Evolución de la Música: De la Edad Media al Renacimiento

La Canción Monódica Profana en la Baja Edad Media

Durante el siglo VII, la Iglesia ejercía un poder considerable sobre toda la música existente. La música profana estaba prohibida en la misa. Sin embargo, en el siglo XI, comienza a aparecer la música escrita, reflejando un espíritu más profano de la sociedad. Aunque la Iglesia y Dios seguían siendo el centro de la sociedad, las obras escritas comienzan a llevar firma. Se observa la aparición de la economía de mercado, una época de paz y un ambiente cortesano, con influencia del mundo árabe. Nace la poesía lírica en lengua vernácula vinculada a la música: la lírica de los trovadores en lengua d'oc y d'oil en el norte de Francia, los cantos alemanes de los Minnesänger y sus sucesores los Meistersinger, las cantigas en gallego-portugués y los cantos profanos en latín de los goliardos, que serían cronológicamente los primeros. En Galicia se conservan vestigios del arte trovadoresco tardío en la zona sur, lugar ideal para el estudio de la música en la Baja Edad Media.

Juglares y Goliardos

• Juglares: Ocupaban el lugar más bajo en la escala social. Actuaban en pueblos y cortes, realizando espectáculos. Cantaban cantares de gesta con música improvisada, siendo difusores de estos cantares. Perseguidos por la Iglesia, ambulaban para divertir a la gente analfabeta, transmitiendo la música popular no litúrgica.
• Goliardos: Clérigos que abandonaron la vida religiosa. Cantaban y recitaban en latín y lengua vulgar, con una poesía refinada y dramática. Varios códices contienen sus obras, como el Carmina Burana. Se acompañaban con instrumentos musicales prohibidos por la Iglesia.

Trovadores

Los trovadores utilizaban la lengua vernácula, la lengua d'oc, y surgieron en Provenza, extendiéndose por Francia y Cataluña. Su actividad fue importante entre los siglos IX y XI. El primero fue Guillermo IX de Aquitania. A finales del siglo XIII desaparecen sin dejar rastro. Se conocen más de 40 trovadores. Los de alta posición veían la creación literaria como ornamento y ejercicio, mientras que los de baja posición tenían poca habilidad, y les era difícil sobrevivir y prosperar. La palabra "amiga" se refería a la esposa de un señor importante que les permitía entrar bajo su protección. Utilizaban el amor cortés, tenían buena formación y prestigio.

Troveros

Los troveros utilizaban la lengua d'oil. Fueron más tardíos, del siglo XIII. Su desaparición genera formas profanas polifónicas.

Géneros

• Chanson o Cançó (según sea trova o trove): Canciones de amor, amor cortés, que describen la belleza y virtudes de la dama. Podía ser amor platónico o carnal.
• El Alba: Subgénero que trata la separación de los amantes al amanecer.
• Otras temáticas: Burla, sátira, en forma de sirventés, sobre personajes reales o hechos políticos.
• Planh: Canción fúnebre.
• Tenso: Diálogo entre trovadores.

Estructuras: Estrofas de 5, 6 o 7 estrofas iguales. Forma global AAB, donde B dura tanto como A. En 1300 surgen las primeras formas fijas, con el desarrollo de la música polifónica: ballade, virelai y rondeaux. La música era silábica, con pocos melismas, encadenamiento de terceras, mayor variedad de notas accidentales y desarrollo melódico sobre la final. No hay indicaciones de ritmo ni de los instrumentos a utilizar.

Cancioneros

Se conservan 76 cancioneros que tienen tres apartados: vidas, razones y composiciones. De algunos solo se conserva la poesía. Hay biografías de todo tipo: extensas, cortas, reales o inventadas.

