no escenas. Las principales cuevas se sitúan en el sur de Francia y el norte de España, dando lugar a la ESCUELA FRANCO-CANTÁBRICA. Las más destacadas son Cándamo y El Pindal en Asturias, Altamira, El Castillo y La Pasiega en Cantabria, y Lascaux y Niaux en el sur de Francia.

La Cueva de Altamira, cercana a Santillana del Mar, fue descubierta en 1868 y excavada por Marcelino de Santuola en 1875. Está compuesta por un amplio vestíbulo, diversas salas secundarias y la gran SALA DE LOS POLÍCROMOS. En el techo aparecen las principales pinturas: bisontes, un caballo y una cierva; en el vestíbulo se encontraron numerosos útiles de piedra, hueso y marfil. El conjunto de los policromos es de una gran calidad técnica. Realizados en color ocre y perfilados en negro, los bisontes aprovechan los resaltes de la roca para dar sensación de volumen, resultando realistas. Debido a los problemas de conservación que presenta, no es visitable en la actualidad.

2.2. Escultura

Se conservan escasas muestras, ya que la mayoría se han perdido. Se presenta en 2 variantes:

• A) Los Bastones de Mando, posiblemente utilizados en ritos relacionados con la caza. Están realizados en hueso y asta, y suelen presentar decoración tallada. Son interesantes los hallados en la Cueva del Castillo, con la figura de un caballo esculpido en asta de reno encontrado en Mas d’Azil, los bisontes esculpidos en arcilla de la gruta de Tuc d’Audoubert, o el esculpido en piedra de la Cueva de La Madeleine.
• B) Las Venus de la Fertilidad son pequeñas figuras femeninas, de bulto redondo o en relieve, caracterizadas por presentar un abultamiento exagerado de las partes del cuerpo relacionadas con la fertilidad y la maternidad (caderas, vientre, pecho); no suelen presentar rostro. Las más destacadas son las de Laussel (en bajorrelieve), Lespugne (bulto redondo) y Willendorf (bulto redondo).

3. El Arte del Neolítico

En este periodo, las manifestaciones artísticas se ciñen exclusivamente a la pintura, dando lugar a la ESCUELA LEVANTINA.

• Parece que se pierde el carácter mágico de las representaciones, pasando a representarse ESCENAS DE LA VIDA COTIDIANA de los poblados.
• Cambia la ubicación de las pinturas: ahora aparecerán en abrigos y rocas más o menos protegidas, pero exteriores.
• Cambia el color: las pinturas pasan a ser MONOCROMAS (en rojo o negro).
• En las escenas aparece la figura humana, inexistente en el Paleolítico.
• Las figuras son muy estilizadas.

Los yacimientos más importantes que podríamos citar son Morella y Valltorta en Castellón, con una destacada escena de caza de ciervos en el segundo caso; Bicorp, en Valencia, con la escena de la recolección de la miel; Cogull, en Lérida, con representaciones de danzas y animales, y Minateda, en Murcia, con una escena de lucha.

Aparecen también otras constituidas a base de signos, muy esquemáticos y todavía no interpretados.

Las Civilizaciones del Mediterráneo en la Antigüedad: Egipto y Mesopotamia

1. Egipto

- Contexto Histórico

Se fundamenta en 2 pilares:

• - El río Nilo: Se basa su existencia en el río y en haber sabido controlar su régimen de crecidas. Para aprovechar ese caudal hay que saber cuándo llegan las inundaciones y construir sistemas de almacenaje y distribución del agua. Esto hace la existencia de un poder centralizado y fuerte, que tenga poder sobre todo el territorio que atraviesa el río. Ese poder es el Faraón, figura de carácter divino. Por debajo del Faraón aparecen 3 estamentos sociales: Clero (económico), Funcionariado (cultural) y Campesinado (esclavos). La historia de Egipto es una sucesión de periodos de fuerte poder centralizado interrumpidos por periodos de descentralización.
• - La Religión: Es el gran fundamento del arte. Compleja, presenta 2 aspectos:
  • El culto a los dioses, para los que se construirán TEMPLOS.
  • Los ritos funerarios, muy complejos. Para el egipcio, el hombre estaba formado por 3 componentes: el cuerpo, el alma y el espíritu. Según la creencia egipcia, la muerte llega cuando estos tres componentes se separan. El cuerpo queda convertido en materia, el alma queda errando por la Tierra, fuera del cuerpo; y el espíritu sube al firmamento para ser juzgado por Osiris. Si da resultado, el espíritu vuelve a la Tierra, busca al alma y juntos se vuelven a introducir en el cuerpo. Estas creencias traen una serie de problemas; el primero es la necesidad de mantener el cuerpo en buen estado, ahí surgen los ritos de momificación. El segundo, crear un lugar donde el alma pudiese esperar al espíritu y guardar los tesoros del difunto, aquí aparecen las tumbas.

- Arquitectura

Características Generales:

• Escasa evolución a lo largo de sus 3.000 años de historia. Presenta escasa proyección exterior.
• Edificios: palacios (mal conservados), tumbas y templos.
• Gran tamaño de todas las construcciones, esto, junto con el material empleado (piedra), viene dado por el afán de inmortalidad, el deseo de que los edificios perduren.
• Se utilizan exclusivamente estructuras adinteladas.
• Gran importancia de las columnas, de gran tamaño y con capitel en forma de flor de loto o de cabeza de Dios. Los fustes pueden ser lisos o fasciculados.
• Los edificios presentan una abundante decoración de pintura al fresco y relieve.

- Las Tumbas

• Mastaba: Tipo más antiguo. Forma de pirámide truncada, con uno o dos fosos excavados, y 2 recintos a nivel de tierra: la capilla y el serdab, cámara donde se conserva el ká (estatua del muerto). Destinada a los faraones.
• Pirámide: El monumento más característico del arte egipcio tiene su origen en las PIRÁMIDES ESCALONADAS, nacen de la superposición de varias mastabas de tamaño descendente, por el deseo de engrandecer la tumba del faraón. Las pirámides clásicas empiezan a construirse sobre el 2600 a.C., siendo las más importantes las del COMPLEJO FUNERARIO DE GIZEH: PIRÁMIDES DE KEOPS, KEFRÉN y MIKERINOS, más numerosos edificios menores, estando todo el conjunto presidido por la ESFINGE DE GIZEH. La mayor pirámide, la de Keops, estaría cubierta con placas de caliza pulida. La forma piramidal parece hacer referencia al Sol, desde el vértice lanza sus rayos sobre los cuatro puntos cardinales, simbolizaría el control del Faraón sobre todo lo conocido. La pirámide de Kefrén es la única que conserva, en el vértice superior, parte de la caliza que la cubría. La de Mikerinos es la más pequeña del conjunto. Lo más destacable es la estructura laberíntica de su interior, pensado para evitar los hurtos. Presentan dos cámaras: la “Cámara Real” y la “Cámara mortuoria”, subterránea. Estas grandes tumbas formaban parte de un amplio complejo preparado para albergar todos los ritos relacionados con la muerte. Junto a cada pirámide se edificaba un templo, llamado Templo Bajo, donde se realizaban los ritos de momificación. En el embarcadero se construía una barca en la que viajaría el alma del Faraón al más allá.
• Hipogeo: Sepulcro excavado en la roca, típico del Imperio Medio. Se construye oculto buscando mayor seguridad. Mantienen la estructura laberíntica de las pirámides. El más importante es el de Tutankamón, el único que llegó inviolado y con sus magníficas riquezas.

- Los Templos

El templo se dedica exclusivamente al culto a los dioses y la custodia de sus tesoros, no es lugar de reunión para los fieles. Dos tipos de templo: el exento y el speos, este último con una variante en el semispeos.

• Speos: Excavados en la roca, sólo dejan visibles sus monumentales fachadas. Los semispeos muestran al exterior alguna otra parte. Destacan:
  • Templo de Abu Simbel o Speos de Ramsés II.
  • Templo de la Reina Hatshepsut, en este caso en semispeos, sus rampas escalonadas de acceso se encuentran en el exterior de la montaña.
• Templo Exento: De gran tamaño y con estructura de salas fija. Los más conocidos son los templos de Karnak y Luxor, dedicados al Dios Amón. La estructura sería:
  • Avenida de las Esfinges, que marca el camino hacia el recinto.
  • Obelisco, poco antes de la fachada, marcando la entrada.
  • Pilonos, dos grandes muros con forma trapezoidal que forman la entrada.
  • Sala Hípetra o patio de Columnas, la gran sala descubierta a la que pueden acceder los fieles.
  • Sala Hipóstila, techada y más baja.
  • Cámaras Sagradas o Santuario, también techadas y más bajas que la anterior. A estos dos últimos recintos sólo tienen acceso el faraón y los sacerdotes.

Escultura

Casi en su totalidad ha sido hallada en tumbas. No se busca representar figuras reales, sino soportes del alma para la eternidad.

• Características: Hieratismo, solemnidad, estaticismo, falta de expresividad y movimiento, idealización, tendencia a la geometrización. Todo ello, en relación con el cumplimiento de la ley de la frontalidad (figuras de frente, con la mirada alta, y los brazos muy rígidos, cayendo paralelos y pegados al cuerpo). Sólo en el Imperio Nuevo se suavizarán un tanto las formas. El material preferido es la piedra dura: basalto y granito; con menos frecuencia, piedra caliza y madera, que suelen policromarse.

• Tipos y obras:
  • A) Grandes conjuntos monumentales, representando al faraón. Ej: La Esfinge, estatuas del speos de Ramses II, Colosos de Memnon.
  • B) Escultura funeraria: los “ka” (dobles del muerto). Ej: Mikerinos y su esposa; Triada de Mikerinos; Rahotep y Nofrit; Seneb y su familia; Alcalde Cheik-el bedel; Escriba Sentado. Todos estos ejemplos pertenecen al Imperio Antiguo.
  • C) Relieve (muy asociado a pintura). Muy plano.

- Pintura

Realizada al fresco, aparece decorando tumbas y templos, a veces confundida con el relieve. Presenta vivos colores, importancia del dibujo y ausencia de perspectiva. Tiene carácter narrativo, un proceso completo de la vida cotidiana, dividiendo la pared en franjas y contando toda la historia. Las figuras suelen ser de pequeño tamaño y esquemáticas. Puede haber grandes figuras que ocupan una pared entera, siendo de mayor calidad pictórica. Se cuidan los pequeños detalles. Todas las figuras aparecen de perfil, se representan la cabeza y las piernas de perfil y el torso de frente, mostrando los brazos. Se representan temas de la vida cotidiana y temas religiosos. Son muy frecuentes las escenas relacionadas con la muerte. Junto con las pinturas, aparecen jeroglíficos.

2. Mesopotamia

Cultura contemporánea a Egipto con diferencias:

• Fuerte proyección exterior.
• Menor importancia de la vida de ultratumba.
• Mayor importancia de la casta sacerdotal.
• El rey es el personaje más importante, pero no está divinizado.
• Mesopotamia aparece fragmentada en diferentes estados; cada ciudad debe imponer su hegemonía y sus características. Resultan los siguientes periodos:
  • A) Periodo Sumerio-Acadío.
  • B) Periodo Babilónico.
  • C) Periodo Asirio.
  • D) Periodo Neobabilónico.
  • E) Periodo Persa.
  • F) Conquista de Alejandro Magno en la segunda mitad del siglo IV.

- Arquitectura

Sus características derivan en buena parte del material empleado: ADOBE (barro cocido al sol, tallado en piezas pequeñas, blandas y de aristas poco definidas):

• Fragilidad de las construcciones.
• Se utiliza el SISTEMA ABOVEDADO de medio punto (creadores).
• Poca importancia de la columna. Solo se utiliza en los periodos asirio y persa, con capiteles vegetales muy esquemáticos y basas con forma de animales monstruosos.
• La pobreza del material obliga a recubrirlo de CERÁMICA VIDRIADA para mejorar su aspecto.

Construcciones

A) Los Templos

Son una ciudad dentro de la ciudad. El lugar de culto es el ZIGURAT, torre escalonada en cuya parte superior se encuentra el altar; constituido por bloques de piedra de tamaño descendente que se comunican entre sí por rampas. Su estructura es parecida a la de las pirámides escalonadas. Se supone que estos templos debían albergar gran cantidad de decoración cerámica.

B) Los Palacios

Son de gran tamaño y presentan múltiples dependencias en torno a patios; suelen tener zigurat. Este tipo de palacio influirá en los de época romana, y, en la Edad Media, en los árabes y bizantinos.

3. Escultura

• Periodo Sumerio-Acadio-Babilonio: Carácter religioso. La mayor parte de las obras son oferentes: figuras del donante que se consagran a la divinidad.
• Escultura de bulto redondo: Características: Figuras de pie o sentadas con canon muy corto, lo que resulta en unas cabezas muy grandes en relación con el tamaño del cuerpo. Casi siempre en la misma postura, con los brazos cruzados sobre el pecho y las manos unidas en una posición bastante poco natural. La cara suele presentar elementos incrustados (ojos, boca...). Casi siempre sin pelo. Suelen presentar una vestimenta muy característica, consistente en una falda larga de plumas. Los materiales utilizados fueron, primero la caliza, que fue sustituida por la obsidiana y el alabastro; en raras ocasiones aparece el bronce. Ej: Estatua orante de Ebich-il de Mari, representaciones del Patesi Gudea.
• Relieve: En forma de estelas destinadas a ofrendas. Tienen unas características muy similares a las figuras exentas, y guardan las mismas normas de perspectiva jerárquica y a menudo de relieve que las egipcias. Ej. Periodo Sumerio: Estela del rey Ur-Niná, Estela de los Buitres, Estandarte Real de Ur. Periodo Acadio: Estela de Naram-Sim. Periodo Babilónico: Código de Hammurabi.

- Periodo Asirio

Es la escultura de mayor calidad del periodo mesopotámico. Los temas son violentos y de exaltación de la monarquía. Se divide en 2 etapas: el siglo IX, reinado de Asur-Nasirpal, y el siglo VII, reinado de Asur-Banipal.

• Bulto redondo: Escaso; se limita a las figuras de los Toros Alados, representaciones animales con cabeza humana. Suelen aparecer en las entradas de los templos.
• Relieve: Constituye la manifestación básica de este arte. Aparece en frisos corridos en los palacios. Es un relieve muy bajo, muy detallista, se puede apreciar un intento de lograr movimiento y perspectiva. Buen estudio anatómico de hombres y animales. La figura humana presenta siempre un aspecto masculino, fuerte, con melena larga y rizada, ojos y cejas marcados, y barba muy tupida reservada a los Reyes y los Dioses. Las representaciones principales son las de los Palacios de Kalah, Jorsabad y Nínive.

Arte Griego

El Arte Prehelénico

Englobamos en el arte Prehelénico al procedente de las culturas CRETENSE y MICÉNICA, que se desarrollan en los territorios donde tendrá lugar la gran cultura griega. Son su punto de partida, aunque no tengan conexión cronológica directa. El arte de Creta y el de Micenas presentan notables similitudes en los objetos-mueble.

1. El Arte Cretense: Se desarrolla en Creta e islas y costas a su alrededor.

Arquitectura

Las principales construcciones son los PALACIOS. No hay referencias de construcciones militares (el cretense es un pueblo pacífico que vive de su relación con el mar).

