Evolución de la Arquitectura: Del Neoclasicismo a la Modernidad

El Neoclasicismo

El Neoclasicismo se desarrolla desde el año 1750 hasta comienzos de 1800. Se trata de la expresión arquitectónica del movimiento conocido como Ilustración (basado en la razón). Es una vuelta a la antigüedad, en este caso a la antigüedad clásica romana, y sobre todo la griega. El estilo neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación en Italia de las ruinas de las ciudades de Herculano y de Pompeya, la publicación de libros como Antigüedades en Atenas de los arqueólogos James Stuart y Nicholas Revertt y la llegada de la Colección Elgin a Londres en 1806. Dicha colección consiste en un conjunto de mármoles procedentes del Partenón griego que se encuentran actualmente en el Museo Británico.

Cuando hablamos de Neoclasicismo debemos distinguir entre el Neoclasicismo ideológico y el empírico. Este último está desglosado en una serie de manuales como el de Rondelet o el de Durand. Este último fue un arquitecto “empírico” interesado en la arquitectura clásica como instrumento para crear una metodología de construcción. Discípulo de Boullee, hace una especie de teoría combinatoria, con los elementos del sistema constructivo. Para él, lo más importante era la creación de un método para construir. Lo que hace es establecer una forma y un método de hacer arquitectura que resume todo el Neoclasicismo del siglo XIX. Una arquitectura en la que todos los edificios son casi irreconocibles. Parte de ideas muy técnicas dando lugar a una arquitectura monótona y extendida debido a la aparición de las Academias de Bellas Artes.

Las teorías de Durand estaban influidas por su dedicación a la enseñanza de estudiantes de ingeniería y por vivir en una época en que los edificios utilitarios eran todo lo que podían permitirse dada la situación financiera de Francia. Durand afirmaba que los ornamentos no tenían nada que ver con la belleza arquitectónica, ya que un edificio solo era bello cuando satisfacía una necesidad. Los arquitectos neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la trivialidad del Rococó por su estilo lógico. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el Neoclasicismo como estilo oficial.

Características del Neoclasicismo

1. Monumentalidad en las construcciones.
2. La arquitectura adquiere una finalidad social. Ya no solo se construye para las clases altas sino que se amplía el programa tipológico.
3. Basada en una técnica rigurosa.
4. Al adoptar la arquitectura clásica como modelo, prima lo horizontal sobre lo vertical, la solidez, el uso del frontón, las columnas y los atrios.
5. Se trata de una arquitectura donde el orden, la proporción y la armonía son de vital importancia.
6. Ausente de decoración y colorido, llegando a la minimización de molduras y ornamentos escultóricos.
7. Propone la simetría como pauta fundamental del diseño de los edificios.

El Altes Museum de Berlín

El Altes Museum fue el primer museo público inaugurado en Berlín. Napoleón se había llevado las obras de arte más importantes de Europa a París. Tras su derrota, Berlín recuperó sus tesoros artísticos y surgió así el deseo de exponer públicamente las obras recuperadas. Su tipología se basa en otros ejemplos de museos franceses, donde una galería longitudinal se desarrolla alrededor de una gran rotonda, una sala circular situada en el centro del edificio; así como un gran pórtico de acceso conformado mediante una columnata. Es un ejemplo claro de arquitectura neoclásica.

Se observa claramente que la fachada está formada por un total de 18 columnas jónicas apoyadas sobre un basamento. Esta queda delimitada por dos pilares, uno en cada esquina. Sólo las aberturas de las ventanas y la cornisa que bordea los otros tres muros exteriores insinúan la existencia de un espacio interior de dos plantas. En la entrada principal del edificio, se sitúa una enorme escalinata que conduce a un estrecho vestíbulo columnado. Tras una segunda fila de columnas, una escalera doble te permite el acceso a un descansillo que ofrece unas magníficas vistas.