Trovadores Gallegos

Se conservan siete cantigas de amigo en el Cancionero de Lírica Galaicoportuguesa y en el Pergamino Vindel. Son un ejemplo poético y musical inaudito, más estudiadas a nivel poético que musical. La más famosa es "Ondas do mar de Vigo". Son piezas modales escritas en notación cuadrada (tetrardus plagal). La simetría de la canción se asemeja a las formas trovadorescas. La melodía tiene una forma gregoriana con relación directa con la música tradicional de Galicia.

Polifonía Occidental y Ars Nova

En el siglo IX nace la polifonía con la invención de los organa. La polifonía es la producción de varios sonidos o melodías simultáneas. Los primeros tratados marcarán un rumbo distinto en la música occidental.

Organum Primitivo

Se desarrolla para embellecer el repertorio del momento, el gregoriano, y para dar salida a la creación de los compositores, ya que el gregoriano era inamovible en la liturgia. El tropo es una prolongación lineal u horizontal de una pieza dada. El organum es un embellecimiento en cuanto a profundidad, una nueva dimensión. Es la duplicación de la melodía a la cuarta, quinta u octava, base de la teoría armónica medieval.

Organum Paralelo y Paralelo Modificado

En el tratado Schola enchiriadis se hallan los ejemplos más primitivos de la polifonía, que son anónimos. Fueron escritos en el siglo IX al norte de Francia. Es la fuente primigenia donde se codifica la teoría armónica y nace el organum.

• Organum Simple: Repetición de la melodía a la octava, quinta o cuarta. La voz principal y la voz organal siempre están debajo.
• Organum Compuesto: Un organum simple a la cuarta o quinta, duplicado a la octava una o ambas voces. Puede haber 3 o 4 voces con intervalos constantes.
• Organum Purum: Se evita la tritona modificando la voz organal.
• Organum Liber: Se desarrolla entre 1050 y 1150. Cambia la disposición de la voz principal, que ahora está abajo y se convierte en la base del cantus primus. Hay libertad para introducir distintas relaciones interválicas, lo que aporta riqueza sonora. Se permiten cruces de voces, cadencias a la octava, y se alternan consonancias y disonancias. Se refuerza el movimiento contrario. Hay presencia de varias notas de la voz organal frente a una de la principal. La polifonía se convierte en un arte musical.

Organum Melismático y Discantus Desarrollado

• Discantus: Voces nota contra nota.
• Organum Florido: Nota base contra varias en la voz superior, respetando las consonancias de la época.

El Códice Calixtino: Manuscrito miniado del siglo XII. Es una recopilación de textos litúrgicos e históricos para la promoción de Santiago de Compostela como sede apostólica. La obra consta de cinco libros independientes pero con intención jacobea. Tiene un apéndice con obras polifónicas emparentadas con las obras de Notre Dame y que culminan con la Escuela de Notre Dame en París.

Ars Antiqua

Escuela de Notre Dame: Primera escuela de creación estilística que superaba el mundo de la experimentalidad y lo transfería a la realidad. Fue un periodo decisivo para la polifonía, que abarca la Escuela de Notre Dame, con Léonin y Pérotin en el siglo XIII. Se produce una revolución social en Europa: surgen las universidades, florece la poesía trovadoresca y se construye la catedral. Es el inicio de un continuo cambio que rompe con la evolución polifónica desde el siglo IX al XII. Aporta el ritmo medido y el nacimiento del motete.

Repertorio: Organa y conductus como formas heredadas. Los conductus poseen un tenor compuesto, mientras que el organum se basa en una composición litúrgica.

Léonin y Pérotin, Magnus Liber Organi: Léonin y Pérotin serán los principales maestros de la Escuela de Notre Dame. Léonin fue el más grande compositor de organa (1160-1180), y Pérotin el más grande maestro de discantus (obras de 1220). Según Anonymous IV, Léonin creó el Magnus Liber Organi, un ciclo completo de organa a dos voces para todo el año eclesiástico. Pérotin lo amplió con nuevos métodos compositivos, precisión rítmica y aumento del número de voces (3 y 4).