• Arquitectura adintelada.
• Material: sillares de piedra.
• Uso de la madera para las cubiertas.
• Columnas abundantes. El tipo es la columna cretense, presenta un fuste más estrecho en la parte inferior y un capitel compuesto por 2 piezas: el ábaco y el toro.
• Plantas muy confusas. Los palacios se organizan en torno a un patio central al que se van añadiendo dependencias anárquicamente, superponiendo también pisos en altura.
• Abundante decoración pictórica. Toda la construcción aparece pintada: en los muros, escenas y decoraciones geométricas. Se trabaja en cubrir los espacios con una mezcla de yeso y cola que posteriormente se cubría con temple.

Construcción principal: Palacio de Knossos. Las ruinas de Knossos fueron consideradas restos del Palacio del rey Minos.

Pintura

Temas muy variados: relación con el mar, vida religiosa y de la corte, juegos (tauromaquia), representaciones femeninas. La figura humana suele aparecer en las representaciones de carácter ritual y en los juegos de animales. La pintura es al fresco, cubre totalmente los muros de los palacios. Se utilizan colores muy vivos, y es frecuente la utilización del perfil, siguen siendo habituales los convencionalismos (figuras de perfil en hilera, ojos de frente, coloración oscura en los hombres y clara en las mujeres). Mayor interés por el estudio de la anatomía y el movimiento.

B) El Arte Micénico

Arte desarrollado por el pueblo aqueo, que invade y saquea Creta, copia su arte y lo lleva al continente, a Micenas y Tirinto, lo que le convierte en el antecedente geográfico del arte griego arcaico. Pueblo de guerreros, su historia acaba en 1250, cuando se produce la invasión de los dorios, quienes provocan una fuerte decadencia hasta el siglo VIII a.C.

Arquitectura

Predomina la arquitectura fortificada. Las ciudades se edifican sobre colinas, en lugares altos. La muralla aprovecha las irregularidades del terreno:

• Uso de estructuras adinteladas.
• Construcciones fuertes, con grandes muros, como las murallas de Tirinto.
• Tipos de edificios:
  • Grandes fortificaciones, situadas en lugares estratégicos, como la ciudadela de Micenas y el palacio de Tirinto.
  • Tumbas, siguiendo el modelo de los sepulcros de corredor; ej. la tumba de Atreo. Son la forma de arquitectura mejor conservada. Su mayor interés radica en su estructura. Presentan bóvedas por aproximación de hiladas, planta circular y un corredor de acceso denominado “dromos”.
  • Templo (denominado MEGARÓN), con columnas cretenses y con un modelo de cubierta que asienta las bases del futuro entablamento dórico; ejemplo, el megarón de Tirinto. [Es un recinto de planta rectangular, con los muros laterales avanzados con respecto al acceso, conformando una especie de pórtico. Se supone que sobre este pórtico había una cubierta adintelada de madera, sostenida por unas columnas levantadas en la parte central.]

Orfebrería

Es importante, sobre todo la realizada en oro. Se han encontrado grandes tesoros en las tumbas, formados por joyas, adornos, vajillas y vasos, así como máscaras funerarias. En las máscaras se aprecia cierto primitivismo en la representación del rostro; líneas quebradas y duras; convencionalismos geometrizantes.

Arte Griego

Introducción Histórica

Todas las manifestaciones culturales griegas están presididas por la preocupación por el hombre. De ahí que se trate de una cultura antropocéntrica, frente a culturas teocéntricas. Para representar artísticamente a este hombre se crean unos ideales de belleza. Esto no quiere decir que en la cultura griega se abandone la religión, ya que ésta ocupa un lugar predominante en la vida y el arte helénicos: se trata de la mitología.

Mitología Griega (Rasgos Generales)

• La religión griega es politeísta.
• No hay sacerdotes.
• En honor a los dioses se celebran cada cuatro años grandes fiestas atléticas, celebradas en Olimpia. El periodo de cuatro años entre fiestas se denomina Olimpiada.
• Los dioses aparecen humanizados, con forma, defectos, virtudes y aventuras humanas, aunque mantienen dos características divinas: la inmortalidad y los poderes sobrenaturales.
• Todos los dioses y diosas forman el panteón, y habitan en el Monte Olimpo.
• Los dioses protagonizan complicadas historias y aventuras: estas historias constituyen los mitos griegos.
• Los dioses y mitos griegos serán copiados por los romanos, variando únicamente los nombres propios.

- Arquitectura

- Características Generales

• Se utilizan siempre estructuras adinteladas.
• Construcciones a medida del hombre. En relación con las concepciones humanísticas del mundo griego, se pretende que el hombre no se sienta avasallado ante edificios muy grandes.
• Se emplean materiales ricos, con abundancia de mármol, presente en forma de sillares regulares. Los edificios se policroman en su totalidad.
• Gran preocupación por la apariencia exterior, la proporción y la armonía visual del edificio; para ello: uso abundante de columnas como elemento de sustentación pero también como pieza decorativa y plástica, corrección en las medidas: utilización del canon, utilización de trucos para corregir las posibles desviaciones visuales del ojo.
• El edificio más prototípico y que mejor ilustra los modelos arquitectónicos griegos es el templo.

- El Templo Griego

Edificio prototipo, el que mejor ilustra las características generales. Suele ser de reducidas dimensiones, ya que acoge a la estatua de la divinidad y sus tesoros. De planta rectangular. Consta de:

• Peristilo: zona de las columnas.
• Pronaos: pórtico de entrada.
• Naos o Cella: cámara sagrada donde se guarda la estatua de la divinidad.
• Opistodomos: sala aislada de la naos, donde se guarda el tesoro.

Según las columnas se pueden hacer 2 clasificaciones:

• Dependiendo de la disposición:
  • Templos Próstilos: los que sólo presentan columnas en la fachada delantera.
  • Templos Anfipróstilos: en las dos fachadas cortas.
  • Templos Perípteros: rodeados de columnas.
  • Templos Dípteros: rodeados por una columnata doble.
• Dependiendo del número de columnas que tenga en la fachada principal:
  • Templos In Antis: dos columnas.
  • Templos Tetrástilos: cuatro columnas.
  • Templos Hexástilos: seis columnas.
  • Templos Octástilos: ocho columnas.

El templo se sitúa sobre un basamento, estilobato o crepidoma, con tres gradas y una hilada de nivelación. Los peldaños rodean el templo. Sobre este basamento se levantan las columnas, y, sobre estas, el entablamento y la cornisa. Esta incluye el tejado a dos aguas, en las fachadas cortas da lugar a los frontones. Todo el edificio se policromaba y se acompañaba de una decoración escultórica.

Las características del entablamento y de las columnas dan lugar a los órdenes: dórico, jónico y corintio.

El Orden Dórico

Es un orden sencillo y de aspecto robusto. La columna aparece sin basa; el fuste es acanalado, con 24 estrías cortadas en arista, y una altura de entre 4 y 6,5 veces su diámetro inferior. El capitel está formado por 3 piezas: (inferior) es el collarino, la intermedia, el equino, con forma de trapecio invertido; la superior, el ábaco, con forma cuadrada. El entablamento está formado por dos franjas: la inferior, el arquitrabe, sin decoración; la superior, el friso, en rectángulos que presentan decoración en relieve (metopas) o en forma de franjas verticales (triglifos).

Los triglifos son la manifestación externa de las vigas, y se hacen coincidir con los intercolumnios; las metopas quedarían sobre las columnas. Para que en las esquinas no coincidan dos metopas, se estrechan los últimos triglifos o los últimos intercolumnios.

Ej: Templo de Apolo en Delfos; Templo de Palas en Corinto; Templo de Apolo en Bassas; Templo de Afaia (diosa local) en la isla de Egina; Templos de Hera y Poseidón en Paestum (Italia); Templo de Zeus en Olimpia (468-460), un templo de enormes dimensiones (64 x 27 metros), construido en caliza, y con la cella dividida en tres naves.

- Partenón de Atenas: El templo más conocido del arte griego es realizado bajo la supervisión de Fidias en el siglo V a.C. por orden de Pericles, dedicado a Atenea. Es un templo períptero y octástilo con 17 columnas laterales. Realizado en mármol blanco, se cubría de tejas de mármol y estaba policromado. En su interior se albergaba una estatua crisoelefantina de Palas Atenea. Presentaba una importantísima decoración escultórica: en los frontones, escenas de la vida de Atenea. En las metopas aparecen escenas de la Guerra de Troya, de la Guerra de las Amazonas y de la Gigantomaquia. En el friso interno se representa la procesión de las Panateneas. El Partenón ha sido templo cristiano y mezquita.

El Orden Jónico

Introduce la basa en las columnas, formada por tres molduras: la inferior y la superior, denominadas “toros”, son cóncavas y no llevan decoración; la central, la “escocia”, es convexa y estriada. El fuste, más esbelto que en el dórico, presenta 24 estrías biseladas. El capitel aparece mucho más desarrollado y decorado que en el dórico: el collarino es mucho más grande, y se decora con bandas geométricas; en el equino se introducen las volutas (formas en espiral), siempre son 2 salvo en las columnas de esquina (tres); el ábaco es más pequeño que en el dórico, pero aparece decorado. En el entablamento, el arquitrabe sigue apareciendo sin decoración, pero ahora dividido en bandas; el friso presenta decoración continua (escenas o geométrica).

Ej:

• Templo de Atenea Niké, un pequeño templo tetrástilo y anfipróstilo erigido en el 421 para conmemorar la victoria de Nikias. Estuvo en pie hasta el siglo XVIII, cuando los turcos lo desmontaron para aprovechar sus materiales, aunque fue reconstruido en 1835.
• El Erectión, entre el 421 y el 406 a.C.; es un templo hexástilo, presenta 3 fachadas y 2 “cellas”, una de culto a Atenea y otra dedicada a Poseidón; en su cara sur se le adosa la “Tribuna de las Cariátides”, una especie de mirador con estatuas femeninas sustituyendo las columnas.

El Orden Corintio

Surgido en el siglo V a.C., es muy similar al jónico, varía la forma del capitel, que introduce la decoración vegetal de hojas de acanto. Los grandes difusores de este orden serán los romanos. Ej: templo de Zeus Olímpico de la Acrópolis de Atenas y “Linterna de Lisícrates”.

- Otras Construcciones

El teatro es la otra edificación más típicamente griega. Se construyen aprovechando pendientes naturales para que el público tenga buena visión. Su estructura es semicircular, y se divide en 3 partes: Scena (escenario), Orchestra (coro) y Gradas (espacio para los espectadores). Ej: los teatros de las ciudades de Delfos, Epidauro y Siracusa. Los estadios también se solían situar en colinas o valles. Tenían forma rectangular muy alargada con los extremos redondeados. Uno muy importante era el de Olimpia. Muy similar al estadio era el Hipódromo, destinado a carreras de caballos y carros.

Arte Paleocristiano

Las muestras artísticas realizadas por los cristianos en los primeros siglos de historia de esta religión, del ámbito del Imperio Romano. Es un arte de raíces orientales y grecorromanas readaptadas con un espíritu y unas finalidades nuevas que perdurarán durante siglos a través de los distintos artes cristianos posteriores.

Arquitectura

Antes del año 313, al ser el cristiano una religión ilegal y perseguida, no hay una arquitectura propiamente cristiana. Como lugares de reunión se utilizaban casas particulares, y en los enterramientos se seguían usando las catacumbas romanas. En estas aparecen pinturas al fresco en las que empieza a perfilarse la iconografía puramente cristiana.

En el año 313 se legaliza la religión. Ante la necesidad de crear un modelo de templo para reunirse, los cristianos se encontrarán con el problema de que su referente más próximo, el templo romano, no es válido para sus intereses por su reducido tamaño. Otro edificio romano, la BASÍLICA, resulta mucho más práctico. Los primeros templos cristianos son una readaptación de la basílica romana, cambiándole la función y el sentido de los espacios. El modelo creado, el templo basilical, será utilizado por el arte románico y el arte gótico.

La estructura de la basílica cristiana sería como sigue:

• Naves laterales
• Narthex: zona para los catecúmenos (los que se están preparando para bautizarse)
• Atrio: zona pública
• Transepto: zona para los oficiantes
• Presbiterio (al exterior, ábside)
• Altar: bajo él, la cripta
• Cuerpo de naves: zona para los bautizados
• Nave central

El número de naves de la basílica siempre es impar, lo normal serían 3 y 5. La nave central siempre será más alta y ancha que las laterales. Este será el tipo de planta utilizado en Occidente, puesto que en Oriente se prefieren las plantas centralizadas. En Occidente, otro tipo de edificios, como MARTIRIA (enterramiento para mártires destacados, GALA PLACIDIA en Rávena) y los BAPTISTERIOS, tipo de edificio especialmente concebido y diseñado para celebrar los bautizos (está prohibido que en la basílica entren los no bautizados, dicha ceremonia no puede celebrarse en ella). Los más destacados son el de San Juan de Letrán y el Baptisterio de los Ortodoxos, siempre muy cerca de las basílicas o incluso adosados.

Artes Figurativas

Estilo básicamente simbólico surge parte de la iconografía cristiana que perdurará en la Edad Media. El surgimiento de estos símbolos está relacionado con el carácter perseguido y oculto que tiene la religión en sus primeros siglos de existencia, necesaria la aparición de elementos que permitan a los fieles identificarse entre sí pero que no tengan significado para los no cristianos. El símbolo básico es el CRISMÓN, representación de Cristo: las letras que aparecen al lado del símbolo son la Alfa y la Omega, la primera y la última del alfabeto griego. Simbolizan que Cristo es el principio y el fin de todo. El símbolo surge de la superposición de las dos primeras letras de “Χριστός”, “Mesías” en griego. Es frecuente representar a Cristo utilizando figuras de peces. Este símbolo proviene de un juego de palabras y un acróstico: “pez”, en griego, es “ICHTHUS”. Un símbolo animal muy utilizado son los pájaros, palomas blancas: son el símbolo del Espíritu Santo, de paz.

Se utilizan representaciones que ya existían en el arte grecorromano, pero que ahora adquieren otro significado. Por ejemplo, las Orantes, figuras con los brazos en alto que en el mundo romano solían ser representaciones de las Vestales, ahora pasan a simbolizar a los cristianos bautizados, ya que esa misma posición era la adoptada para recibir el bautismo. Representaciones importantes son el BUEN PASTOR, el hombre con un animal en los hombros que ya se había representado en el arte griego (el “Moscóforo” de la época arcaica), ahora representa a Cristo. Aparecen escenas narrativas, de tema religioso cristiano: representaciones de mártires, de la Sagrada Familia, escenas de la vida de Cristo.

Las artes figurativas básicas son la pintura al fresco y el mosaico. La pintura es casi en su totalidad anterior al 313 y aparece en las catacumbas. El mosaico es muy rico y todo posterior al 313 aparece en basílicas. En el siglo IV suelen presentar siempre fondos blancos, siendo posteriormente más ricos en colores y temas (los del Mausoleo de Gala Placidia, por ejemplo). La escultura, son muy escasos los ejemplares de bulto redondo. Las principales muestras aparecen en relieve en los sarcófagos, similares a los romanos.

2.4. La Arquitectura del Periodo Helenístico

El helenismo es el periodo de la crisis de la “Polis”. Se sustituye la escala humana de los templos por un propósito más similar al de las construcciones egipcias. Es el periodo de conjuntos monumentales muy personalizados, edificados para homenajear o recordar a algún personaje o hecho concreto. Las principales obras: Altar de Pérgamo y el Mausoleo de Halicarnaso.

El Mausoleo de Halicarnaso se construye en el siglo IV, sus dimensiones y concepción lo convierten en un edificio de concepción helenística. Constaba de un podio rectangular ceñido por 2 frisos escultóricos, un templo jónico pedíptero con un tercer friso en la cella, y una pirámide de 23 escalones rematada por una carroza con cuatro caballos.

