Evolución de la Música: Desde la Edad Media hasta el Clasicismo

Edad Media (Siglo V al XV)

La Edad Media abarca desde la caída del Imperio Romano hasta el descubrimiento de América. Fue una época marcada por el culto y la religión, donde el cristianismo actuó como puente entre la Antigüedad Clásica y la Edad Media. La sociedad era principalmente agraria y feudal, con una estructura social dividida en estamentos. En este periodo, predominan dos corrientes artísticas:

• El arte románico: Se caracteriza por su hieratismo, severidad y pesadez, especialmente en la arquitectura.
• El arte gótico: En contraste con el románico, el arte gótico es esbelto, luminoso, realista y naturalista.

Música Religiosa en la Edad Media

La música religiosa estaba destinada a la alabanza de Dios. Se rechazaba la música instrumental, siendo utilizada únicamente en actos religiosos y en la lectura de las Sagradas Escrituras, que tenían a Dios como único protagonista. El Papa Gregorio, o San Gregorio, unificó los cantos litúrgicos locales, dando origen al canto gregoriano.

Características del Canto Gregoriano

• Monódico: Una sola melodía.
• Colectivo: Varias voces masculinas cantando al unísono.
• Anónimo: Autor desconocido.
• Exclusivamente vocal: Sin instrumentos.
• Ritmo libre: Influenciado por el texto del canto.
• Estilo melódico: Puede ser silábico (una nota por sílaba), neumático (dos o tres notas por sílaba) o melismático (más de tres notas por sílaba).
• Armonía modal.

Música Profana en la Edad Media

La música profana era monódica, con un solo estilo melódico, pero podía tener acompañamiento instrumental improvisado, no escrito en partitura. El ritmo era métrico y regular, con una armonía modal.

Tipos de Música Profana

• Canciones de goliardos: Canciones en latín sobre los placeres terrenales, cantadas por clérigos que habían abandonado la vida religiosa.
• Conductus: Canción monofónica de temática religiosa o profana.
• Juglares, trovadores y troveros: Los juglares eran artistas del pueblo que actuaban como bailarines, cantantes e instrumentistas de canciones compuestas por los trovadores. Los trovadores eran nobles, cultos y poetas que componían e interpretaban sus propias canciones. Los troveros eran similares a los trovadores, pero utilizaban la lengua francesa en sus composiciones, a menudo acompañadas de refranes o estribillos.
• Ministriles: Equivalentes a los trovadores en Alemania, con música más sobria y centrada en el tema del amor cortés.

A finales de la Edad Media, surgió la polifonía como una forma de embellecer el canto gregoriano. Aparecieron dos nuevas técnicas de composición a varias voces:

• Ars Antiqua: Polifonías sencillas (motete, conductus y canon).
• Ars Nova: Polifonía más compleja y florida, con el uso del contrapunto y la consolidación de la notación musical, los valores y las figuras musicales.

Renacimiento (Siglos XV-XVII)

El Renacimiento fue un movimiento intelectual, filosófico, cultural y artístico que surgió del Humanismo. Sin negar la existencia de Dios, se centraba en el hombre. La sociedad feudal llegó a su fin y la burguesía fue ganando poder progresivamente. La Iglesia Católica atravesó una crisis. La invención de la imprenta por Gutenberg en 1450 fue crucial para la difusión de ideas y pensamientos revolucionarios. Surgió el mecenazgo de las artes y el conocimiento. Los artistas renacentistas se interesaban por el mundo que les rodeaba, analizándolo desde una perspectiva antropocéntrica, aplicando la lógica, el equilibrio, los volúmenes y las formas. Hubo una fuerte reacción contra el arte gótico, considerado extranjero, desequilibrado y falto de armonía.

Características del Arte Renacentista

• Nuevo concepto de belleza: Armonía entre las partes.
• Antropocentrismo: El hombre como centro.
• Dominio del humanismo.