Géneros

• Organum: Forma musical de máximo desarrollo en Notre Dame. Organum a 3 y 4 voces. Ya no se denominan vox principalis y vox organalis, sino tenor, duplum, triplum y quadruplum. Están basadas en canto gregoriano y tienen la misma función litúrgica. Se yuxtaponen los diferentes estilos: discantus (nota contra nota), trinos y el organum florido con ritmo libre.
• Conductus: Forma polifónica no litúrgica, con texto en varias estrofas sin cantus firmus. Tiene temática variada y está escrito a 2, 3 o 4 voces. Tiene estilo homofónico, con frases cadenciando a la vez, y estilo discantus. Al contrario del organum, no tiene función estructural de las voces, como el tenor de los organa. La voz más grave (tenor) tiene la misma función que el resto.
• Motete: Forma principal del siglo XIII. Tiene su origen en los fragmentos rítmicos del organa cuando la voz superior es tropada con texto en latín. Es una breve pieza de dos voces con texto distinto e independiente. Se conoce como motete simple, y la parte tropada, al duplum, se llama motetus. A partir del motete simple se creará el motete conductus, que consiste en añadir una tercera voz con el mismo carácter, ritmo y fraseo que el motetus, pero no tuvo éxito. El motete doble tiene una tercera voz (triplum) independiente, con su carácter y texto.

La Música Europea en los Siglos XIV y XV. Final de la Edad Media

Trecento

El Ars Nova se relaciona con un tratado de Philippe de Vitry de 1321. Hoy en día, el Ars Nova circunscribe la música francesa del siglo XIV. Para la música italiana se denomina Trecento. El siglo XIV fue un periodo de inestabilidad y cuestionamiento de la moral religiosa. Se produce una separación entre la Iglesia y la ciencia, y entre el poder religioso y el político. Francia se unifica bajo el poder del monarca, mientras que en Italia hay una gran diversidad de cortes asociadas. Se observa un ascenso de la creatividad en lengua vernácula, como en La Divina Comedia (1307).

La Música en la Sociedad del Siglo XIV

Se produce un proceso de secularización y cambio. En el tratado de Johannes de Grocheo (1300) se distingue:

1. Musica civilis y vulgaris: Monodia profana de texto no latino.
2. Musica ecclesiastica: Monodia religiosa, canto gregoriano.
3. Musica composita, regularis, canonica o mensurata: Polifónica con patrones rítmicos regulares.

La tercera categoría no distingue entre sacro y profano. Es música intelectual compuesta con técnicas modernas.

El Siglo XIV en Francia: Ars Nova

Innovaciones de Vitry: Philippe de Vitry fue el principal representante del Ars Nova francés. Estudió en la Sorbona y fue secretario de tres reyes. Su legado teórico está contenido en el Ars Nova, donde introdujo novedades:

1. Reglas precisas para la división de la brevis y semibrevis.
2. Consolidación de compases binarios en igualdad con los ternarios.

Estableció unas relaciones lógicas entre los valores de las distintas figuras utilizadas en la composición:

1. Maximodus: Relación duplex longa - longa.
2. Modus: Relación longa - brevis.
3. Tempus: Relación brevis - semibrevis.
4. Prolatio: Relación semibrevis - minima.

Por otro lado, combinando los dos últimos niveles de relación (tempus y prolatio) construyó un sistema para utilizar el ritmo binario y ternario en una misma composición:

• Tempus perfectum cum prolatione perfecta.
• Tempus perfectum cum prolatione imperfecta.
• Tempus imperfectum cum prolatione perfecta.
• Tempus imperfectum cum prolatione imperfecta.

Aplicó estas teorías al motete heredado del siglo XIII, dando origen al motete isorrítmico. Introdujo los términos isorritmia e isoperiocidad, que determinaban una reestructuración rítmica del motete en periodos regulares. La isorritmia se aplica al tenor con esquemas rítmicos prefijados que se repiten.