Del Altar de Zeus en Pérgamo, edificado entre el 197 y el 159 a.C., sólo se conservan algunos fragmentos de la decoración (dedicada a la Gigantomaquia). Construido en mármol en sus partes visibles, se alzaba sobre un gran podio rodeado de columnas jónicas. Mediría 36,44 mts por 34,20 mts. Su reconstrucción se encuentra en el Museo de Berlín.

- Escultura

Es la escultura el arte griego por excelencia, ya que refleja al ser humano. Los materiales utilizados en la escultura son el mármol blanco y el bronce, este trabajado con la técnica del vaciado. En todos los casos, las esculturas se policromaban. Bases de esta escultura:

• El deseo de crear tipos de belleza ideal: el cuerpo humano se idealiza, para crear modelos perfectos de proporción, armonía, medida...
• Búsqueda de la expresividad, uniendo belleza física y vida espiritual.
• Búsqueda del movimiento.
• En el campo del relieve, buscar la profundidad y la adaptación al marco.

- El periodo arcaico

La escultura griega parte de modelos egipcios y mesopotámicos, pero experimentará una muy rápida evolución. El momento inicial se plasma en las figuras masculinas de los KURÓS o KUROI (desnudos, representan a atletas vencedores, aunque también se ha especulado con la posibilidad de que se tratase de estatuas funerarias), y en las femeninas de las KORÉS o KORAI (sacerdotisas). Estas figuras conservan aún la rigidez de los modelos orientales (hieratismo, posición frontal, brazos pegados rígidamente al cuerpo, tendencia a la geometrización, ojos almendrados, pelo geométrico, sonrisa arcaica...), pero ya ofrecen rasgos de observación naturalista en el modelado, aún incipiente, de los músculos. Se separan del modelo egipcio también en el hecho de que ya se trata de auténticas figuras de bulto redondo, es decir, la cara trasera también se talla (recordemos que en Egipto no se hacía). Pronto, sin embargo, empezarán a realizarse obras que van superando este modelo, ofreciendo variantes como la representación de diferentes posiciones, mayor flexibilidad en las telas, o una mayor variedad de expresiones. Así, por ejemplo, en torno al 570 es el “Moscóforo”, representación de un hombre joven con un ternero sobre sus hombros (iconografía que posteriormente recogerá el cristianismo para la figura de “el Buen Pastor”). Aunque aún es una escultura de rasgos arcaicos, ya se empiezan a encontrar novedades, como la robustez del cuerpo y los acabados mucho más redondeados, con menor tendencia a la geometrización de las formas. Prácticamente de la misma época (560), es el “Jinete Rampín”, la estatua ecuestre más antigua de Grecia. La cabeza del jinete, de rasgos arcaicos (ojos almendrados, sonrisa arcaica, pelo geométrico), es sin embargo un magnífico trabajo de detalle; por otra parte, el hecho de presentarlo montado a caballo obliga a variar la posición y con ello el estudio del cuerpo. Ya en la transición hacia la escultura clásica, en fechas cercanas al cambio de siglo, encontramos los interesantes relieves de los frontones de Egina y Olimpia. La forma triangular de los frontones obliga a ampliar la gama de posturas de las figuras, que aparecen relacionadas entre sí, con actitudes y expresiones diferentes y simulando movimiento (algunas, de cualquier forma, mantienen aún marcados rasgos arcaicos, como la sonrisa; de ahí que se las considere obras de transición). En los frontones del templo de Olimpia, consagrado a Zeus, se representan dos episodios mitológicos relacionados con el lugar. En el oriental, la carrera de carros entre Pelops y Enomao; en el occidental, la lucha entre los Centauros y los Lapitas. Como se ve, los dos temas representados son violentos, lo que obliga a una fuerte movilidad de las figuras; al mismo tiempo, esta movilidad permite realizar figuras en posiciones muy variadas, con lo que se consigue una plena adaptación al marco. Algo similar ocurre en los frontones del templo de Egina, dedicados a mostrar diferentes episodios de la Guerra de Troya. También de época de transición, ya de principios del siglo V (en el denominado “estilo severo”) se pueden considerar los dos grandes bronces del Auriga de Delfos y el Poseidón del cabo Artemisón. La primera de ellas, de 1,80 mts. de alto, formaba parte de un grupo del que sólo se conservan restos aislados, y se supone que representa a un vencedor en los Juegos Olímpicos; a pesar de la evidente rigidez de las formas, es sin embargo una obra enormemente expresiva, a lo que sin duda contribuye la fuerza de los ojos de vidrio incrustados. Por lo que respecta al Poseidón, captado en el momento de lanzar el tridente (perdido), nos ofrece como novedad una mayor calidad en el tratamiento del cuerpo y una notable representación del movimiento.

- El periodo clásico

En el siglo V a.C., la escultura alcanza su máxima perfección y serenidad.

3.2.1. Los grandes maestros del siglo V

• MIRÓN: Broncista y escultor de extraordinario prestigio en su momento, parece que fue autor de una obra muy variada. En la representación más fiel posible del cuerpo humano y de sus detalles, su famosísimo Discóbolo, en bronce; en el que se capta el momento de máximo desequilibrio y tensión del atleta. Ello permite realizar un magnífico estudio anatómico, pero el rostro, poco expresivo, no parece estar en conexión con el resto del cuerpo. Otras obras son un “Hércules” de bronce y un grupo de Atenea y Marsias.
• FIDIAS: Considerado el gran paradigma del clasicismo, fue el director artístico de todas las grandes obras de la Acrópolis de Atenas. La principal es la decoración escultórica del Partenón, con las siguientes escenas:
  • Friso interno de la cella (200 mts.): Procesión de las Panateneas. Arranca de uno de los ángulos, bifurcándose en las dos direcciones, para confluir al final en el lado de la entrada principal.
  • Frontones: nacimiento de Atenea y lucha entre Atenea y Poseidón.
  • Metopas (92): escenas de diferentes guerras.

Fidias consigue un perfecto tratamiento de expresiones, movimientos, etc. Pero sus rasgos serían el conseguir dotar de profundidad a los relieves, utilizando figuras de diferente grosor y la perfección absoluta con que refleja las telas, mediante la llamada técnica de los “paños mojados”.

Obras: Atenea Prómacos, Atenea Lemnia.

POLÍCLETO: Es el gran teórico de la anatomía humana, el creador de la idea de “Canon”, según la cual todas las partes que componen una escultura deben estar relacionadas entre sí. Obras: el “Doríforo” y el “Diadúmenos”. Ambas muestran un perfecto estudio anatómico y unos rostros serenos y tranquilos.

3.2.2. Los autores del siglo IV

• LISIPO: El escultor humaniza el ideal de Polícleto en el tratamiento del cuerpo, las expresiones y las actitudes captadas en los personajes (vulgarizadas). Su obra fundamental es el “Apoxiomenos”, en la que un atleta, con expresión cansada, aparece limpiándose. Obra importante también es el “Ares Ludovisi”, en la que el Dios aparece sentado y en actitud de abandono.

3.3. La época helenística

Se produce la ruptura total con los modelos anteriores. Pasan a realizarse obras muy realistas, en las que se reflejan todo tipo de sentimientos, gestos amargos y dramáticos. Va acompañado de un gusto por el desequilibrio en las formas, por los cuerpos retorcidos, por las posiciones inestables y por las composiciones complejas. Se difunden 3 grandes escuelas:

• A) Escuela de Rodas: La más dramática en sus composiciones, resultan las más dinámicas y de mayor calidad del periodo. Obras principales:
  • “Laoconte y sus hijos”: Es el grupo más prototípico del estilo. Obra de Agesando, Atenidoro y Polidoro, fue descubierto en 1506 en las ruinas del Palacio de Nerón, en el Esquilino (Roma). Laoconte era un sacerdote de Apolo en la ciudad de Troya, pero pierde el favor del Dios al considerarse más inteligente que él. El castigo que Apolo le manda es morir, junto con sus hijos, asfixiado por unas grandes serpientes. La obra nos muestra el momento preciso en que esto está ocurriendo, con los cuerpos de los tres personajes retorcidos, sus rostros mostrando expresiones profundamente dramáticas, y todo el conjunto mostrando un gran dinamismo. El Laoconte es sin duda una de las obras más influyentes de la historia de la escultura, dejando su huella en artistas tan dispares como Miguel Ángel o El Greco.
  • “Toro Farnesio”: Otro complicado grupo con múltiples personajes formando una especie de montaña humana coronada por un toro. Muestra el castigo de Dirce por las torturas que infligió a Antíope. Los hijos de ésta la atan a los cuernos de un toro que la arrastrará hasta producirle la muerte. Obra de Apolonio de Trailes.
  • “Victoria de Samotracia”: La alada figura de la Victoria se muestra aquí como el mascarón de proa de un barco, lo que permite que presente un magnífico trabajo de “paños mojados”, ya que presenta la túnica que cubre su cuerpo mojada y llevada hacia atrás por el viento.
  • “Torso del Belvedere”: Estudio excesivo del músculo humano.
• B) Escuela de Pérgamo: Las composiciones resultan profundamente dramáticas, pero de un dramatismo menos exagerado, más volcado hacia el interior. Se nos muestran escenas relacionadas con la muerte, en una serie de bronces como los “Bronces de los Gálatas”, que se realizan en conmemoración de la victoria de Átalo I sobre el pueblo.
• C) Escuela de Alejandría: Aparecen aquí obras de tema más amable y formas más suaves. Abundan los temas de la vida cotidiana, y grandes grupos alegóricos como el “Grupo del Nilo”.

Arte Romano

La localización geográfica es muy amplia. Surgido en la península itálica a partir del siglo III a.C., se expande hasta conquistar toda la cuenca del Mar Mediterráneo. Las zonas asimiladas por Roma sufrirán el proceso de romanización que llevará a que se desarrolle el idioma, las costumbres, la cultura y el arte igual. Este carácter militar de Roma su sentido práctico parte de 2 orígenes.

• A) La Herencia Griega: Grecia es una de las primeras zonas conquistadas por el Imperio. No sólo se toman formas artísticas, además muchos artistas irán a Roma y muchas obras serán llevadas allí. La gran variante que introduce en el arte la mentalidad romana es su carácter práctico.
• B) El Legado de los Etruscos: Son un pueblo de origen incierto que aparece asentado en la península itálica en la región de la Toscana. Máximo esplendor en el siglo VI a.C., va a aportar al arte romano:
  • Un tipo de tumba excavada con decoración de pinturas al fresco.
  • Un tipo de sarcófago sobre el que se representa la efigie del muerto, semiacostado, siempre con un gran realismo: sería el nacimiento del retrato.

- Arquitectura Romana

Características

• Hay un claro predominio del sentido práctico. De esta idea van a derivar:
  • La gran importancia que toman, frente al templo en Grecia, las obras de ingeniería y las obras conmemorativas.
  • El gran impulso experimentado por el urbanismo. Las ciudades romanas son perfectamente ordenadas, realizadas a partir de un plano en cuadrícula con calles largas y amplias que se cruzan perpendicularmente, dando lugar a manzanas cuadradas. La organización de la ciudad se basa en la existencia de dos ejes perpendiculares, el cardo (norte-sur) y el decumanos (este-oeste), que se cruzan en el foro, la gran plaza que ocupa el centro de la ciudad y donde se sitúan los edificios más destacados. Este modelo de ciudad, que será implantado en todo el Imperio, tiene su origen en el urbanismo griego, y es el utilizado en la forma de organizar los campamentos militares, paso previo a la creación de una nueva ciudad.
• La arquitectura romana utiliza materiales muy variados: ladrillo, mármol, piedra, y uno nuevo, el hormigón, mezcla de cal, arena y roca. Es barato, admite casi cualquier forma, y es muy resistente cuando endurece. Las estructuras abovedadas se impulsan con hormigón.
• Se produce la expansión masiva de arcos, bóvedas y cúpulas, a veces de gran tamaño: colabora a la grandiosidad que caracteriza a muchos de los edificios romanos.
• Los órdenes utilizados en las columnas son los griegos, se interpretan:
  • El dórico introduce la basa y aparece a veces con el fuste liso.
  • El jónico presenta cuatro volutas en el capitel.
  • Se expande mucho el corintio.
  • Se crea un nuevo orden, compuesto por una mezcla del jónico y el corintio (presenta pequeñas volutas y hojas de acanto).
  • Es muy frecuente la superposición de órdenes.
• Con frecuencia se mezclan en el mismo edificio formas abovedadas y adinteladas. Surge la nueva estructura de “arco bajo dintel” que da lugar a los arcos de triunfo.

Los principales tipos de edificios son:

• Arquitectura religiosa: templos.
• Arquitectura civil: edificios para espectáculos: teatros, anfiteatros y circos.
• Monumentos conmemorativos: arcos de triunfo y columnas conmemorativas.
• Obras de ingeniería: acueductos, puentes y calzadas.
• Otros: palacios, las basílicas, las termas, las tumbas...

- Los Templos

La religión romana es una copia de la griega. Se toman los dioses y las historias mitológicas, y se cambian los nombres a los primeros. El concepto de templo se concibe como el lugar donde se guarda la estatua del Dios o Diosa y sus tesoros. La novedad de la religión romana es el culto al Emperador. En el terreno religioso es preciso recordar que en Roma surge el cristianismo. El templo se asemeja al griego, se introducen novedades:

• El podium sobre el que se levanta la construcción, un alto basamento con escaleras sólo en su parte frontal; por ello, al templo sólo se accede por esta fachada (a los griegos se podía entrar por cualquiera de sus fachadas, ya que las escaleras lo rodeaban).
• El templo romano es siempre próstilo (columnas sólo en esa fachada delantera) y pseudopedíptero (en el resto de las fachadas aparecen pilastras incrustadas en el muro).
• Los templos romanos tienen menos decoración que los griegos.
• Por lo demás, mantienen el modelo de planta rectangular.

Aparecen en Roma algunos pequeños templos de planta circular. El más importante es el conocido como Templo de Vesta. Con carácter de templo conmemorativo se erige el Ara Pacis en el año 13 a.C. Destacan los relieves historiados que lo decoran por su parte exterior. El templo más importante erigido por Roma es el Panteón de Agripa, la inscripción de la fachada hace alusión a Agripa. En el 120 d.C. Adriano reconstruye las construcciones existentes en la zona, y en el friso del nuevo Panteón copia la inscripción del primitivo. Fue restaurado por Septimio Severo y Caracalla, que dejan sus inscripciones en el pórtico. Posiblemente se levantase como templo para todos los dioses, lo cual explicaría su nombre de “Panteón”, pero también se ha hablado de que pudiese estar destinado a servir de tumba a los emperadores. El Panteón es un edificio de gran tamaño, con dos partes diferenciadas. El acceso está formado por un pórtico, al estilo griego, con ocho columnas; el tímpano estaba decorado por un relieve en bronce que representaba a Zeus fulminando a los griegos. En el interior nos encontramos con una gran sala circular cubierta con una gigantesca cúpula (la mayor jamás construida) de cuarenta y tres metros y medio de diámetro, inscrita justo hasta la mitad en un cilindro, y que aparece recubierta con casetones, y abierta por arriba con un óculo de nueve metros de diámetro. Su grosor es de seis metros en el arranque y uno y medio en el remate. Esta gran estructura es posible gracias a las posibilidades constructivas del hormigón.

2.3. Los Edificios para Espectáculos

A) El Teatro

Edificio copiado del griego, incorporando algunas novedades:

• Es exento, es decir, se edifica en cualquier lugar, no necesariamente sobre laderas como el griego.
• Mantiene las mismas zonas en el interior (scena, orchestra, gradas), pero variando la proporción de tamaño entre ellas: la scena es más amplia, la orchestra se reduce. La zona de las gradas pasa a denominarse cavea.

