Evolución de la Música: Renacimiento y Barroco

El Renacimiento en la Música

La música renacentista se desarrolló en Europa durante el periodo conocido como Renacimiento, que en términos musicales se extiende aproximadamente desde el año 1430 hasta el 1600. Inicia con los compositores Dunstable y Dufay, quienes explotaron los procedimientos compositivos medievales, pero lo hicieron a través de una nueva estructura musical definida por una armonía en tríadas, unos centros tonales articulados con claridad y con unos fines expresivos nuevos. Otros compositores destacados de este periodo son Ockeghem, Tomás Luis de Victoria y Josquin Desprez.

El estilo más característico de la música renacentista es la polifonía imitativa, en la que las distintas voces comparten los mismos patrones o motivos melódicos, imitándose una a otra como en una fuga. Con el compositor Palestrina, este estilo alcanzó su máxima expresión. Las formas vocales del madrigal y el motete fueron muy utilizadas.

Barroco

El término "barroco" viene del portugués y hace referencia a una perla de forma irregular. Se tomó de la arquitectura, donde significa algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», algo recargado de ornamentos. El Barroco fue un estilo musical que se desarrolló en Europa aproximadamente entre los años 1600 y 1750. Si bien la música entre estas dos fechas tiene rasgos comunes, el comienzo de este periodo está marcado por innovaciones estilísticas y técnicas que permitieron la creación del nuevo género de la ópera. El final del periodo se caracteriza por la aparición de elementos del clasicismo en la música instrumental y en la ópera.

Primeras Óperas

La primera ópera completa en sentido moderno que se conoce es Euridice (1600) de Jacopo Peri y Giulio Caccini. Combinaba una elevada declamación de los solistas con danzas campestres de ninfas y pastores, fusionando así el poder del drama trágico con los ideales contemporáneos de la vida pastoril idealizada. Con la evolución de la música para cuerda en la segunda mitad del siglo XVII, la supremacía pasó a Italia, donde se vivió la edad dorada en la fabricación de instrumentos como el violín por parte de luthiers como los Amati, Antonio Stradivarius y la familia Guarneri.

Bajo Cifrado

Es un tipo de notación musical que indica intervalos, acordes y notas en relación con las notas bajas. El bajo cifrado se asocia con el término bajo continuo, un acompañamiento usado en casi todos los géneros de música del periodo barroco. El acompañamiento del bajo cifrado, que implicaba la realización improvisada de una estructura determinada de acordes, se convirtió no solo en una práctica útil de interpretación, sino también en un procedimiento que moldeó las actitudes de la composición musical durante el siguiente siglo y medio.

Bajo Continuo

También llamado basso continuo, fue un sistema de acompañamiento musical que dominó en la música europea en la época barroca (c. 1600-c. 1750). Consistía en una línea melódica del bajo, escrita por el compositor y generalmente interpretada al chelo, viola da gamba o fagot, y armonías improvisadas, interpretadas generalmente al clave, órgano, arpa o laúd. En la mayoría de los casos, se indicaban los acordes apropiados mediante pequeñas cifras, números y símbolos escritos debajo de las notas del bajo. De allí el origen del término casi sinónimo de bajo cifrado.

Sonata

Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías: la sonata da chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos con la estructura lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la complejidad del contrapunto de los más antiguos ricercare y canzona; y la sonata da camera, o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con origen en la danza, precursora de la suite. La combinación instrumental más típica para la sonata durante el barroco medio y tardío fue la sonata a trío o trío sonata: dos instrumentos melódicos acompañados por el bajo continuo (un instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento armónico). También se escribieron obras para un único instrumento melódico y bajo continuo.

Suite

Composición instrumental que contiene una serie de secciones breves o movimientos, y que se desarrolló en el siglo XVI como una sucesión de canciones y danzas populares, generalmente compuestas en la misma tonalidad. Aunque eran independientes entre sí, se combinaban de forma que podrían ejecutarse seguidas. Estas melodías estaban dispuestas de manera tal que presentaban fuertes contrastes entre los tempos lentos y rápidos y los modos majestuosos y alegres. Los cuatro movimientos básicos de una suite son:

• La alemanda, una danza tranquila en tempo moderado, compuesta en compás cuaternario simple de 4/4.
• La courante, una danza viva, a menudo compleja en sus ritmos.
• La giga, una danza rápida y llena de vida, también en tiempo triple.
• La zarabanda, una danza de movimiento pausado y carácter noble en compás ternario, de origen español, con una melodía formada por valores largos y cargada de adornos.

El preludio, que no se derivaba de ninguna forma de danza, sería posteriormente incluido según los casos al comienzo de la suite. También a veces se insertaban formas de danza como el minué, la gavota, la chacona y el pasacalles entre la zarabanda y la giga.