Una vez dentro, el museo se organiza en dos patios interiores, en cuyo centro se sitúa una enorme rotonda que hace las veces de vestíbulo y que Schinkel diseñó basándose en el Panteón romano. En la cúpula, entre las columnas, se apoyan estatuas antiguas que hacen del vestíbulo una brillante introducción a la colección del museo. La luz penetra a través de un óculo situado en la cúpula artesonada. En la planta baja se exponen esculturas mientras que en la planta alta se muestran cuadros en estancias más compartimentadas.

Academia de Arquitectura de Berlín

Situada en Berlín, se trata probablemente de su obra más importante y a la vez la más radical. La primera planta se reservó para la Academia de Arquitectura, mientras que en la segunda se ubicó la Oficina de Obras Públicas, el estudio y la residencia de Schinkel. La buhardilla tenía un espacio limitado debido al tejado inclinado hacia el patio interior. Se trata de un edificio de cuatro pisos de planta cuadrada, con los cuatro lados de diseño más o menos idéntico. El exterior consistía en ocho ejes de ventanas uniformes cuya regularidad no ofrecía ningún dato sobre la utilización y distribución del espacio interior. Había dos entradas principales.

El viaje de Schinkel a Inglaterra influyó de forma significativa en el diseño del edificio. Visitó entusiasmado algunos edificios industriales de la región central de ese país. En ellos se hacía hincapié en la funcionalidad y la construcción, mientras que la decoración y el estilo arquitectónico quedaban en un segundo plano. Se propuso diseñar un edificio público en pleno centro de Berlín que promoviera los materiales y la construcción como la expresión dominante del diseño arquitectónico. Gozó de gran libertad para realizar el diseño a su gusto.

Banco de Inglaterra, Londres

John Soane actúa poco a poco, añadiendo los módulos según van siendo necesarios con el paso del tiempo, reparando cúpulas, bóvedas, etc. Esto es una gran diferencia con el Neoclasicismo tradicional en el que todo estaba pensado de antemano. La arquitectura clásica era casi imposible de retocar. Soane manda dibujar el Banco en ruinas (influencia de Piranesi) mostrando la mezcla de tradiciones clásica y pintoresca. Este edificio estaba situado en el corazón de la City londinense (centro de negocios). Del estudio de la planta se observa toda la biografía del edificio, aparentemente caótica pero que un estudio más detallado nos ofrece un orden parcial del conjunto.

Soane será el tercer arquitecto conservador del Banco, al que se le encarga renovar las estructuras para hacerlas ignífugas, pero conservando la luz cenital, siguiendo con las fachadas ciegas y manteniendo la distribución. Lo que hace es cambiar el lenguaje de las salas. Además de la reforma interior del edificio lleva a cabo la ampliación que completa la manzana. El edificio original, de una sola planta y con potencial de mayor edificabilidad, fue demolido para dar paso a una construcción clasicista de gran volumen. Solo se conservó la esquina conocida como Tivoli Corner. En 1988, se reconstruyó la Bank Stock Office según el diseño original de Soane, coincidiendo con la apertura del Museo del Banco.

Casa-Museo Soane, Londres

Claro ejemplo de fusión de la arquitectura neoclásica con rasgos del pintoresquismo. Se va “improvisando”, va creciendo, a la manera pintoresca, conforme cambian las necesidades del propietario. Primero compra el nº 12, posteriormente el 13 y por último el 14. Cuando compra el nº 13 lo hace avanzar sobre la alineación mientras que el 14 lo compra únicamente para conseguir la simetría en la fachada. Actualmente los tres números forman el Museo de Soane.

Soane reunió todas sus concepciones arquitectónicas en su casa de Londres; la luz que, proveniente de arriba o de un lado; el espacio cubierto por una cúpula y la reducción del lenguaje formal clásico a las formas rectangulares más simples, siendo la fachada donde podemos ver este aspecto con mayor claridad. Soane se construyó un museo propio encima de los patios traseros de las tres casas y lo compuso de un gran número de salas de diferentes dimensiones. Las paredes están repletas de obras de arte iluminadas por las claraboyas o con velas escondidas detrás de los armarios creando así un juego misterioso.