Guillaume de Machaut: Compositor prolífico con una vida similar a la de Vitry. Sirvió a las cortes y fue premiado en la Catedral de Reims. Existe un manuscrito con la recopilación de sus obras, una parte dedicada a obras poéticas y otra a composiciones musicales. Las musicales están agrupadas por forma y género, y contiene lais, motetes, la Misa de Notre Dame y otro apartado para las formas fijas: ballade, rondeau y virelai. La Misa de Notre Dame es la primera completa de autor conocido, y sirve de nexo entre las misas anónimas y las del Renacimiento. Los motetes presentan isorritmia e isoperiocidad basadas en tenores de canto gregoriano. En las canciones profanas desarrolló su propio estilo e inauguró una tradición en la disposición de las partes vocales e instrumentales. El esquema estaba formado por un tenor sin texto y un contratenor que sostiene el cantus (única parte que lleva la letra de la canción). Transformará la ballade mezclando parte vocal con instrumental. Es una forma propia de ambientes artesanos. Se conservan 41 ballades, solo una monódica. La música es igual para todas las estrofas y se divide en dos secciones, con forma AAB.

El Rondeau: Deriva de una danza trovadoresca cantada. Todos son polifónicos y tienen una forma uniforme.

El Virelai: Son monódicos, pero con improvisación del acompañamiento por instrumentos. Son propios de la corte, danzados y de influencia popular.

El Trecento

Las canciones profanas en el siglo XIV circularon en un entorno cortesano. Se observa un sistema de mecenazgo musical propio del Renacimiento. Hay tres géneros predominantes: madrigal, ballata y caccia.

Madrigal: Breve poema compuesto por dos o tres tercetos y uno o dos versos aislados que constituyen el ritornello. La forma común es AAB, y la forma poética es aab ccd nn.

Francesco Landini y la Ballata Italiana: En el siglo XIV, Florencia fue el centro de la música profana. Landini fue un organista y compositor muy importante y prolífico (1335-1397). La ballata, a diferencia de Francia, seguía siendo danza. Evolucionó desde una forma monódica a una polifónica más elaborada. Tiene forma ABBA'A, como el virelai. La primera parte es un estribillo repetido hasta el final. La segunda parte incluye los piedi con música nueva. La tercera parte, A', conforma la vuelta. Se observa una influencia francesa en las formas poético-musicales italianas.

Ars Subtilior

El "arte más sutil" se cultivó en las cortes francesas, Aragón, Navarra, el Reino de Francia y algunas zonas de Italia. Se realizaron chansons, motetes y música litúrgica. La actividad estaba ligada a la corte de Aviñón. La complejidad notacional y rítmica dio origen a la notación amanerada y al estilo manierista. La polifonía tenía lienzos individuales independientes rítmicamente. El tenor era de nueva composición, con una medida básica y pocos cambios de compás, y patrones simples. Los cantos tenían una amplia variedad de combinaciones rítmicas. El contratenor tenía carácter propio y moderaba el contraste entre los extremos. La repetición de patrones rítmicos contrarios era un recurso característico. La música que se producía no era arbitraria ni caprichosa.

Fuentes Representativas: Manuscritos de Chantilly y Módena. El manuscrito de Chantilly fue recopilado en 1400 y ejemplifica la tendencia manierista, que era cultivada y apreciada por las cortes eclesiásticas de Francia y España. El manuscrito de Módena es la única fuente para ver el florecimiento y la moda en Italia. Fue recopilado en Bolonia en 1410. Compositores famosos de este estilo fueron Baude Cordier, Solage y Mateo de Perugia.

Siglo XV: De Dufay a Josquin

El Estilo Inglés: Tendencia a las frases sencillas y racionales. Está recopilado en el manuscrito de Old Hall. Atrajo a muchos compositores continentales y se le llamó "el nuevo arte". La polifonía de terceras y sextas reemplaza a la tradicional de cuartas, quintas y octavas. Un sello de identidad son los acordes perfectos en primera inversión, que derivan de la técnica del fauxbourdon (improvisar polifonía desde un canto llano).