Prohibida su construcción hasta el siglo I a.C., el primero de que se tiene constancia fue edificado en el 55 a.C. de Pompeyo. Del siglo I d.C. es el más grande en Roma, el teatro Marcelo. El mayor de todo el Imperio sería el de Aspendos, en Asia Menor. En España, el más importante, y uno de los mejor conservados de todo el Imperio, es el de Mérida, del año 18 a.C.

B) El Anfiteatro

Son grandes edificios de planta elíptica o circular que surgen de la unión de dos teatros por su parte recta. El espectáculo se desarrolla en la parte central, denominada arena, bajo la cual se encuentra un complicado entramado de pasadizos, celdas, estancias, almacenes... En el anfiteatro tienen lugar las luchas entre gladiadores. Un anfiteatro es el monumento más conocido del arte romano y uno de los más destacados de la historia del arte, el Coliseo de Roma. El Coliseo fue edificado por Vespasiano en el 80 d.C. De planta elíptica. Tenía capacidad para unos 60.000 espectadores. En altura presenta cuatro pisos y estaba rematado por unas grandes ménsulas que permitían sujetar unos toldos (velum) que daban sombra a la cavea. Los tres pisos inferiores presentan superposición de órdenes en las pilastras que enmarcan los arcos. Bajo la arena existía un complejo entramado de pasillos y estancias que servían como almacenes, jaulas, celdas... El Coliseo estaba preparado para celebrar naumaquias (juegos navales), ya que la arena podía llenarse de agua. Cabe destacar los anfiteatros de Nimes (Francia), Itálica (Sevilla) y Mérida.

C) El Circo

Sigue el modelo del estadio griego, es de planta alargada, redondeada por sus bordes más estrechos. A lo largo de su eje longitudinal se levanta la spina, en torno a ésta la pista, y en torno a la pista las gradas. Se realizaban las carreras de caballos, de cuadrigas y los ejercicios atléticos. El más importante debía ser el Circo Máximo (Roma), con aforo de hasta 500.000 espectadores. Los más destacados eran los de Mérida y Toledo.

- Los Monumentos Conmemorativos

Son monumentos romanos, lógicos en un pueblo imperialista, se levantan en homenaje a emperadores o generales victoriosos.

A) Los Arcos de Triunfo

Tienen forma de puerta de muralla aislada. Presentan la estructura de “arco bajo dintel”: en la zona superior, (dintel) con inscripciones alusivas; debajo, arcos de medio punto. Aparecen muy decorados con relieves, estos serán alusivos a los hechos homenajeados.

Desde el siglo II a.C., pero los más importantes conservados son posteriores:

• Arco de Tito, el más antiguo, destacan en él sus relieves historiados.
• Arco de Septimio Severo, tiene tres vanos y presenta también una importante decoración escultórica.
• Arco de Constantino, levantado muy cerca del Coliseo entre el 312 y el 337: buena parte de sus relieves son aprovechados de otros monumentos. Los arcos provinciales son, en general, mucho más sencillos que los localizados en Roma. En España destacan los de Medinaceli (Soria) y Bará (Tarragona).

B) Las Columnas Conmemorativas

Son columnas de gran tamaño, cubiertas de relieve, con la misma función de homenaje que el arco de triunfo. Se conservan las de Trajano, Marco Aurelio, y el basamento de la de Antonino Pío.

- La de Trajano fue erigida en el 113. En su interior hay una escalera de caracol. Está cubierta por un relieve en espiral representando las Guerras Dácicas. En su interior se conservaron las cenizas del Emperador.

- La de Marco Aurelio, levantada entre el 180 y el 193, es prácticamente una copia de la anterior, aunque el fuste es un poco más alto, la cinta de relieve da dos vueltas menos, por lo que resultan unas figuras más grandes, abultadas y plásticas.

- Las Obras de Ingeniería

En estas bellas y a menudo gigantescas obras es donde mejor se manifiesta la originalidad constructiva romana, y el carácter práctico del Imperio.

A) Los Acueductos

Son una creación romana, pensados para el aprovisionamiento de agua a las ciudades. Se construyen, por el sistema de arquerías superpuestas, variando la altura. En la capital había 18, pero los mejor conservados son todos provinciales:

• El Pont du Gard (Nimes) fue levantado en el siglo I a.C.
• Algo posterior, de principios del siglo II d.C., es el Acueducto de Segovia.
• En España se conservan también el de Les Ferreres (Tarragona) y el de Los Milagros, en Mérida.

Por lo que respecta a los puentes, se sabe que se construían en piedra desde el siglo II a.C. Se levantan con un sistema similar al de los acueductos con una sola hilera de arcos, y son robustos y resistentes. Los principales de los conservados en España son los de Alcántara, Mérida y Salamanca.

- Otras Construcciones

• Tumbas: No son excesivamente abundantes, se practicaba más la cremación, las existentes son muy grandes, pensadas para manifestar el prestigio de la familia. Destacan las de Cecilia Metela, con forma de torre circular, y la de Cayo Cestio, con forma de pirámide.
• Basílica: Es el edificio destinado a la administración de justicia y a los tratos comerciales. De enorme tamaño, presentan planta longitudinal dividida en tres naves, la central más ancha y alta que las laterales. La basílica tendrá una importancia posterior, ya que será el edificio tomado como referente por los cristianos para levantar sus primeros templos.
• Termas: Son lugares de baño público y reunión social, con piscinas de agua fría, caliente, salas de reunión, gimnasio, biblioteca, etc. Su tamaño era espectacular, las más importantes son las de Caracalla.

Arte Prerrománico en la Península Ibérica

Las manifestaciones artísticas realizadas en la Europa cristiana con posterioridad al arte romano y anteriores al arte románico, se pueden rastrear muchos elementos, y más desarrollados, aparecerán en el románico: VISIGODO, ASTURIANO y MOZÁRABE.

A) Arte Visigodo

Pueblo que ocupa la mayor parte de la península Ibérica a la caída del Imperio Romano y proclaman el cristianismo como religión oficial de su reino, razón por la cual todas sus iglesias son del siglo VII.

Arquitectura

Pequeñas iglesias campestres de anchos muros y escasez de vanos, realizadas en sillares de piedra, con plantas variadas (basilical de tres naves, cruz latina, cruz griega), y cubiertas con techumbres de madera adinteladas o bóvedas de cañón de piedra. El arco utilizado es el de herradura. Las columnas son aprovechadas, presentando capiteles troncopiramidales. Presentan decoración abundante, en relieve. Obras: San Juan de Baños, Quintanilla de las Viñas.

Orfebrería

Se realiza en metal y con incrustaciones de vidrio; los principales objetos son coronas votivas y objetos litúrgicos. Obras: Tesoros de Torredonjimeno y Guarrazar (Toledo). De último destaca la magnífica corona de Recesvinto.

B) Arte Asturiano

Finales del siglo VIII y hasta principios del X, Oviedo, en el ámbito del primer reino cristiano del norte peninsular, primeras etapas de la reconquista.

Destaca la arquitectura, ligada a la Iglesia y a la monarquía (palacios), construcciones macizas), construcciones macizas, no muy grandes, realizadas con materiales pobres, el ladrillo, el yeso o la piedra irregular, la piedra más grande y de mayor calidad para las esquinas. Los edificios se decoran en el interior con pinturas al fresco. Como planta, predomina la basilical de tres naves; los arcos son el de medio punto y el de medio punto peraltado; las cubiertas aparecen bóvedas de cañón reforzadas con arcos fajones que dan lugar en los exteriores a contrafuertes. los motivos decorativos, muy simples, se basan en medallones en relieve situados en las enjutas de los arcos, así como rudimentarios relieves.

Todos los edificios presentan la llamada “Cámara del Tesoro”, una nave que ocupa la zona inmediatamente inferior al tejado y de la que se desconoce su utilidad, ya que su único acceso son pequeñas ventanas que dan al exterior.

Obras:

A) Periodo preramirense: San Julián de los Prados².

B) Periodo ramirense: Santa María del Naranco, San Miguel de Lillo³, Santa Cristina de Lena.

C) Periodo posramirense: San Salvador de Valdediós.

conjunto de la arquitectura asturiano delarao Patrimonio de la Humanidad

le debe una interesante orfebrería, destaca la Cruz de la Victoria, la Cruz de los Ángeles y la Caja de las Ágatas

C) ARTE MOZÁRABE:Un “mozárabe” es un cristiano que vive en territorio musulmán. también a los cristianos que abandonan los dominios musulmanes para poblar las tierras incorporadas por los reyes cristianos, llevando consigo fuertes influencias y el arte musulman. El “mozárabe” una forma de hacer iglesias incorporando elementos del arte musulmán, sobre todo el arco de herradura y los motivos decorativos._ El estilo está muy extendido geográficamente: valles del Duero y del Ebro, Cataluña y Andalucía. Las iglesias son del siglo X.

Las construcciones princi Santa María de Lebeña (Cantabria), y Santiago de Peñalba y San Miguel de la Escalada (la principal), en León.

TEMA 8. ARTE HISPANO MUSULMÁN.

1.- INTRODUCCIÓN HISTÓRICA:El 622 es el año de nacimiento de la religión islámica y, la cronología musulmana. Es el llamado “Año de la Hégira” es cuando se produce la huida de Mahoma, profeta de la nueva religión, desde La Meca hasta Medina. había empezado Mahoma, sin éxito, sus predicaciones; en la segunda, sin embargo, conseguirá un notable éxito, la nueva religión se extenderá. toda la península ha abrazado la nueva fe, y en menos de un siglo los dominios del Islam se extienden desde los límites de la India hasta los Pirineos, incluyendo todo el norte de África y la Península Ibérica._Este inmenso imperio se constituye en Califato como forma política. el califa reúne todos los poderes. las características definitorias del mundo musulmán: la estrecha unión entre religión y vida política y civil._A Hispania llegan los musulmanes en el 711. Para el 716 toda la península, salvo una pequeña franja en el nort. Al-Ándalus, será una de las zonas más prósperas, avanzadas y cultas de toda la Europa medieval, perdurando.

CARACT GENERALES.recoge influencias de todas las zonas conquistadas por el Imperio, uniéndolas y dotando al conjunto de un carácter propio_ El arte se reduce a la arquitectura; pintura y escultura tienen una mínima importancia, dada la prohibición religiosa de representar la figura human. Estas figuras sólo aparecerán en miniaturas de los libros y pequeños objetos de uso cotidiano, y en ocasiones, en edificios civiles, nunca en los religiosos. la práctica totalidad de la escultura y pintura realizada tiene una función meramente decorativa. Esa decoración es precisamente una de las grandes características del estilo, de tres tipos: vegetal, geométrica y epigráfica (versículos del Corán).

Los principales rasgos de la arquitectura serían:

-Abandono del cuidado urbanismo de tradición, ciudades desordenadas, con calles estrechas y retorcidas, muy poca importancia al aspecto externo de los edificios

- Edificios no excesivamente altos, se busca la armonía con el paisaje, realizados en materiales muy variados (ladrillo, madera...). Cuando sean materiales de aspecto pobre se recubrirán con placas decoradas de yeso o escayola.

- Estructuras simples (volúmenes cúbicos).

- combinación de la arquitectura con al agua y los jardines.

- Uso de columnas y pilares delgados. muchas columnas son reaprovechadas de construcciones romanas.

- Techumbres tanto abovedadas como adinteladas. Muy características son las cúpulas estrelladas y las de mocárabes, como los artesonados (techos planos de madera).

- El arco más característico es el de herradura (impostas por debajo de la luz), variadel de herradura apuntado o el polilobulado. Unos y otros a menudo aparecen entrecruzados y superpuestos. las dovelas de los arcos alternen colores o motivos decorativos.

El edificio fundamental es la MEZQUITA, el edificio de reunión para el rezo (se suele hacer de forma individual). Su planta es, generalmente, rectangular, y se divide en dos grandes zonas:

A) Un patio descubierto , rodeado por una arquería; se encuentran las fuentes para las abluciones (lavado pies, manos y cara preciso efectuar antes de entrar). A un lado esta la torre para llamar a la oración. En época abbasida, se incorpora en el patio una sala llamada iwam que se utiliza como escuela o lugar de reunión.

B) La gran sala de oración, cubierta con estructuras abovedadas o adinteladas, dividida en naves por numerosas columnas que sujetan arcos. Las naves se sitúan perpendicularmente al muro que cierra la mezquita por el fondo, llamado muro de la qibla, siempre situado hacia el este (la Meca). En el centro se abre el mihrab, suele presentar la mayor decoración del edificio, por ser el recinto sagrado. Ante el mihrab se sitúa la maxura, recinto cerrado destinado al califa o imán, y junto a la maxura el mimbar o púlpito.

3.- ARTE HISPANO MUSULMÁN.Constituye la muestra más perfecta y acabada del Arte Musulmán. Periodos:

A) ARTE CORDOBÉS.- Corresponde a diferentes fases políticas emirato dependiente;, emirato independiente, , Califato, época más esplendorosa en todos los aspectos), pero artísticamente se constituye en un periodo unitario_ La arquitectura se caracteriza por el uso de la piedra como material básico, la variedad en las cubiertas, con cúpulas de formas diversas y artesonados de madera, y la utilización del arco de herradura con alternancia de dovelas y encuadrado en alfiz

La obra principal es la MEZQUITA DE CÓRDOBA. De gran tamaño, y desfigurada por haberse construido en su centro la catedral cristiana, orientada hacia el sur. Se empieza a construir bajo el mandato de Abderramán I, situándola sobre la antigua basílica de San Vicente. Esta primera fase constructiva es muy rápida ,se reutilizan muchos elementos (columnas romanas y visigodas), y en ella se levanta una Sala de Columnas con 11 naves. de este momento es la Puerta de San Esteban. Abderramán II, entre los años 833 y 848, la amplía hacia el sur, alargando la sala de columnas en siete naves y desplazando el muro de la Qibla. Abderramán III, ampliará el patio y construirá el Alminar . Alhaken II realizará la gran ampliación de la mezquita hacia el sur, doce nuevos tramos y volviendo a desplazar la Qibla. Almanzor, en la última etapa del Califato, realizará una ampliación, hacia el este (se ensancha la sala de columnas), hacia el sur no se podía seguir por las condiciones del terreno, esta ampliación, el Mirhabqueda desplazado. El patio, conocido como “Patio de los Naranjos”, sufrió una remodelación._ La estructura interior es bastante sencilla. La sala de columnas está formada por columnas que sustentan arcos, creando un espacio amplio y diáfano, para realizar la oración. La originalidad de la construcción sobre las columnas se elevan arcos de herradura y, sobre éstos, arcos de medio punto; se trata de una estructura de arcos dobles que recuerdan la estructura de los acueductos romanos. Se realiza esta estructura, al ser las columnas aprovechadas, presentan una altura predeterminada, con este sistema se puede ampliar la altura total del edificio. los arcos presentan alternancia de colores (rojo y blanco) en las dovelas. En la zona de la última ampliación aparecen también arcos polilobulados. El conjunto de la Sala de Oración se cubre con artesonados que han sido restaurados. la zona más rica y decorada corresponde al mihrab, destacando la entrada (arco de herradura encuadrada en alfiz), que presenta unos ricos mosaicos, y la cúpula de estrella que lo cubre.