En la “sala de desayunos”, Soane concentró sus efectos arquitectónicos. La pequeña habitación cuadrada se ha cubierto con una cúpula colgante rebajada y la iluminación se obtiene de diversas fuentes, algunas de ellas ocultas: una linterna en la cúpula, una ventana que da al patio interior, claraboyas en dos anexos laterales de la habitación que llegan más arriba que la cúpula colgante y no son visibles desde la sala.

El Crystal Palace

El conjunto resultante, con una superficie cubierta de 70.000 m² y cuyo montaje duró únicamente cuatro meses. El edificio era una enorme nave cruzada por otra cuya estructura se compone de una modulación que se repite en todo el edificio. Causó gran sensación en toda Europa. Se trataba de un espacio interior donde no se ve el final y en el que las paredes y el techo parecen evaporarse. La sensación al entrar es la de encontrarse ante un interminable bosque de pilares.

Calificado por sus detractores como el “monstruo de cristal”, fue catalogado durante mucho tiempo como obra maestra. Ejerció una influencia decisiva en la concepción de otros pabellones levantados en posteriores Exposiciones Universales. Después de la Exposición se desmonta el Palacio y se vuelve a montar en Sydenham.

La Seccesión en Viena: Wagner, Olbrich y Hoffmann

Nos centramos en el Modernismo en Austria, conocido con el nombre de Seccesión. Como ocurrió en muchas otras capitales europeas, Viena sufrió un importante crecimiento a lo largo del siglo XIX fruto de la Revolución Industrial. La sociedad vienesa se estructuraba de manera que los distintos gremios culturales eran permeables, se relacionaban artistas, científicos y escritores en grupos en los que era muy difícil separar unos de otros. Estos grupos tienen su punto de encuentro en los cafés vieneses.

En esta época, dos discípulos del arquitecto Otto Wagner, Olbrich y Hoffmann fundaron junto con otros artistas, el “Siebener-Club”, en el que se discutían sobre las nuevas corrientes artísticas. Este club derivó en la aparición de un movimiento conocido como Seccesión como protesta a las enseñanzas de la Escuela de Bellas Artes. La revista de la Seccesión que se llamó “Ver Sacrum” que expresa la esperanza en un nuevo florecimiento del arte. Dicha revista, principal instrumento de difusión de las ideas de la Seccesión. Aunque hemos incluido la Seccesión como una de las ramificaciones del Modernismo internacional, presenta importantes diferencias.

Características de la Seccesión Vienesa

• Busca la sobriedad formal y no se abusa del uso de la curva, la inspiración en la naturaleza, etc. En este sentido conecta más con Mackintosh. Este fue menos apreciado en su país que en Viena, donde la publicación de sus proyectos le hizo conocido e influyente, especialmente en los círculos de la Seccesión.
• A los arquitectos de la Seccesión les desagradaba, tanto la pomposidad y la falta de originalidad del diseño clásico académico como la nueva decadencia del Art Nouveau.
• No considera el ornamento como elemento clave en el desarrollo de los edificios.
• Busca formas, que, si bien rompen con lo anterior, estén basadas en la geometría, en las texturas, en mostrar los materiales, etc.
• Se trata de un movimiento, no solo arquitectónico, sino que también incluía pintura y diseño de objetos.
• De enorme éxito y repercusión gracias a las exposiciones que la Seccesión montaba periódicamente, a la publicación de su revista Ver Sacrum y a las Exposiciones Universales a las que acudían representando a Austria.

La sensibilidad del arquitecto adquiere enorme importancia por lo que vamos a detenernos en la figura de tres de los arquitectos que tuvieron influencia en la Seccesión: Wagner, Olbrich y Hoffmann.