Fauxbourdon: Tiene escritas dos de sus voces: la melodía principal en la voz superior (oral) y el bourdon en la grave. La del medio se canta a partir de la primera voz. Se completa cuando aparece "a fauxbourdon". Old Hall contiene 150 manuscritos y es la fuente de música inglesa más importante.

Escuela Borgoñona

Primera generación de franco-flamencos. Borgoña era una potencia política y militar. Crearon una de las principales capillas musicales de Europa, destino para músicos y compositores.

Música Religiosa:

• El Motete: Se iguala el tenor a otras voces (antes era más regular y estático). Tienen el mismo movimiento y pasajes de imitación. El texto es único, en latín, con divisiones de texto. Está escrito a cuatro voces. El motete festivo fue muy relevante para la Catedral de Florencia.
• Dos Tipos de Misa:
  • Discantus: La voz superior conduce y sirve de motivo unitario entre los movimientos de la misa polifónica.
  • Tenor: Utiliza un cantus firmus gregoriano que se trata de diferentes formas en cada movimiento. Está escrita a cuatro voces, y se usan instrumentos para doblar las voces o sustituirlas.
• Chanson Francesa y Borgoñona: Variantes de la chanson francesa, a tres voces y con la melodía en la voz superior. Hay evidencia de vestigios medievales en la línea melódica y en la armonía, encontrando la cadencia doble sensible.

Guillaume Dufay: Principal compositor de esta generación y del siglo. Fue cantor de Cambrai y trabajó en Rimini para la corte. Compuso música profana con influencia inglesa. Se ordenó sacerdote. Abundan en su obra los motetes, misas y chansons.

Segunda Generación: Dufay y Ockeghem: El lenguaje de Dufay se vuelve más denso, asemejándose a Ockeghem. El estilo es más contrapuntístico, con voces independientes y líneas melódicas más complicadas. Las frases son extensas y la concepción es horizontal. Las cesuras se oscurecen, ya que las voces cadencian en lugares diferentes. El texto es menos claro. Hay una complicación de los ritmos y una vuelta al misticismo. Ockeghem usa recursos compositivos eruditos, como en la Misa Prolationum. Domina el contrapunto y lo convierte en un fin en sí mismo. Utiliza el sujeto melódico en forma invertida, retrógrada y retrógrada invertida. Es un arte simbólico con elementos místicos. La música no es sencilla. Compuso 17 misas, un Requiem polifónico, 22 chansons y 7 motetes.

Finales del Siglo XV: Josquin y la Tercera Generación Franco-Flamenca

Hay transparencia y sencillez en la tercera generación. La música de Josquin es completamente renacentista, con claridad de texto, familiaridad armónica, fraseo natural y música más expresiva. Sus características son: frase musical de tamaño adecuado, punteada por cadencias; texto colocado cuidadosamente; melodía más sencilla; ritmo uniforme; voces con terceras, sextas y décimas; imitación desarrollada, siendo el medio compositivo principal. Josquin es importante por su habilidad, concepción clara del significado, destreza polifónica y melódica. Fue el primer maestro del Renacimiento.

Producción Religiosa: Compuso 65 motetes publicados por Petrucci en el siglo XVI. En el motete se percibe su maestría, como en "Tu solus qui facis mirabilia". Sus características son: secciones construidas de acuerdo al texto, exquisita acentuación, fraseo declamativo, longitud de la frase que se capta una vez como hablada y completa, ritmo regular y claridad textual, armonías triádicas, diálogo entre voces y resaltado de palabras importantes con pausas y notas largas. Se le atribuyen 32 misas, 17 de ellas impresas por Petrucci. En las misas utiliza cánones y recursos del siglo XV.