Concierto

Composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de "concerto" unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600, al comienzo del barroco.

Concierto para Solista

El concerto grosso dio origen a una subcategoría, el concierto para solista, en el cual se reemplazaba al concertino por un único instrumento solista. Con ello se incrementaba el contraste entre el solista y la orquesta. Los conciertos para solista fueron compuestos al principio para el violín, la trompeta o el oboe por compositores italianos como Torelli o Tommaso Albinoni. Pronto habría composiciones para una amplia gama de instrumentos. Entre los más notables destacan los muchos conciertos para instrumento solista del compositor italiano Antonio Vivaldi. Se trataba de una sucesión de tres movimientos, ordenados según su velocidad: rápido-lento-rápido (por ejemplo, Allegro-Largo-Allegro). El movimiento intermedio estaba en una tonalidad diferente de la de los movimientos primero y último.

Concerto Grosso

A finales del siglo XVII comenzó a aparecer una categoría específica de concierto. Arcangelo Corelli, un importante violinista y compositor de la por entonces importante escuela de violín del norte de Italia, utilizó el nuevo nombre de concerto grosso para titular las doce piezas instrumentales de su opus 6. La característica esencial siguió siendo el uso de una orquesta de cuerdas opuesta en cierta medida a una serie de instrumentos solistas, vientos, cuerdas o una combinación de ambos tipos.

Fuga

Composición musical de un solo tiempo y escrita en estilo polifónico, en la que un tema melódico se ve sistemáticamente sometido a la imitación melódica. Pueden estar escritas para un instrumento solista, como el órgano o el piano, para grupos de instrumentos o para grupos de voces, ya sean acompañadas, o a capella. El número de partes o voces será dos como mínimo, aunque lo más habitual es que sean cuatro.

Compositores Destacados del Barroco

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Compositor italiano, la figura más importante de la transición entre la música renacentista y la barroca. En 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical surgido de la colaboración del músico con Alessandro Stringgio, autor del texto y funcionario de la corte del duque de Mantua. En 1613, Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, uno de los puestos más importantes de aquella época en Italia. En 1637 fue inaugurado el primer teatro de la ópera y Monteverdi, estimulado por la entusiasta acogida del público, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales solo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y La coronación de Poppea (1642).

Jean-Baptiste Lully (1632-1687)

Compositor francés de origen italiano, uno de los introductores de la ópera en Francia. Nació en Florencia, Italia, el 28 de noviembre de 1632 y su verdadero nombre era Giovanni Battista Lully. Viajó a Francia con 14 años, pues había llamado la atención del Caballero de Guisa, y en 1652, con veinte años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. Más tarde dirigió una de las orquestas reales y en 1662 fue nombrado director musical de la familia real. Compuso ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo interpretaba ante el rey. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos como Les fâcheux (1661), Matrimonio a la fuerza (1665) y El burgués gentilhombre (1670). Se hizo prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV. Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Lully, al convertir a los músicos de cuerda de la corte francesa en un conjunto bien armonizado para acompañar las óperas, sentó también las bases de la orquesta moderna.

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia y se formó con su padre, violinista en la catedral de San Marcos. Entre 1693 y 1703 estudió para sacerdote con los padres de San Gimingano y, tras ser ordenado, obtuvo el puesto oficial de maestro de violines en el Ospedale della Pietà, que era una institución especializada en educación musical para niñas huérfanas. Trabajó allí como director musical y profesor hasta 1740, a la vez que componía conciertos y oratorios para las representaciones semanales con los que obtuvo gran reconocimiento. A partir de 1713 también trabajó como compositor y empresario de óperas en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para supervisar las representaciones. Hacia 1740 entró al servicio de la corte del emperador Carlos VI en Viena. Falleció en esta ciudad el 28 de julio de 1741. Vivaldi escribió más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y música religiosa. Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación. Influyó en la forma de concierto para solista.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Compositor del barroco, de origen alemán. Nació en Eisenach, en el seno de una familia que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 52 músicos de importancia. En Weimar compuso unas 30 cantatas, y también compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. Desde 1717 hasta 1723 trabajó como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen El clave bien temperado (I, 1722; II, 1744), las Invenciones (1722-1723) y el Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, 1713-1717). Un año después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con Anna Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían interpretarlas. Bach se trasladó a Leipzig en 1723 y allí permaneció el resto de sus días. Escribió 295 cantatas, quedando 202. La Pasión según san Juan y La Pasión según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro de El clave bien temperado y El arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, y murió el 28 de julio de 1750, después de someterse a una fallida operación ocular.