Introducción: La Ciudad de Chicago

Nos situamos en los Estados Unidos de Norteamérica a principios del siglo XIX. Las ciudades de muchos de estos Estados adoptaron el esquema de la cuadrícula en sus planificaciones urbanas procedentes de Europa, como por ejemplo Nueva York y Chicago. En 1805 Chicago era un pequeño lugar situado en el borde del lago Michigan donde se estableció un fuerte con 150 personas para defender el lugar estratégico en que se situaba. En 1830 se funda la ciudad. Una ciudad que, a lo largo del siglo XIX, sufrió un enorme crecimiento debido a su situación privilegiada junto al lago Michigan.

La ciudad disponía de áreas de producción agrícola y ganadera y esta producción podía ser distribuida sin necesidad de transporte terrestre. Era uno de los centros neurálgicos de expansión ferroviaria. A finales del siglo XIX vivían aquí más de millón y medio de personas. Se construía de forma sencilla y rápida, al estilo balloon-frame, consistente en una estructura de listones de madera colocados sobre un zócalo de cimentación, asegurados con un revestimiento diagonal. Las partes iban clavadas con puntas. Tenía un inconveniente fundamental, su escasa resistencia al fuego, que quedó de manifiesto en el incendio de 1871 que arrasó la ciudad y la convirtió en una “tabla rasa” para el auge de la construcción rápida.

La presión para construir en altura derivó a concentrar a todo el mundo en el “loop”, vías del tren elevado que forman un círculo alrededor del centro de la ciudad, delimitada por el río Chicago y los depósitos ferroviarios.

Nacimiento del Rascacielos

Chicago era una ciudad hecha de madera y tras el incendio de 1871 se planteó la posibilidad de construir edificios a prueba de fuego. Se dio preferencia a la acreditada construcción en piedra, dejando de lado los experimentos a un segundo plano hasta que William LeBaron Jenney propone una estructura de acero protegida del fuego en la que los pilares de hierro iban cubiertos de hormigón y el ensamble relleno de ladrillos huecos. La superficie se cubría con una capa de hormigón en la que se instalaban conductos para las instalaciones. Esto permitía que la estructura fuera más ligera al tener que soportar los cimientos menos pesados.

A este tipo de estructura ideada por LeBaron Jenney hay que añadir otro invento fundamental para el desarrollo de esta tipología; el ascensor. El tercer factor que provoca la aparición de la nueva tipología del rascacielos es el aumento del precio del suelo. La única forma de sacar rendimiento a las caras parcelas del centro era construir más plantas en los mismos m². Nace así el rascacielos. Chicago se convertirá en el laboratorio del que saldrán estos primeros edificios en altura. El grupo de estos arquitectos que llevó a cabo esta revolución son conocidos colectivamente con el nombre de Escuela de Chicago.

Obras de la Escuela de Chicago

El esquema general seguido por los arquitectos de la Escuela de Chicago era el siguiente:

• La planta baja estaba destinada a locales comerciales y al acceso a los pisos superiores.
• Le sigue un número X de pisos iguales con oficinas y un cuadriculado uniforme de ventanas y pilares constituye la fachada.
• El piso superior, destaca como ático de cierre.

Vemos el ideal clásico de base, fuste y capitel de las columnas clásicas.

Caja Postal de Ahorros, Viena

Una de las obras más importantes de Wagner. Pavimento de pasta de vidrio y el techo cubierto por un enorme lucernario en vidrio y acero. En la fachada se combinan el lenguaje racional y el poético. Se trata de una obra que nos introduce en la arquitectura moderna. Ganó el concurso para su construcción y en su concepción y diseño nada recuerda ya a su estilo inicial de “libre renacimiento” de sus primeras obras. Nos viene a la memoria que Wagner afirmaba que no podía ser bello nada que no fuera útil.

La fachada es de mármol con zócalo de granito y detalles en aluminio. El interior es moderno y funcional. Los materiales son modernos, algo que Wagner defendía por su funcionalidad, higiene y fácil mantenimiento. Se trata de uno de los mejores ejemplos de lo que pretendía con el concepto de “sinceridad estructural”, muestra la estructura tal cual es, sin recubrimientos de ningún tipo. Se trata de un edificio de oficinas según el modelo americano, de planta libre y que permite una distribución arbitraria de los despachos y solo determinan el emplazamiento de los despachos importantes. Los tabiques no son fijos y se pueden desplazar dependiendo de las distintas necesidades.