Josquin: La Música Profana

Composiciones: Dejó numerosas chansons de 3 a 6 voces, frottolas y piezas destinadas a la instrumentación. Las primeras chansons las compuso en el norte de Europa. Nunca se adhirió a los convenios con las formas fijas. Escribió canciones en estricta imitación, siendo el primero en hacer "partes iguales" de la textura. Utilizaba un bajo más funcional y puntos de imitación al estilo del motete. Tiene obras con lamentos por la muerte de Ockeghem, como "Mille Regretz", que ilustra los primeros decenios del siglo XVI y fue versionada de todo tipo. Tiene canciones basadas en temas populares, otras en las que solo utiliza melodías, y compuso canciones enteras sin usar ninguna fuente externa. Utilizó la técnica del canon por imitación: dos o más voces, con nuevo material melódico por encima. Otras obras concebidas solo instrumentalmente contienen una escritura más idiomática. Escribió tres frottolas (una canción de textura sencilla y ritmo vivo).

Siglo XVI: Música Religiosa

Se produce un auge de la polifonía imitativa. Hay una visión horizontal en la música religiosa, y vertical en la profana y con texto. Tiene importancia la misa parodia (composiciones polifónicas amplias con recursos), como la Misa Mille Regretz de Cristóbal de Morales.

La Música en la Reforma

Desde el siglo XVI, el Renacimiento, el Humanismo y la Reforma están asociados. El coral acaparará esta forma del Humanismo, y el estilo nota contra nota lo representará. La participación vocal de los fieles fue el motor principal de la Reforma. La imprenta favorece la difusión de ideas nuevas y corales alemanas. La enseñanza musical, estimulada por escuelas latinas y alemanas, estará al servicio de la nueva religión, siendo una condición imprescindible. Se busca la percepción y comprensión del texto, y la unión entre poetas y músicos para preservar la unión de poesía y música. Antes de dotar a las iglesias de repertorio, se plantean tres cuestiones: ¿idioma?, ¿público?, ¿melodías? Se decide usar el alemán, con un público creyente y melodías inventadas o adaptadas del repertorio popular a textos sagrados. La tradición luterana comenzó por la simplificación, pero se hizo compleja con la aparición del coral-motete.

La Escuela Romana: Palestrina y la Contrarreforma

El compositor más representativo de la Contrarreforma fue Palestrina. El Concilio de Trento fue importante, y sentó las bases para menguar el impacto de Lutero. Hay dos grandes líneas: el texto debe entenderse sobre todas las cosas, y hay que eliminar las impurezas de la liturgia, como los cantus firmus profanos y los excesos instrumentales. Palestrina fue el primer compositor occidental cuya música dejará huella tras su muerte. Su forma de componer es un ejemplo del estilo eclesiástico. Es el representante del contrapunto del siglo XVI. Sus características son: claridad textual, melodías por grados conjuntos, poco ambiente de octavas y novenas, frases largas, música modal, compás alla breve frecuente, ritmo regular, armonía triádica, retardos continuos y combinación de disposición de voces. Compuso misas, motetes y música profana. Una obra destacada es la Misa del Papa Marcelo.

Las Capillas Catedralicias

La actividad musical se ejercía a través de unas instituciones: las capillas catedralicias y reales, con una catedral como centro. Su función era solemnizar los actos litúrgicos con composiciones polifónicas. Estaban integradas por:

• Maestro de Capilla: Máxima autoridad.
• Cantores: Grupo de pocos (8/10) y selectos, suficientes para cubrir cuatro voces.
• Mozos de Coro: Dos tipos:
  • Los propios, que ejercían de monaguillos.
  • Los cantorcicos, regulados por un sacerdote que los examinaba por los pueblos. Recibían un sueldo, dormían y los instruían. Estudiaban música y acudían a los actos litúrgicos.
• Organista.
• Instrumentalistas: Flautas, cornetas, bajoncillos, sacabuches. Desde finales del siglo XV a finales del XVI pasaron de reservarse a grandes solemnidades a ser un fenómeno generalizado.