Obras periodo cordobés la MEZQUITA DE BAB-EL-MARDUM, conocida como DEL CRISTO DE LA LUZ (Toledo), de pequeño tamaño pero con la particularidad de ser prácticamente la única que nos ha llegado intacta, y las ruinas del PALACIO DE MEDINA AZAHARA ,una construcción espectacular

B) ARTE DE LOS REINOS DE TAIFASel arte se empobrecerá. La pretensión general será que, con menos dinero y por lo tanto con peores materiales , los edificios parezcan igual de ricos; lo que se hace es complicar la decoración y los arcos. destaca el PALACIO DE LA ALJAFERIA y diferentes ALCAZABAS snedificios defensivos y residencia de los gobernantes.

C) PERIODOS ALMORÁVIDE Y ALMOHADE.- dos nuevos periodos

-Los Almorávides no dejan construcciones, pero si importantes novedades, decorativas: destacan los arcos “de cortina” y las cúpulas de mocárabes, que simulan estalactitas

-Los Almohades presentan su profusa decoración: redes de pequeños rombos cubriendo las paredes, cerámica vidriada, arco de herradura apuntado. Su obra principal fue la MEZQUITA DE SEVILLA,

D) PERIODO NAZARÍperiodo espectacular, con edificios muy sobrios exteriormente, una riqueza decorativa absolutamente espectacular en los interiores. caract:

- Uso de materiales pobres recubiertos de placas de yeso que se labran

- Arcos mixtilíneos más complicados.

- Columnas muy delgadas.

- Cúpulas muy complejas; muy utilizadas las de mocárabes.

- Uso de cerámica en los zócalos.

- Importancia de los jardines y del agua como elementos decorativos.

La principal construcción ALHAMBRA DE GRANADA.

La Alhambra, es prácticamente una ciudad amurallada ,situada en la zona más elevada de Granada, incluye zonas militares, zonas palaciegas y zonas públicas , magníficos jardines. sufrirá ampliaciones a medida que sea necesario. En la actualidad, dentro se encuentra el Palacio renacentista de Carlos V._ Todas las zonas se organizan de una forma similar: salas que se abren en torno a patios rectangulares o cuadrados, con columnatas._importantes, el de los Arrayanes ( Palacio de Comares, vida palaciega) y el de los Leones (en torno al cual estaban las habitaciones privadas de la familia real)._ Los espacios cerrados están cubiertos por bóvedas y cúpulas muy fantasiosas o por artesonados, un papel fundamental la decoración de yeso o escayola, extremadamente minuciosa, que cubre las paredes completamente. toda la decoración era policroma. Los arcos utilizados son peraltados, con silueta de campana, mixtilíneos y polilobulados. Las columnas presentan fustes muy estilizados._ En el recinto de la Alhambra se encuentran también mejores jardines del mundo, los del Generalife, situados en torno al palacio de verano

ARTE BIZANTINO: ocupando la parte oriental de éste y fijándose su capital en Constantinopla(2ª capital más cercana a las provincias orientales.). Su periodo de máximo esplendor coincide con el reinado del Emperador Justiniano._ El Imperio Bizantino será el escenario de una gran mezcla de civilizaciones:

- El modelo de administración es el romano, incluso reforzándose la figura del Emperador.

- El idioma y la civilización serán griegos.

- La religión será la cristiana ortodoxa.

- localización geográfica recibe todo tipo de influencias orientales.

ARQUITECTURA./ Caract generales.

- Arquitectura fundamentalmente religiosa.

- variedad de plantas, primando las centralizadas. A veces se combina la centralizada con la basilical.

- Los materiales son pobres en los exteriores (ladrillo), y ricos en los interiores (mármol,

- Elementos sustentantes: muros y columnas clásicas. Los capitales suelen ser corintios o troncocónicos, estos últimos tallados con trépano y con cimacio sobre el capitel.

- Elementos sustentados: el arco típico es el de medio punto; las bóvedas, de arista y de cañón. Pero el principal elemento, es la CÚPULA un carácter simbólico (representación de la cúpula celeste), y se pueden levantar de gran tamaño gracias al poco peso del ladrillo .

Los 3perio2 de mayor esplendor, con obras muy significativas en cada uno de ellos.

PRIMERA EDAD DE ORO.- el reinado de Justiniano La obra principal es la gran basílica de SANTA SOFÍA DE CONSTANTINOPLA , dedicada al Espíritu Santo. Su gran tamaño, y, su enorme cúpula, una de las mayores del mundo, casi 60 metros de altura y 31 de diámetro. Presenta cuarenta nervios, ventanas en su base para facilitar la iluminación del edificio, y está construida con círculos concéntricos de ladrillo. Descansa en los laterales sobre medias cúpulas.

La planta del edificio combina la centralizada y la basilical.

Importante debía ser la decoración interior, pero se ha perdido. compuesta por mármoles, cristales de color y mosaicos.

En 1453, al caer Constantinopla en manos de los turcos, Santa Sofía fue convertida en mezquita le añaden los cuatro almínares que aún hoy la rodean.

Primera Edad de Oro corresponden tres iglesias realizadas en Rávena,: SAN VITAL, SAN APOLINAR IL NUOVO y SAN APOLINAR IN CLASSE. Arquitectónicamente muy sencillas, presentan en sus interiores una serie de magníficos mosaicos, que se sitúan entre los mejores de la historia

SEGUNDA EDAD DE ORO.- entre finales X y principios XI, un nuevo periodo de esplendor para el Imperio tras el sometimiento del pueblo búlgaro.

un nuevo tipo de iglesia, con varias cúpulas, planta de cruz griega inscrita en un rectángulo, y abundante decoración de mosaicos con tonos dorados. ejSAN MARCOS DE VENECIA, presenta numerosos añadidos posteriores.

TERCERA EDAD DE ORO.- siglos XV y XVI, después de desaparecer el Imperio, en Rusia, cuando se produce la cristianización de este país por parte de la Iglesia Bizantina.

Las Iglesias rusas presentan las siguientes características comunes:

- Exteriores a menudo blancos.

- Interiores muy decorados, especialmente con pinturas al fresco.

- Plantas muy complejas.

- Cúpulas bulbosas recubiertas de metal o muy coloreadas.

Ejemplos:Santa Sofía de Kiev, Conjunto de Catedrales del Kremlin (Moscú): de la Asunción, de la Anunciación y de San Miguel Arcángel, Iglesia del San Bienaventurado Basilio (Moscú), famosa por sus múltiples cúpulas de variadas formas y colores.

ARTES FIGURATIVAS (PINTURA Y MOSAICO).Se desarrollan en los mismos tres periodos que la arquitectura.

PRIMERA EDAD DE ORO.- no se conservan muestras en lo que fueron los territorios en los siglos VII y VIII el movimiento iconoclasta, un movimiento de reforma dentro de la Iglesia Ortodoxa que abogaba por la no existencia de representaciones religiosas, siendo destruidas las anteriores. los ejemplos que han llegado a nuestros días fueron los realizados fuera de las fronteras de Bizancio, esto es, los de Rávena.

En las tres iglesias bizantinas de Rávena se puede admirar un conjunto de magníficos mosaicos extremadamente detallistas, muy coloristas, y planos (carentes aun de perspectiva), y que han llegado a nuestros días en un magnífico estado de conservación.

de San Vital destacan las escenas de Los séquitos de Justiniano y Teodora, representaciones del emperador y la emperatriz con su corte, rodeados de un lujo y un esplendor de clara raíz oriental. la utilización de una ligera perspectiva jerárquica, y la deificación de la figura del Emperador, aparece con aureola sobre su cabeza.

En San Apolinar in Classe se conserva la decoración del ábside, con la escena de la Transfiguración (Cristo representado como cruz, rodeado de ovejas que representan a los fieles). Resulta especialmente llamativa la muy detallada representación del paisaje sobre el que se encuentran los animales. San Apolinar representado, en actitud orante.

El mejor conjunto es el de San Apolinar il Nuovo. Las paredes de la basílica se cubren con las procesiones de las Vírgenes y los Santos Mártires. La primera, encabezada por el magnífico grupo de los Tres Reyes Magos, se encamina hacia la Virgen con el Niño; la segunda hacia un Cristo entronizado. Impresionante trabajo con el color y el detalle en todo el conjunto.

SEGUNDA EDAD DE ORO.- destaca la creación de técnicas y modelos iconográficos que perdurarán hasta el final del arte bizantino.

Técnicamente, es la creación del ICONO, pintura de tipo religioso realizada sobre madera, con abundancia de color dorado y a veces incluso con añadidos de metal.

Iconográficamente, se crea un arte muy conceptual y simbólico cada figura y cada tema significa algo concreto y debe situarse en un sitio fijo de las iglesias.

Las principales representaciones serían:

- Cristo: el modelo de Cristo Sirio o Siriaco, representado con los ojos almendrados y pelo y barba largos.

- Virgen: importante es la Virgen Kiriotissa, en Occidente como Virgen Trono, es decir, que aparece con el Niño pero más sirviéndole de asiento que relacionándose con Él.

TERCERA EDAD DE ORO.- Iglesias rusas se produce la práctica sustitución del mosaico por la pintura al fresco, recubrirá las iglesias en su totalidad. Dado lo tardío de estas representaciones, presentan una mayor libertad iconográfica, apreciándose incluso ciertas influencias del renacimiento italiano.

EMA 10. EL ARTE ROMÁNICO.

1.- INTRODUCCIÓN HISTÓRICA.

El Románico, es el 1ºgran estilo internacional al desarrollarse al mismo tiempo en prácticamente toda Europa, nace a finales del siglo X y hasta finales del siglo XII o principios del siglo XIII. Representa la plasmación artística de la implantación en el continente del concepto de “cristiandad. Los países donde se extiende con mayor fuerza son:Francia, Italia, España, Alemania e Inglaterra.

Rzones históricas de su aparición y difusión sonlas siguientes:

- Aumento demográfico

- La intensa piedad derivada del Milenio (la construcción de iglesias,la mejor forma de dar gracias a Dios por no haber destruido el mundo en el año 1000).

- Las peregrinaciones obligan a levantar gran cantidad de edificios, al tiempo que contribuyen a difundir el estilo.

- El feudalismo: el románico es un arte hecho por los estamentos privilegiados. A través de él, la Iglesia muestra su poder y educa al pueblo en los principios necesarios para mantener el sistema.

El constructor de iglesias está considerado un artesano, suele trabajr en cuadrillas. El románico parte de los descubrimientos y experiencias arquitectónicas que se habían desarrollado en el arte prerrománico, no viene dl romano.

- ARQUITECTURA ROMÁNICA. CARACT.

La arquitectura es el arte de esta época. Escultura y pintura se consideran supeditadas al edificio. Es 1estilo basicamente religioso.la iglesia y el monasterio son las construcciones principales. Pretendn lograr unos edificios profundamente espirituales, predispuests a la oración y al encuentro con Dios, más alla de la belleza._ El edificio románico define el modelo de planta de planta de cruz latina y su modelo más perfecto, el de la planta de peregrinación._ Esta planta sería longitudinal, con un transepto muy marcado y dividido en naves(3). La mayor novedad d esta planta, se ncuentraen la cabecera con la incorporación de la GIROLA, se permite al peregrino visitar la cripta sin interrumpir el culto. La girola es un pasillo semicircular, prolongación del camino formado por las naves laterales, que pasa por detrás del altar mayor. L apertura de puertas en el transepto, permite un tráfico d +personas._ En alzado, se observa la dif de altura entre la nave central y las laterales; esa diferencia se salva con la aparición de una nave elevada sobre la lateral que recibe el nombre de TRIBUNA permite el alojamiento de peregrinos.Sobre ls naves laterales, una fila de ventanas ornamentales que, a veces, presentan detrás un estrecho pasillo: es el TRIFORIO._ El principal elemento sustentante de estas iglesias es el MURO, grueso y reforzado con contrafuertes en el exterior, ya que tiene que soportar el enorme peso de las cubiertas de piedra. En el interior ncontramsPILARES COMPUESTOS para separar las naves, aunque a veces se ven sustituidos por COLUMNAS._ Los elementos sustentados típicos serían el ARCO DE MEDIO PUNTO (abocinado en puertas y ventanas) y la BÓVEDA DE MEDIO CAÑÓN,Es muy pesada yaq se costruy en piedra, necesita refuerzos además de los pilares y el muro; estos serían los ARCOS FAJONES y FORMEROS. Los fajones siguen la línea de la bóveda y la refuerzan por debajo, los formeros son transversales a la cubierta, y la refuerzan lateralmente._ en los tramos cuadrados,a veces poden aparecr BÓVEDAS DE ARISTA (cruce de 2bóvedas de cañón). El crucero se cubre con 1CÚPULA, se manifiesta en un CIMBORRIO._ Las fachadas de los edificios suelen aparecer divididas en varios pisos, el inferior ocupado por la PORTADA MONUMENTAL, están flanqueadas por dos torres.

Las catedrales que presentan la planta de peregrinación completa serían: Santiago de Compostela, Saint Martin de Tours.

2.2.- FRANCIA.: El estilo nace en la zona de la Borgoña. La construcción principal de la región es SANTA MARÍA MAGDALENA DE VEZELAY, con altura considerable y arcos fajones con dovelas de colores._ Ls catedrales con un estilo más puro son las de la región central, destaca SANTA FE DE CONQUES, modelo completo de iglesia de peregrinación. Incendiada en el siglo XVI, a principios del XIX su estado era lamentable se llegó a ordenar su demolición; acabó por 1reconstrucción que le confiere su aspecto actual. _ En la zona de la PROVENZA (costa Azul), por su proximidad a Italia, se desarrolla un curioso románico, con una importante pervivencia de rasgos clásicos. SAN GILLES DU GARD y SAN TRÓFIMO DE ARLES. _En la AQUITANIA se aprecia influencia bizantina, llegada por los contactos con oriente. Las catedrales presentan 1única y ancha nave cubierta con hileras de cúpulas, fachadas muy decoradas con arquerías ciegas y esculturas, remates en las torres con forma cónica y cubiertos de formas escamosas y algunos casos, planta de cruz griega. NUESTRA SEÑORA LA GRANDE DE POITIERS y SAINT-FRONT DE PERIGUEUX,.

2.- INGLATERRA.: se hacen catedrales muy largas, con crucero muy marcado. Las bóvedas son muy altas, y los muros más abiertos. principales construcciones son las catedrales de DURHA

3.- ITALIA.: Románico italiano referimos a lo que se hace en la región de la Lombardía, donde se llega a crear casi un estilo propio, el Románico Lombardo” con fuerte influencia en España a través del románico catalán.

Estas obras, en la disposición de sus fachadas, tan cercanas geográficamente. Muy características son también sus altas torres, aisladas o adosadas, y su decoración, formada por arquillos y bandas lombardas, se rastrean ya en algunas construcciones de finales del siglo X CATEDRAL DE MÓDENA y,recogiendo todas estas formas pero con un acabado +lujoso, el CONJUNTO MONUMENTAL DE PISA.

Pisa excepcional conjunto admirablemente conservado, según el eje este-oeste: campanile, catedral y baptisterio. La catedral fue consagrada en 1118, no estaba terminada xcompleto, La planta es de cruz latina con cinco naves en el eje principal y tres en el transepto. El alzado presenta tres niveles: columnas con capiteles corintios que sostienen los arcos formeros, tribuna y ventanales altos. La cubierta era de armadura de madera. En la fachada se advierte un tipo de ornamentación característica del románico italiano: la trepanación del muro de la fachada por una sucesión de arcadas sostenidas por columnas a modo de galerías porticadas. La composición ornamental a base de fajas de mármol policromo, mosaico y arquerías ciegas dan al conjunto un efecto visual de gran armonía estética, lejos ya de la rusticidad._ El baptisterio sigue en su planta circular el modelo de las construcciones italianas. Comenzado en 1153, se terminó en el siglo XIV, los remates y pináculos góticos. Su exterior sigue el modelo italiano de decoración, empleo de mármoles blancos que revisten el muro y arquerías ciegas de influencia lombarda._ La famosa “Torre Inclinada” es el campanario de la catedral. Se comenzó en 1173, las obras fueron lentas y se interrumpieron al detectarse la inclinación que sufría. Tiene el mismo tipo de decoración que la catedral. 55 mts de altura y 16 de diámetro.