Música en el Renacimiento

El antropocentrismo influyó en los compositores, que buscaban plasmar su personalidad y visión del mundo en sus obras. Surgió una polifonía basada en el equilibrio entre las voces, con una sonoridad suave, plena y consonante. La música renacentista es sencilla y equilibrada, con un fondo más personal. Se intentaba representar las relaciones de orden y armonía del Universo. Esto dio lugar a una polifonía donde todas las voces tenían la misma importancia. Se produjo una separación entre la música religiosa y la profana, y se comenzó a utilizar la textura polifónica, priorizando el contrapunto como técnica compositiva.

Formas Musicales Religiosas

Se dividen entre la liturgia católica y la Reforma Protestante. En ambas, no se permitía la participación de mujeres, por lo que las voces agudas eran interpretadas por niños (voces blancas) o falsetistas. Surgieron dos formas polifónicas principales:

• La misa: Heredó la estructura medieval, utilizando a menudo una melodía preexistente, ya fuera religiosa (canto gregoriano) o profana.
• El motete: Evolución del canto gregoriano, especialmente en textos litúrgicos en latín ajenos a la misa ordinaria.

Música Vocal Profana

La música vocal profana tuvo un gran desarrollo debido al pensamiento humanista y a la aparición de las clases altas, como la nobleza y la burguesía. Se escribía para varias voces (cuatro) en estilo homofónico, con un ritmo sencillo y marcado. A menudo se acompañaba de instrumentos, tanto para doblar como para sustituir voces.

Con la Reforma Protestante en el siglo XVI, surgió el coral en Alemania y el himno o Anthem en la Inglaterra anglicana. Ambas formas polifónicas estaban escritas en sus lenguas nacionales, pero el coral era homofónico y el himno se inclinaba más hacia el contrapunto. La respuesta de la Iglesia Católica a la Reforma Protestante fue la Contrarreforma, a partir del Concilio de Trento, que buscaba una música con líneas más puras y sobrias. Sin embargo, los compositores no renunciaron al contrapunto.

Música Instrumental del Renacimiento

La música instrumental del Renacimiento estuvo marcada por la polifonía vocal, aunque los instrumentos que acompañaban a las voces religiosas o profanas también tuvieron importancia. La música puramente instrumental incluía:

• Consorts: Conjuntos de instrumentos de la misma familia.
• Instrumentos polifónicos: Como el órgano o el laúd.

La música vocal profana se desarrolló ampliamente, con cantos a los sentimientos mundanos (amor, guerra, alegría). Se escribía para varias voces, con un ritmo más sencillo y marcado que la música religiosa, y con una tendencia hacia la textura homofónica con acompañamiento instrumental.

Barroco (Siglo XVII - Primera Mitad del Siglo XVIII)

El final del siglo XVI estuvo marcado por la pérdida de la ilusión de las esperanzas humanistas, las guerras, las epidemias, las crisis económicas y las tensiones sociales. La crisis religiosa provocó conflictos generalizados en Europa, con consecuencias políticas y económicas, como el fortalecimiento de las monarquías absolutistas y el declive de la burguesía, agudizando las desigualdades sociales. La sociedad del Barroco logró avanzar en las ciencias y el arte, aunque no fue hasta el Tratado de Paz de Utrecht (1714) que se alcanzó un equilibrio social y cultural.

El Arte Barroco

Surgió un nuevo movimiento artístico basado en la expresión, el realismo, la ornamentación y el desequilibrio. Abundaban las formas forzadas, antinaturales, violentas, la exageración y el fuerte contraste. La música también buscó un lenguaje más dinámico y contrastante. El artista quería expresar el fluir de sentimientos contradictorios, fuerzas enfrentadas. Se trata de un realismo deformado por una sociedad desengañada y pesimista, con un lenguaje monumental, exagerado y artificioso.