4.- ALEMANIA:Introducción tardía del estilo (siglo XIII). Por el carácter imperial y militar de la zona, se desarrollan unas formas propias que desembocan en las llamadas “Iglesias-fortaleza”, construcciones religiosas recuerdan las formas de los edificios militares. Presentan torres pareadas en la cabecera y en los pies, ábsides muy desarrollados, y decoración de arcos y franjas lombardas, pero +grandes que en Italia. En algunos templos aparece ábside. La mayoría presentan ya bóveda de arista._ Destacan las catedrales de SPIRA, WORNS, y LOS SANTOS APÓSTOLES.

5.- ARQUITECTURA ROMÁNICA ESPAÑOLA.:mitad norte peninsular, ste arte importado, penetra x2 vías:

A) Cataluña, con mayor influencia lombarda.

B) Camino de Santiago, con influencia francesa.

En el románico español se aprecian fuertes influencias prerrománicas, algunas musulmanas.

CAMINO DE SANTIAGO.:2ºtercio del siglo XI. destaca las criptas de San Isidoro de León y Leyre.

Las construcciones del siglo XI culminan con la Catedral de Santiago de Compostela. Muy desfigurada en su exterior por múltiples añadidos posteriores, planta modelo perfecto de planta de peregrinación. Presenta tres naves (separadas entre sí por pilares con columnas adosadas), un crucero muy marcado con tres naves y cuatro ábsides, y su correspondiente portada en cada brazo, y cinco ábsides en la girola. La nave central se cubre con una impresionante bóveda de cañón con arcos fajones, y las laterales, con bóvedas de arista. Destacar su impresionante tribuna, que recorre toda la iglesia, y que se cubre con bóveda de cuarto de esfera. Se abre a la nave central mediante dobles arcos de medio punto separados por columnas._ Construcción entre el 1075 y el 1105_ En el siglo XII se multiplican las construcciones en el Camino y en sus provincias aledañas. Podemos destacar, por regiones:

NAVARRA: curioso grupo de edificios de planta centralizada,cnlaforma de la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén: Santa María de Eunate

ARAGÓN: destacar el Monasterio de San Juan de la Peña, interesante x sus muestras de escultura y su localización geográfica.

CASTILLA: la región con mayor número de obras románicas. en las provincias de Burgos, Palencia, Soria y Santander,iglesias de una sola nave, a menudo con campanario y pórtico. área geográfica, obras de mayor envergadura, los Monasterios de Santo Domingo de Silos y San Pedro de Arlanza, en Soria, la iglesia de Santo Domingo y el claustro del monasterio de San Juan de Duero, mezcla de arcos de origen musulmán._ En la zona occidental de Castilla destacan 3construcciones, por su mayor tamaño y por su influencia bizantina. se trata de la Colegiata de Toro y de las Catedrales de Zamora y Vieja de Salamanca. presentan impresionantes cimborrios con decoración escamada. tienen tres naves y crucero no demasiado resaltado._ Más al sur, conjunto de iglesias románicas de la ciudad. Todas, menos la última, presenta planta de cruz latina con tres naves y tres ábsides, pórtico y campanario de influencia lombarda. La más destacada, San Esteban, por su campanario de 5pisos, alto basamento y con ventanas en aumento según se gana altura.

CATALUÑA: siglo XI, como la Seu de Urgell o el Monasterio de Ripoll, es en el siglo XII cuando el estilo alcanza aquí todo su esplendor. Se realizan gran número de edificios, con una marcada influencia lombarda,aparecen impresionantes muestras de escultura y pintura al fresco._ Destacan las iglesias del valle del Boí (Lleida en el XI en su mayoría y acabadas, destacan las dos iglesias de Tahull, San Clemente y Santa María, muy similares entre si. Son de pequeño tamaño, realizadas con aparejo rústico, con estructura de tres naves y tres ábsides, y un gran campanario con influencia lombarda, perceptible también en las cabeceras. en su interior mejores muestras de pintura al fresco de todo el románico.

1.- ESCULTURA.La escultura es el arte figurativo más importante del periodo.

Se realiza más relieve que escultura exenta, siempre aparece subordinado al marco arquitectónico, dando lugar a portadas monumentales y claustros historiados. Esta subordinación provoca la aparición de cantidad de figuras y que muchas figuras aparezcan con formas irreales._ Se trata de una escultura con carácter narrativo y didáctico, mostrar en imágenes las Historias Sagradas, para un pueblo que no sabe leer. Buscan la fácil comprensión de las escenas. Son figuras antinaturales: interesa más la expresividad. Los rasgos arcaizantes serían: figuras rígidas, poca expresión en los rostros, falta de volumen y perspectiva, mayor importancia de las telas que de los cuerpos._En el siglo XII, aumenta el número de figuras y la altura del relieve.

La gran portada románica: Aparecen en Francia y en España. Se trata de puertas formadas por arcos de medio punto abocinados que se denominan arquivoltas. Los laterales de la puerta serían las jambas. El tímpano es el espacio semicircular que queda entre las arquivoltas y el dintel de la puerta. dentro de esta estructura la puerta tiene dos aberturas, la vertical que las divide se denomina parteluz.temas que aparecen decorando:

• En el tímpano, la representación del Juicio Final o del Tetramorfos (Cristo-Majestad con las representación simbólicas de los cuatro evangelistas. Otros temas, la Anunciación o representaciones de la vida de Cristo son menos frecuentes.

• Jambas se pueden situar esculturas de personajes relacionados con la

• Parteluz aparece el patrono/a de la Iglesia, o el obispo relacionado con su construcción.

• Arquivoltas, personajes santos o decoración con molduras.

En Francia, las portadas se sitúan en las Catedrales de Santa María Magdalena de Vezelay ( Cristo con los Apóstoles), Saint, Santa Fe de Conques (Juicio Final

En España destacan las dos portadas de la Catedral de Santiago de Compostela

El claustro historiado: Los claustros en monasterios, iglesias y catedrales. Estructura cuadrada o rectangular, con los laterales cubiertos y abiertos al espacio central mediante columnas, de poca altura, pareadas que sustentan arcos de medio punto. La decoración escultórica aparece en los capiteles, a veces, en las paredes interiores. Los temas suelen ser bíblicos y religiosos, a menudo aparecen representaciones fantásticas, de seres irreales y decoraciones vegetales y geométricas._ El claustro al ser un espacio privado de las congregaciones religiosas, hay menos preocupación por la didáctica y más por la belleza formal._ En Francia, destaca los claustros de Moissac y San Pedro de Arlés. En España, el del Monasterio de Santo Domingo de Silos._ El claustro de Silos, entre siglos XI y XII, presenta, en los capiteles, decoración geométrica, religiosa y fantástica; su calidad, alta. lo +destacado son una serie de placas rectangulares adosadas a la parte interior de la arquería, que van repasando diferentes escenas de la vida de Jesús. Presentan todavía numerosos defectos técnicos (pobre estudio anatómico), magnífico conjunto del que destacan las escenas de Cristo y los discípulos de Emaus, El Santo Entierro,La Duda de Santo Tomás.

La escultura de bulto redondo: Escasa y muy repetitiva en sus temas. Aparecen tres representaciones:

• El Cristo crucificado, muy rígido, poco expresivo y con pobre estudio anatómico. El Cristo románico es el único que aparece sujeto a la cruz por cuatro clavos (pies separados

• Descendimiento dla cruz, carct similars al anterior

• La Virgen - Trono. Kiriotissa, se presenta a la Virgen, bastante inexpresiva, como mero soporte para sujetar al niño. No hay relación entre madre e hijo.

El material utilizado suele ser la piedra o la madera, generalmente policromadas.

- PINTURA: Prte de las características generales citadas para la escultura son aplicables a la pintura. Ambas comparten el carácter didáctico de las representaciones. Como características citar:

• Se suelen utilizar colores puros

• Estas manchas cromáticas se separan por un dibujo grueso, normalmnt negro.

• Las figuras se recortan sobre un fondo monocromo o en franjas horizontales de varios tonos.

• No hay estudios de luz. Aunque también hay pintura sobre tabla, las muestras más destacadas se realizan al fresco.

Escuela catalana.- destacan las dos iglesias de Tahull, la temática es fija. En el ábside se sitúa el Cristo Majestad (Pantocrator) o la Virgen Trono, con un carácter grandioso, más simbólico que narrativo. En los muros laterales aparecen representaciones de distintos pasajes del Antiguo Testamento. Como pintura de tabla.

PINTURAS DE SAN CLEMENTE DE TAHULL: conjunto magníficamente conservado, expuesto en el Museo. Pintura mural realizada el fresco con retoques al temple. Su cronología es discutida._ El tema central de la composición es el Pantocrator con el Tetramorfos, acompañado de la Virgen y algunos apóstoles; en las claves de los dos arcos preabsidiales aparecen representaciones de la Mano de Dios y del Agnus Dei. El conjunto responde a la tradición bizantina, los ábsides se reservaban a las visiones de Dios según los textos de Ezequiel. Esta “Maiestas Domini” responde habitual de representación de Cristo entronizado, actitud de bendecir con la mano derecha, y sosteniendo un libro con la izquierda. La figura está enmarcada en una mandorla. El prototipo humano es el oriental, un Cristo de edad, con larga cabellera y barba. Es el Pantocrator, Dios Todopoderoso, tema de origen bizantino muy difundido en Occidente en la época, suele presidir los ábsides y portadas de los templos. en Occidente se le representa de cuerpo entero y en actitud sedente. El Cronocrátor indicado por la inclusión de la primera y última letras del alfabeto griego, alfa y omega._ A ambos lados de la mandorla tenemos el “Tetramorfos”, ls símbolos de los Cuatro Evangelistas: en la parte inferior, el toro y el león (Lucas Marcos), sostenidos por dos ángeles. En la parte superior, dos ángeles de cuerpo entero, uno Mateo y sosteniendo un águila símbolo de Juan. La escena se cierra por los lados con dos serafines,dos alas se cubren los ojos; todas ellas están llenas de ojos, simbolizando la plenitud de conocimiento del Cristo Juez.

Escuela Castellana: Presenta mayor originalidad que la catalana en cuanto a temas y representaciones. Las figuras dan menor sensación de grandeza y las escenas resultan más narrativas. Las muestras son muy abundantes, destacando:

• San Baudilio de Berlanga,representaciones de cacerías.

• Veracruz de Maderuelo

• San Isidoro de León. En la cripta se conserva el mejor conjunto de pintura románica de la península. 6bóvedas que la cubren, siendo la escena principal una Anunciación a los pastores con un carácter muy bucólico, muy detallista, y cierta relación entre los personajes.

TEMA 11. EL ARTE GÓTICO.

nace en Francia a finales del siglo XII y se desarrolla hasta comienzos del XVI. S aceptación no fue igual en toda Europa.

El nombre “gótico” la fue adjudicado en el Renacimiento, al considerarlo “el arte de los godos”, (considerandoque había aparecido en Alemania), el artede pueblos incultos y bárbaros.El estilo será apreciado en todo su valor en el siglo XIX.

El origen del estilo hay que buscarlo en la aparición de un hombre, una mentalidad y una sociedad nuevos que buscan un arte también nuevo. Los principales factores:

A) La transformación social.- El mundo feudal y rural sustituido por el renacimiento de las ciudades. La clase social predominante es la burguesía, estos van a impulsar un estilo que se corresponde mejor a sus necesidades: urbano y más secularizado. de su carácter urbano depende que las construcciones aparezcan en las ciudades. El gran símbolo de estas ciudades emergentes va a ser la catedral, como demostración de su prestigio y su poder, cada ciudad intente construir la catedral más grande y +alta (gran símbolo del estilo).

B) Las transformaciones culturales.- se de más importancia a las sensaciones, al mundo de lo real. se tenderá cada vez más al naturalismo en el mundo de la plástica y al cálculo y la planificación en arquitectura.

Recupera el humanismo griego,ahora se va a considerar al cuerpo como una de las maravillosas creaciones de Dios, algo que hay que respetar.

C) El culto a la personalidad.- rasgo de la unión de los anteriores. El nuevo burgués, amparado por las ideas del incipiente humanismo, va a intentar aparecer como un ser individualizado. Este individualismo trae dos variantes importantes para el arte: la aparición del retrato y la aparición de artistas conocidos (el artista firma su obra porque también desea perdurar).

2.- ARQUITECTURA.- CARACT.

los elementos que intervienen en el edificio, y en la catedral, están encaminados a conseguir la altura de ésta. los arcos, se sustituye el de medio punto por el apuntado, más esbelto, seguroy más decorativo.El estilo tienda a introducir mayor decoración, se utilizarán también el arco lancetado (a partir de mediados del XIII), el apuntado trebolado (con tracería en forma de trébol en su interior), y, a partir del siglo XV, el conopial y el carpanel. Este último, es menos resistente, por lo que se utiliza preferentemente para decorar. El conopial está compuesto por dos curvas interiores y dos exteriores, y también se utiliza con fines decorativos._La bóveda de medio cañón románica se sustituye por la de crucería u ojival, elementos clave del sistema de sujeción de las catedrales. Esta bóveda está formada por dos arcos apuntados (“nervios”) que se cruzan en diagonal, y que constituyen el esqueleto; el resto del espacio se rellena con plementería ligera. El peso de esta bóveda, recae en los cuatro puntos de arranque de los nervios, conectados con pilares compuestos. permite elevar la bóveda tolo q se quiera, 1bóveda que se adapta a cualquier tipo de planta. Para el espacio del crucero se siguen utilizando cúpulas, que se siguen manifestando al exterior mediante el cimborrio, tiende a ser más esbelto que en el románico._ Con este nuevo sistema de sujeción de la bóveda, el pilar compuesto se convierte en el principal elemento sustentante. El muro, pierde esa función y pasa a ser 1elemento de cerramiento de los edificios. En él se abren grandes vanos que se cubren con uno de los elementos decorativos más importantes del estilo: la vidriera. tampoco hay pintura al fresco.

El otro gran elemento sustentante de estas catedrales es el conjunto de arbotantes. serían unos tirantes que aparecen en el exterior del edificio, arrancando de la base de las bóvedas, se comunican con contrafuertes externos, llevando parte del peso de la bóveda. Los arbotantes ocupan el espacio que deja libre en el exterior la diferencia de altura entre las nave central y las laterales

Todos los elementos sustentantes aparecen en el exterior del edificio, permite crear unos interiores, elevados, amplios, diáfanos, y con una gran claridad._Otro elemento característico, es el pináculo, elementos con forma de cono que se sitúan sobre los contrafuertes o en otras zonas del exterior._ las plantas de las catedrales, se parte de la románica, siendo longitudinal y con transeptoy se aleja de la cabecera permitiendo que las naves se prolonguen en ésta. Se mantiene la cabecera, con girola y capillas. Esta planta se divide en naves 3-5_ En alzado, dos modelos: el del gótico clásico, con la nave central mucho más elevada que las laterales, y el del gótico mediterráneo, con las tres naves a la misma altura. La nave central se divide en tres alturas: arcadas, triforio, claristorio._la estructuración de las fachadas, presentan 2altas torres en las esquinas, portada monumental, división en varios pisos con ventanas y esculturas (destaca una fila de esculturas situada sobre la puerta, “Galería Real”, y un granrosetón, en el centro. Un elemento decorativo es el gablete, terminación triangular se sitúa sobre puertas, ventanas, etc. Las zonas más destacadas se policromaban, la pintura se ha perdido.

2.-2.- FRANCIA: Los inicios en la reforma que se realiza de la abadía de Saint-Denis. Obra del Abad Suger, esta reforma material va ligada a la reforma espiritual, buscando mayor pureza y austeridad. se realice un edificio sin apenas decoración, buscando la pureza de líneas. preocupación por la arquitectura la que abrirá los caminos, zona al norte de París, nacerá. Sin ser gótica, ya aporta elementos que serán característicos como el arco apuntado, bóvedas de crucería, y el rosetón._ la segunda mitad del siglo XII construcción de las catedrales de Noyon, Laón, Notre-Dame de París (1163 - siglo XIII). Se las considera protogóticas por mantener aún algunos rasgos románicos, como la tribuna o una cierta tendencia a la horizontalidad.

Notre-Dame de París, con una gran planta de salón de cinco naves más dos de capillas. La fachada, enmarcada por dos grandes torres, presenta sin embargo sólo tres puertas, estando decorada la central por el tema del Juicio Universal. Encima de esta portada monumental, y por debajo del rosetón, aparece la llamada “Galería Real”, una sucesión de esculturas bajo arcos que representan a los reyes de Judá. siendo una de las catedrales más famosas del mundo, el edificio que contemplamos hoy es +del siglo XIX que gótico, ya que llega a este momento en un estado de ruina. Se opta por restaurarlo, pero las obras que se realizan son más una reconstrucción, la mayor parte de los elementos decorativos son nuevos.

El siglo XIII entrada dl gótico clásico, triunfo de la verticalidad absoluta. 4catedrales francesas: Chartres, Amiens y Reims. modelo común:

• Fachada con tres puertas, rematada por un gran rosetón y flanqueada por dos torres.

• Crucero poco destacado en planta y que se abre al exterior por tres puertas en cada brazo.

• Cimborrio muy destacado y coronado por una gran aguja.

• Gran riqueza en las vidrieras.

Lasegunda mitad del siglo XIII y el siglo XIVcorresponden al periodo del gótico radiante, mayor importancia a la decoración. la catedral de Estrasburgo, la Saint Chapelle de París, total ausencia de muro, en el piso superior.

Esta tendencia a aumentar la decoración tendrá su culminación en el gótico flamígero, entre finales del siglo XIV e inicios del XVI. Sin nuevas aportaciones técnicas, los elementos decorativos se complican enormemente: multiplican los arcos conopiales, las tracerías, las bóvedas con múltiples nervios, etc.

2.3.- ALEMANIA.:Lo más destacable su extraordinaria altura. Destacan las catedrales de Colonia y Ulm, con planta de salón.

2.4.- ITALIA: poco éxito, arquitectura más ligada al románico ola tradición clásica.

Alcanza una mayor importancia el gótico civil

Rasgos específicos del estilo en esta zona serían:

- Utilización del arco de medio punto oigeramente apuntado.

- Ausencia de arbotantes.

- Ventanales pequeños

- Policromía mediante mármoles de colores.

- Importancia de los detalles y los adornos geométricos (gabletes).

- Predominio de la horizontalidad.

Ejde edificios religiosos:- Catedral de Milán /- Catedral de Orvieto/ Catedral de Florencia,destaca la riqueza de sus mármoles y el “Campanile”. La cúpula.

- Santa Cruz (Florencia). El interior es amplio y sencillo, destacando las pinturas al fresco y las tumbas de italianos ilustres

- Catedral de Siena (1322 Destaca su extraordinaria riqueza en mármoles policromados y la profusa decoración de esculturas.

Ej de edificios civiles:- Palacio Comunal de Siena.- sede del gobierno de la ciudad, presenta junto a la fachada la Torre del Mangia, pinturas al fresco.

- Palacio de la Señoría o Palacio Vecchio (Florencia).- sede al gobierno de la República.- Palacio de San Marcos . - Casa de oro

2.6.- ARQUITECTURA GÓTICA ESPAÑOLA.

2.6.1.- Protogótico (finales siglo XII-principios XIII):Se introducen los modelos cistercienses. Se realizan obras que aún no son góticas pero que ya presentan ciertos rasgos del estilo. Ej:las Catedrales de Tarragona, Cuenca, Sigüenzay Ávila.

2.6.2.- Gótico Clásico (siglo XIII).

Entrada de las más puras formas francesas, con lo que se van a conseguir las catedrales de mayor calidad:

- BURGOS.- Se comienza en 1221, sobre una románica de 1077; fue consagrada en 1260. Se le realizan añadidos hasta el siglo XVI, incluyendo sus característicos chapiteles, que son del XV, y el frontón que en la fachada principal ocupa el sitio teórico de la portada monumental, del XVI. Ha sido recientemente restaurada.

Presenta planta de cruz latina, con tres naves y girola, y el crucero muy largo, aunque de una sola nave; mantiene tribuna. Presenta una gran cúpula en el crucero, cubierta por un bellísimo cimborrio del siglo XV. La fachada se divide en tres cuerpos y tres naves, careciendo de portada monumental (la puerta principal es del siglo XVI).

- LEÓN.- Se inicia en 1255 y se acaba en el siglo XV; fue restaurada en el XIX.. A pesar del largo tiempo que se emplea en su construcción, es la más clásica, la más “francesa” de las catedrales españolas, (su primer arquitecto, un tal Enrique, francés casi con total seguridad, parece familiarizado con las catedrales de Amiens y Reims) y la que presenta menos añadidos de estilos posteriores. Planta de cruz latina con tres naves. Sus vidrieras son las mayores de España.

- TOLEDO.-Comenzada en 1226; las naves laterales, el claustro y las torres son del siglo XIV; la fachada, del XV. Parece la única de las tres clásicas debida ya a un arquitecto español.

Planta de salón con 5 naves más dos de capillas, y doble girola. Magníficas vidrieras. Conserva en su interior importantísimas colecciones de escultura, tapices, reliquias, etc.

2.6.3.- Siglo XIV.

El siglo es el gran momento del Gótico Mediterráneo, que presenta una serie de características propias:

- Preocupación por lograr grandes espacios, por lo que utiliza la planta de salón; en alzado, una sola nave o tres prácticamente de igual altura.

- Mayor importancia del muro; aparecen menos vidrieras, pero son muy característicos los grandes rosetones.

- Exteriores sobrios.

Ejemplos:

- Catedral de Barcelona.-1298- siglo XV; fachada del siglo XIX. Planta de salón con tres naves (prácticamente de la misma altura), girola y múltiples capillas. Presenta dos torres sobre los brazos del crucero. El cimborrio, de forma excepcional, se levanta a los pies de la iglesia. A diferencia de lo que ocurre en las catedrales castellanas, donde es fácil rastrear nombres de arquitectos franceses, parece que todos los que participaron aquí en la construcción eran catalanes.

- Basílica de Santa María del Mar(Barcelona). 1332. Obra también de un catalán, Berenguer de Montagut, es quizá la obra que mejor representa el espíritu del gótico mediterráneo. En el exterior, predominio de los muros sobre las vidrieras; en el interior, una espléndida sala dividida en tres naves prácticamente de la misma altura

- Catedral de Gerona. Se inicia a finales del siglo XIII, pero en realidad su aspecto actual data de una reforma efectuada en el siglo XV. Esta reforma le confiere una estructura única en el gótico. La cabecera presenta la forma habitual, con girola, que teóricamente debería prolongarse en tres naves en la zona central. Sin embargo, esta zona está formada por una sola y gigantesca nave, la más ancha realizada en estilo gótico, toda ella cubierta por una única bóveda de 23 metros de ancho y 50 de largo.

- Catedral de Palma de Mallorca. 1310. En esta si aparecen los elementos típicos del gótico clásico, aunque, en ocasiones, reinterpretados. Su nave central es muy alta (44 metros, más que las clásicas francesas), y está bordeada por dos más bajas, de capillas. Como novedad, presenta cabecera plana, ocupada por una gran capilla rectangular, sobre la que se abre un rosetón igual al de la fachada.

- Catedral de Valencia.- Aunque está muy desfigurada en su interior por múltiples añadidos barrocos, mantiene la planta gótica de tres naves con girola y crucero reducido. Lo más característicamente gótico se conserva en el exterior, donde destaca su campanario, el famoso “Miquelet”, una torre octogonal decorada en su parte superior con ventanas, gabletes y pináculos.

- Lonjas de Valencia, Barcelona y Palma de Mallorca (ésta, del XV). Estos edificios, típicos de la zona mediterránea, se conciben como el espacio para las transacciones comerciales y asuntos jurídicos. Las de Valencia y Palma se conservan intactas, mientras que de la de Barcelona sólo se mantiene su gran salón central, enclavado en la actualidad en un edificio neoclásico.

2.6.4.- Siglo XV: En 1402 se inicia la construcción de la Catedral de Sevilla. Se edifica sobre el solar de la antigua mezquita, de la que conserva el alminar como campanario. Presenta una gran planta de salón con 5 naves a diferente altura, y cabecera plana.decoración muy rica._ A finales del siglo se desarrolla el Gótico Isabelino o Flamígero, estilo muy decorativo llega por influencia de los Países Bajos,. obras destacadas son el Monasterio de San Juan de los Reyesy San Gregorio.

2.6.5.- Siglo XVI: Se realizan obras con influencias renacentistas, sobre todo en la decoración. Destacan la Catedral Nueva de Salamanca, y la Catedral de Segovia.

3.- ESCULTURA.

Toma un gran auge la escultura exenta, así como la escultura funeraria. esta escultura suele policromarse.

Dentro de los edificios, y en forma de relieve, aparece en los mismos lugares que en la etapa anterior (portadas monumentales y claustros). Empieza a aparecer en retablos y coros. cuando se utiliza para decorar el edificio, las figuras parecen poder independizarse. CARACT:

• mayor grado de realismo: se humanizan las figuras, buscando realismo y expresividad.

• Se buscaemocionar al espectador, gustan los temas “fuertes”; gana importancia la figura de la Virgen.

• escultura de carácter narrativo, en la que predominan los temas religiosos; en el siglo XV, empiezan a aparecer temas paganos, llegándose a representar temas eróticos e incluso obscenos.

• Se tiende a figuras esbeltas, que describen curvas y contracurvas. Este gusto por las formas sinuosas se percibe en el tratamiento que se suele dar a los ropajes.

• El relieve, en sus inicios sigue siendo muy plano, pero en el siglo XV se empieza un tema nuevo: se trata del paisaje;crecerá la preocupación por representar volúmenes y unos primeros intentos de perspectiva.

• Cristo y la Virgen, se mantiene, pero con variantes. Cristo mucho más humanizado. La Virgen, representada joven, aparecerá de pie o sentada, siempre con el Niño en su rodilla o brazo izquierdos. En los primeros años, la Virgen aparecerá aún con un gran manto, y sin corona, pero desde mediados del siglo XIII se cubre la cabeza con una toca y una corona.

3. 1.- FRANCIA: Destacan las portadas de las grandes catedrales: Portada Real de Chartres, portadas de París, Amiens, Reims).

En el siglo XIV se desarrolla una importante escultura sepulcral, con 2variantes:

- Sepulcro aislado, cuando son tumbas de Reyes

- Sepulcro adosado al muro y bajo un arcosalio.

El difunto se puede representar vivo o muerto, siempre con su vestimenta

3.2.- ESPAÑA: No aparecen en España formas de transición: parece que muchas de las primeras muestras son obras de artistas franceses, que traen el estilo ya evolucionado.

3.3.1.- Siglo XIII:Destacan las portadas de las Catedrales de Burgos y León.

- Burgos: Puerta del Sarmental, Puerta de la Coronería

- León: Portada principal, Puerta de San Francisco

3.3.2.- Siglo XIV.: destacan las tres de la fachada principal._ La catedral presenta muestras escultóricas en el interior, en forma de sepulcros. Destacan el del Cardenal Gil de Albornoz y el del arzobispo Pedro Tenorio

3.3.3.- Siglo XV: Piezas muy decoradas, en consonancia con el gótico isabelino. Destaca el sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal, formado por un túmulo independiente en forma de estrella de 8puntas

4- PINTURA.

Decae la pintura al fresco en beneficio de la vidriera y de la pintura sobre tabla.

No importar la perspectiva: es muy frecuente la utilización de fondos dorados y la aparición de las figuras en filas horizontales._ Es importante el dibujo, muy sinuoso.

Temas predominantemente religiosos. 2grndes consideraciones:

- en Italia, desde fechas muy tempranas, la pintura entra en el Renacimiento.

- en los Países bajos y Alemania, en el siglo XV, surge la Escuela Flamenca, con unas características completamente diferentes, más avanzada y formando un estilo propio

4.1.- PINTURA ITALIANA DEL SIGLO XIV (“TRECENTO”).

Es fácil rastrear una fuerte influencia bizantina, debida a la presencia de los mosaicos de Rávena. creando una nueva forma de pintar que se constituye en antecedente directo del Renacimiento.

Se desarrollan 2escuelas: ESCUELAS DE FLORENCIA y SIENA. En ambas se dan grandes avances, aparecen los primeros intentos de perspectiva. Se trabaja pintura al fresco y sobre tabla._ El principal autor es GIOTTO (E Florencia), gran iniciador de la pintura moderna, consigue:

- Mejores estudios anatómicos.

- Representación de estados anímicos.

- Buenos estudios de luz.

- Iniciales estudios de perspectiva.

- Figuras muy grandes, con volumen.

Sobre tabla, recoge el tema de la Virgen entronizada.

4.2.- PINTURA EUROPEA DEL SIGLO XV. En Italia, en el siglo XV se desarrolla ya el pleno Renacimiento. Es este el momento, de una de las escuelas de pintura más novedosas: la ESCUELA DE LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS.CARACT.

- La principal, es la invención de la NUEVA TÉCNICA DEL ÓLEO, aplicado sobre tabla. El óleo se puede retocar (permite detallismo), admite capas superpuestas de pintura y da mayor precisión al dibujo.

- Son obras de pequeño tamaño, pensadas para hogares burgueses.

- Es un arte de carácter mayoritariamente civil. Como arte religioso, se realizan trípticos o figuras de Vírgenes con donante

- extraordinaria minuciosidad, lleva a realizar escenas a escala diminuta.

- Exige que haya un alto grado de realismo y naturalismo.

- Gusto por el paisaje y los fondos arquitectónicos.

- Colores ricos y variados, aunque algo planos.

- Cierto arcaísmo en el tratamiento de las telas; los pliegues resultan algo rígidos

AUTORES.

- HUMBERTO y JAN VAN EYCK. (Primer tercio siglo XV).

Los hermanos Van Eyck son los iniciadores y una de las cumbres del estilo. Aunque tradicionalmente se ha considerado que la mayoría de sus obras habían sido realizadas en colaboración entre ambos hermanos, en la actualidad se adjudica la autoría de casi todas a Jan, considerando a Humberto sólo un colaborador ocasional. De hecho, Jan vio reconocido su prestigio y su calidad al ser nombrado en 1425 “Varlet de chambre” (ayudante de cámara) del Duque Felipe el Bueno de Borgoña, lo que en la práctica le convertía en pintor de cámara. Los Van Eyck gozan de una magnífica técnica, muy depurada, elegante, lo que les permite crear ambientes llenos de detalles, con una luz suave, y en los que el estudio de la perspectiva está siempre presente. Entre sus obras principales cabe citar: el Políptico del Cordero Místico, El matrimonio Arnolfini, Virgen del Canciller Rollín, Virgen del Canónigo Van der Paele, así como múltiples retratos: Nícola Albergati, margarita Van Eyck, El hombre del turbante (posible autorretarto de Jan van Eyck), Hombre con tocado verde...