La Música Barroca y la Teoría de los Afectos

En el Barroco, la música estuvo dominada por la Teoría de los Afectos, que afirmaba que el sonido no solo representaba los estados de ánimo, sino que podía provocarlos. El objetivo del compositor era manipular al oyente mediante recursos de la retórica musical. El contrapunto alcanzó su máxima sofisticación, pero la homofonía ganó importancia, llegando a afectar a la polifonía horizontal. Se utilizó el bajo continuo, una línea grave sobre la cual se desarrollaban las armonías de la pieza musical. La música barroca también se caracteriza por ser tonal.

Características de la Música Barroca

• Ritmo regular y métrico.
• Melodías largas y fluidas, muy ornamentadas.
• Tonalidad con textura polifónica de melodía acompañada y bajo continuo.

Formas Musicales del Barroco

Aparecieron nuevas formas musicales, tanto religiosas como profanas. Entre las religiosas destacan el oratorio, la pasión y la cantata. Entre las profanas, la ópera (vocal e instrumental). En cuanto a las formas instrumentales, destacan la suite, la fuga, la sonata, la tocata, la fantasía, el preludio y el concierto. En las formas vocales, podemos mencionar el recitativo, el aria, la cantata, el oratorio y la ópera.

Compositores del Barroco

Los compositores más relevantes del Barroco fueron Corelli y Vivaldi en Italia, Bach (especialmente en obras instrumentales) y Haendel en Alemania, Haendel y Purcell en Inglaterra, y Rameau y Couperin en Francia.

Clasicismo (Segunda Mitad del Siglo XVIII, 1750-1800)

El Clasicismo musical fue un periodo breve pero intenso. Fue una época convulsa, marcada por la Revolución Francesa (1789) y la Ilustración. La Revolución Francesa fue un conflicto político y social que sentó las bases musicales y formales de las nuevas formas de expresión, sobre todo en la música instrumental.

Contexto Histórico, Político y Social

Se observó una severa crisis económica y la lucha de la burguesía por alcanzar el poder. Esta oposición de la burguesía favoreció la aparición de un nuevo movimiento cultural: la Ilustración. La Ilustración fue un movimiento intelectual y cultural que consideraba que solo la superación del analfabetismo permitiría construir una sociedad no dividida. La razón se convirtió en el único medio para adquirir un conocimiento real; todo debía ser comprendido, analizado y medido de forma objetiva y demostrable. En este momento nació la Historia de la Música.

La Música del Clasicismo

La música del Clasicismo se caracteriza por la sencillez y la claridad, la perfección y la belleza, la proporción, el orden y el equilibrio. Se emplean melodías fáciles de captar por el oyente, recuperando el orden perdido en el Barroco.

Características de la Música del Clasicismo

• Melodías regulares, sencillas y métricas, fáciles de captar. Sin excesiva carga emocional.
• Predominio de la textura de melodía acompañada.
• Dinámica (intensidad) sin gradación.
• Armonía tonal y funcional sencilla.
• Ritmo regular, sencillo y simétrico, sin apenas alteraciones.

Desarrollo Instrumental y Formas Musicales

En el Clasicismo se produjo un importante desarrollo de la orquesta. Desapareció el bajo continuo y el clave. El instrumento más significativo fue el pianoforte (antecedente del piano moderno). Apareció la orquesta sinfónica.

Formas Musicales Principales

• La Sonata: Esta forma instrumental adquirió una estructura más estricta y definitiva, seguida por todos los compositores. Se escribía para un instrumento solista (generalmente el piano), pero también para dúos. Es una forma instrumental en cuatro movimientos: Allegro, Adagio, Minueto y Finale.
• La Sinfonía: Una gran sonata para orquesta, con los mismos cuatro movimientos.
• Se mantuvo el Concierto para un instrumento solista y orquesta del Barroco, pero con forma de sonata.

También encontramos otras configuraciones instrumentales, como el trío, el cuarteto de cuerda y el quinteto de viento. En cuanto a las formas vocales, la ópera fue la más destacada, aunque los coros adquirieron mayor importancia.

Compositores del Clasicismo

Los compositores más destacados del Clasicismo en Europa fueron Haydn, Mozart (especialmente en sinfonías y sonatas instrumentales) y Beethoven.