- Políptico de Cordero Místico (Iglesia de San Bavón, Gante). 1432.- Esta magnífica obra fue encargada por Joos Vijd, un importante burgués de Gante, quien aparece retratado en ella, así como su mujer. La obra, de grandes dimensiones, (3,50 x 4,60 abierto) está formada por 20 tablas de roble, 8 de las cuales (las de los extremos) están pintadas por ambas caras; en el marco presenta una inscripción que nos indica la fecha de su consagración en la Iglesia (6 de mayo de 1432), así como que fue iniciado por Humberto van Eyck y acabado por su hermano Jan (lo cual ha traído graves problemas con la autoría)._ El políptico nos muestra, cuando está cerrado, dos grandes partes: en la superior se desarrolla una escena de la Anunciación, situada en una habitación burguesa de la época, al fondo de la cual se abren unos ventanales por los que es posible apreciar el paisaje urbano de la ciudad. En la parte inferior, en las esquinas, aparecen los retratos arrodillados de los donantes, y en el centro, la representación de dos estatuas: San Juan Bautista, patrono de Gante y que lleva en brazos al Agnus dei o Cordero de Dios (en relación con el tema que se trata en la parte interior de la obra) y San Juan Evangelista, también relacionado con el tema interior, por cuanto, como autor del Apocalipsis, fue el revelador de la visión del Cordero Místico. Todo el conjunto exterior se corona con unas superficies semicirculares en las que aparecen los profetas Zacarías y Miqueas y las sibilas Eritrea y Cumana._ El políptico, abierto, nos muestra una prácticamente incontable sucesión de figuras divididas en dos grandes franjas horizontales. La superior está presidida por el Todopoderoso, situado en el centro, y que presenta una curiosa mezcla de rasgos de Dios y de Jesucristo; a su lado, la Virgen (representada como una mujer joven y bella) y San Juan Bautista. A continuación, ya en las tablas laterales, coros de ángeles cantores y músicos (ángeles adolescentes),y, cerrando esta franja, la figuras desnudas de Adán y Eva._ La franja inferior nos muestra, en el centro, la escena de la Adoración del Cordero, que se halla situado sobre un altar, vertiendo su sangre en un cáliz, y rodeado por ángeles, algunos de los cuales portan instrumentos relacionados con la Pasión. Delante está la Fuente de la Vida, de la que mana un riachuelo con piedras preciosas. A ambos lados de la fuente se sitúan los Profetas y los Apóstoles, y, en torno a éstos, procesiones de patriarcas, eclesiásticos y santas. En las tablas laterales aparecen procesiones con múltiples personajes representando a diferentes estamentos que también se integran a la Adoración: los caballeros de Cristo, los Ermitaños, los Peregrinos y los Jueces Justos (esta última tabla es una copia que sustituye a la original, robada en 1934).

- El matrimonio Arnolfini (1434, National Gallery, Londres. 0,820 x 0,595 mts.).- Sin duda, una de las obras más sobresalientes de Jan Van Eyck. El tema (retrato doble de cuerpo entero) es bastante extraño en la pintura europea. Los personajes son Giovanni Arnolfini, comerciante italiano residente en Brujas, donde dirigía la filial de la casa Marco Guidecon, de Lucca (y de quien van Eyck pintó también un retrato de medio cuerpo en 1438 que se encuentra en el Museo de Berlín-Dahlem) y su esposa Giovanna Cenami, hija de un mercader del mismo origen. El cuadro viene a ser como un certificado de matrimonio en forma visual. Arnolfini toma a su esposa de la mano y hace solemnemente el voto nupcial, levantando el antebrazo (este gesto y el juramento del prometido tenían carácter legal). Ella recoge su vestido delante del cuerpo, formando un abombamiento que hace parecer que está embarazada; parece que se trata de un gesto ritual, que indica una promesa de fertilidad. La vela encendida de la lámpara cuando es de día, el hecho de que Arnolfini se haya descalzado (y la mujer también debe haberlo hecho, pues al fondo de la habitación se ven sus rojos zapatos), patentizan el carácter sagrado de la ceremonia (los personajes descalzos parecen relacionarse con un texto de Moises - Exodo III, 5: “Quita las sandalias de tus pies, pues el lugar en el que estás es Tierra Santa”-).

La firma, por su posición, su redacción y su traza, es excepcional: situada en la pared del fondo, perfectamente visible, y realizada en rica caligrafía, dice “Johannes de eyck fuit hic/1434”; fuit hic, “estuvo aquí”, es el testimonio de un testigo. Bajo la firma, un espejo redondo refleja en una reducida imagen de portentosa precisión la escena vista desde atrás, descubriéndonos la presencia de dos personas (una de ellas, sin duda, el propio pintor), que están en la puerta del dormitorio, en una ubicación que prácticamente coincide con la del espectador actual del cuadro. (Jan Van Eyck anticipa aquí lo que serán los magníficos juegos creados con espejos en la pintura Barroca, destacando el logrado en Las Meninas; y no olvidemos que este cuadro perteneció a la colección privada de Felipe IV y que, por tanto, Velázquez debió conocerlo). El espejo es un“speculum sine macula” (sin mancilla), referido a la pureza de la novia, que también después de casada debe ser casta

En el cuadro aparecen otros múltiples elementos que se relacionan con el sentido de su tema central: el perro que aparece a los pies de la pareja es símbolo de fidelidad; aparece una talla de Santa Margarita, protectora de la fertilidad, el salterio que cuelga al lado del espejo hace referencia a la pureza de la Virgen, la vara que cuelga del techo juega, en un sentido pseudoetimológico, con un juego de palabras (virga / virgo), que hace alusión a la virginidad; la vara era también, de forma popular (como “vara de la vida”), un signo de fertilidad, fuerza y salud, razón por la cual se golpeaba con ella ritualmente a la novia, para acrecentar su fertilidad.

- Virgen del Canciller Rollín.(1435, Museo del Louvre, 0,66 x 0,62 mts).- Se trata de una escena de adoración a la Virgen con el Niño por parte del donante de la obra, Nicolás Rollín, abogado, Canciller de Borgoña y de Brabante. Este personaje, procedente de una familia burguesa de Autun (1376?-1462), había sido encargado por Felipe el Bueno de establecer un sistema proto-absolutista, llegando a alcanzar la posición de un notable de alto rango. Se hace retratar vestido con ricos ropajes (un manto pardo de brocado, guarnecido de visón, con un dibujo en forma de granada realizado en hilo de oro); aparece arrodillado, de lado pero no completamente de perfil, sobre un reclinatorio cubierto por un paño color turquesa. Frente a él, la Virgen sostiene al Niño sobre su regazo, mientras éste bendice al canciller. esta cercanía de los personajes sagrados al canciller permite ver en la obra una lectura política, una especie de bendición divina al hombre que domina el país.

La escena se desarrolla en un interior claramente palaciego, que se abre al exterior mediante una “loggia” de tres arcos que comunican con un jardín almenado, más allá del cual se divisa una ciudad. Los relieves aplicados a los elementos arquitectónicos muestran escenas del Antiguo Testamento, como la expulsión del Paraíso, Caín y Abel y la embriaguez de Noé, motivos que se refieren al Pecado Original. El jardín cerrado y con flores -rosas, iris, flores de lís, todas ellas símbolo de la Virgen- aluden al “Jardín cercado” del Cantar de los Cantares (IV,12: “Eres jardín cercado, hermana mía, esposa; eres jardín cercado, fuente sellada”), metáfora que en la Edad Media se aplicaba a la Virgen María. Otro motivo del Paraíso es el pavo real. Sobre el muro miran hacia la ciudad dos hombres; el de la derecha lleva la cabeza cubierta por el mismo tipo de turbante que utilizaba Van Eyck (prueba de ello es el Hombre del turbante de Londres, que se considera un autorretrato).

El paisaje que aparece al fondo, aunque está recogido con total minuciosidad, no es reflejo de un paisaje auténtico. Van Eyck lo compone, idealizado, partiendo de diferentes bosquejos, como “paisaje del mundo”, que incluye un macizo alpino cerrando la composición. El puente que aparece sobre el río, sobre el que transcurre una procesión en la que se porta una cruz (apenas perceptible a simple vista), debe verse en relación con el asesinato del Duque Juan Sin Miedo, padre de Felipe el Bueno, ocurrido el 10-9-1419 en el puente de Montereau. En el Tratado de Arras, que Rolin celebró el 21-9-1435, se dispuso que, en recuerdo de ese asesinato, se erigiera una cruz en dicho puente. El número de años transcurridos desde el asesinato se corresponde con el número de filas de baldosas alineadas en la habitación en la que transcurre la escena principal.

- Virgen del Canónigo Van der Paele (1436, Museo Municipal de Brujas, 1,22 x 1,57 mts.)- También en un interior, pero no abierto hacia afuera (salvo por una pequeña ventana lateral), encontramos a la Virgen con el Niño, entronizada y ocupando el centro de la composición. A sus lados, dos santos, San Donaciano -titular de la iglesia de Brujas para donde se pinto este cuadro- y San Jorge -patrón de Van der Paele, a quien está presentando-. La Virgen mira al canónigo, pero éste no le devuelve la mirada, posiblemente en alusión a que lo que presenciamos es una visión de Van der Paele, y no una escena real. Resulta especialmente destacable el trabajo de detalle en este personaje, tanto en su rostro como en sus manos y en los objetos que porta en éstas.

- ROGER CAMPIN “Maestro de Flemalle” (2º tercio siglo XV).

Roger Campín es posiblemente el gran maestro del detalle, aunque sus figuras resultan más escultóricas, más duras que ls de Van Eyck, y no consigue dotar a sus obras de la atmósfera unificadora que impregnaba las de aquel, sino que más bien se nos muestran como una suma de partes no siempre bien engarzadas entre sí.

Entre sus obras más conocidas se sitúan dos pequeñas tablas que se conservan en el Museo del Prado: “San Juan Bautista y Heinrich Werl” y “Santa Bárbara”, cada una de ellas de 1,01 x 0,47 mts., y que son en realidad los paneles laterales del “Triptico Werl”, hoy perdido. En la primera de las tablas aparece un espejo que se relaciona con el del matrimonio Arnolfini; en la segunda, es especialmente destacable el trabajo de detalle que se aprecia en la ventana del fondo de la habitación, donde se nos muestra una procesión dirigiéndose hacia una torre, símbolo de Santa bárbara, la santa protagonista de la tabla.. También interesante es el “Triptico de la Anunciación” conservado en el Museo Metropolitano de Nueva York, con buenos estudios de objetos de pequeño tamaño pero algunos fallos muy visibles en el tratamiento de la perspectiva. Otras obras suyas son el “Tríptico de Merode” y la “Madonna del fuego”.

- VAN DER WEYDEN (2º tercio XV).

Roger Van der Weyden inicia su carrera como pintor en el taller de Roger Campin, donde trabaja como aprendiz; en 1432 el gremio de pintores le concede el título de Maestro, y en 1436 se le concede el cargo de “Pintor de la Ciudad de Bruselas”. En esta función debía ejecutar encargos municipales, como las pinturas de la Justicia destinadas a la Sala de Audiencias del Ayuntamiento de Bruselas. Junto a esta actividad oficial, el maestro recibió numerosos encargos de retratos de los círculos más distinguidos de la corte borgoñona. Van der Weyden centra sus retratos en reflejar la posición social de los retratados, más que en destacar los más mínimos detalles de su anatomía, como hacía Jan van Eyck. Sus retratos aparecen ligeramente idealizados, con apariencia refinada.

Su obra maestra, sin embargo, es de carácter religioso: el “Descendimiento” del Museo del Prado (1435), una obra de grandes dimensiones (2,20 x2,80) y un marcadísimo carácter dramático. La tabla conservada era la central de un retablo cuyos laterales se han perdido.

Las figuras se nos muestran muy escultóricas en esta representación, muy grandes, llenando todo el espacio y situadas sobre un fondo plano de color dorado. En realidad, la escena está concebida como un gran paso procesional. La composición es sencilla (todas la figuras marcan líneas verticales, a excepción del Cristo muerto y la Virgen, que se nos muestran en diagonal), pero es admirable la riqueza de colores y el tratamiento de los gestos de dolor de los personajes.

Otras obras del autor serían “La Anunciación” (Louvre), el Retrato de Francesco d’Este (Metropolitam), Retrato de Mujer (Galería Nacional de Washington), etc.

- EL BOSCO (finales siglo XV, principios XVI).

Hieronymus Bosch, “El Bosco”, está considerado como uno de los pintores más imaginativos y enigmáticos de la Historia del Arte, aún no completamente interpretado. Dueño de una formidable técnica, demostrada tanto en el trazo como en la aplicación del color, nos muestra, con una gran imaginación, el mundo a través de la farsa, la caricatura y la ironía. La mayor parte de sus obras principales se encuentran en el Museo del Prado: “El carro del heno” la mesa de los “Siete pecados Capitales”, y, sobre todo, el magnífico tríptico del “Jardín de las Delicias”.

Otros autores que cabría citar de esta escuela flamenca son DIRCK BOUTS, discípulo de Van del Weyden, autor de “La última cena” y la “Vida de la Virgen”, y VAN DER GOES , con el “Tríptico Portarini” y “La muerte de la Virgen”.

La tabla central, dedicada a la lujuria desatada, se desarrolla en un paisaje fantástico similar al anterior. Las múltiples figuras que componen la representación parecen divertirse cometiendo todo tipo de pecados, ajenas a cual será el castigo posterior. Todas aparecen desnudas, salvo una, la de Adán (parte inferior derecha), que aparece junto a Eva en la boca de una cueva (según los Evangelios apócrifos, ambos se refugiaron en una cueva al ser expulsados del Paraíso). Muchas de estas figuras están todavía sin interpretar, aunque si aparecen algunos símbolos claros. Por ejemplo, muchas frutas (fresas, cerezas, moras...), proporcionalmente de gran tamaño; la fruta representa el placer carnal (no olvidemos que el pecado original consistió en comer de la fruta prohibida, y que en el lenguaje medieval, la expresión “coger fruta”, equivalía a tener contacto carnal). En el centro de la escena aparece un estanque donde un grupo de mujeres se bañan, rodeadas de jinetes; montar a caballo era una metáfora del acto sexual, y el “baño de Venus” era una frase que se utilizaba con el sentido de “estar enamorado”. Aparecen numerosos animales poblando la escena, entre los que destaca, en el cielo, un curioso cruce entre un caballo y una rapaz, conducido por un hombre que porta un matorral en el que descansa un pájaro rojo. En la imaginación popular, las aves hacen referencia a la lascivia, mientras que el color rojo, recurrente en toda la pintura, está ligada a la simbología alquímica. En la esquina inferior izquierda aparece una pareja en actitud lasciva, rodeada por una burbuja transparente. El motivo de la esfera de vidrio está ligado a los instrumentos de la alquimia, y a la vez se asocia a un provervio flamenco: “la felicidad es como un cristal, se rompe enseguida”. El tubo de cristal insertado en el fruto que hay debajo es un emblema masculino, y el ratón que entra en él, hace referencia a las falsas doctrinas que engañan a los creyentes. Aparecen en la escena algunos hombres y mujeres negros: el negro, en alquimia, hace referencia al primer estado de la materia.