Wagner diseñó todo. El techo de cristal se convirtió en símbolo de modernidad. Comparado con los monumentos neobarrocos de los alrededores, el edificio parecería austero y simplificado. A Wagner le interesaba, no solo expresar la función y la estructura, sino simbolizarlas e incluso usar algún artificio para transmitir la verdad. La sala de operaciones que ocupa el centro del edificio está bañada por la luz natural y podía verse en lo alto de las escaleras principales en el momento de entrar.

Sede de la Seccesión, Viena

La sala de exposiciones de la Seccesión, un cubo blanco coronado por cuatro torres y una esfera dorada de hojas de laurel. Bajo ella el lema “A cada tiempo su arte, al arte su libertad”. Realizó el proyecto en colaboración con Gustav Klimt. Del pintor provenían los muros escalonados y la esfera con hojas de laurel. A pesar de ser una obra de “rebelión” de los jóvenes arquitectos frente a los maestros de la Academia de Bellas Artes, tuvo una acogida muy favorable.

La sede de la Seccesión era un intento algo extravagante de formular un lenguaje expresivo de geometrías puras y formas masivas. Decorado en su interior con pinturas de Klimt, estaba dedicado al culto estético de la “primavera sagrada”. Constituye uno de los edificios más importantes construidos en el estilo modernista austriaco. La construcción fue sufragada en gran parte por los artistas, mientras que el ayuntamiento vienés ofreció el solar de forma gratuita. La cúpula dorada en forma de hojarasca, hecha en bronce dorado, recibe el nombre popular de “el repollo”.

Otto Wagner: Su Arquitectura

1. Partiendo del estilo renacentista, primero al Modernismo, concretamente dentro del movimiento de la Seccesión para, al final de su vida, dar el paso definitivo hacia la arquitectura moderna con obras como el edificio de la Caja Postal de Ahorros y la iglesia de San Leopoldo en Steinhof.
2. Se entregó a la construcción funcionalista llegando incluso a desarrollar una teoría de la evolución arquitectónica. Afirmaba que toda forma arquitectónica tenía su origen en la construcción y posteriormente evolucionaba hasta convertirse en arte.
3. Sus formas eran cada vez más modernas por su radical austeridad. Wagner actuaba como constructor y arquitecto. También participó en muchos concursos como los de la Bolsa de Viena, el Palacio de la Paz de la Haya, en los cuales no tuvo mucho éxito.
4. El estilo arquitectónico de Wagner estaba basado en una enorme preocupación por el tratamiento de la superficie en la que usaba materiales contemporáneos.

Josef Hoffmann: Su Arquitectura

1. Reflejan las múltiples transformaciones que tuvieron lugar a lo largo de la primera mitad del siglo XX. Sus primeras residencias fueron construidas bajo la influencia del Arts & Crafts. Su obra principal, el Palacio Stoclet, fue un icono del Modernismo. Antes de la I Guerra Mundial realizó obras bajo la influencia del Neoclasicismo. Y diez años más tarde el arquitecto dibujaba nuevos diseños siguiendo el estilo francés del Art Decó. También diseñó proyectos siguiendo la pauta de la tradición local correspondiente.
2. Era un buen arquitecto de reformas y ampliaciones, sobre todo en edificios históricos pues se acercaba mucho a las formas originales.
3. Discípulo de Wagner y heredó de él el interés por los nuevos materiales. Por el contrario, rechazó el funcionalismo, aquel “estilo útil” que su profesor defendía.
4. Para Hoffmann no había ninguna diferencia entre una obra de arte y un artículo de uso corriente a la hora de llevar a cabo su diseño. Esto abrió un abismo entre él y Adolf Loos, del que hablaremos más adelante, que se convirtió en su rival.
5. Defendía que en determinados círculos el uso de ornamentos era totalmente legítimo siempre y cuando fueran una novedad.

Joseph María Olbrich: Características de su Arquitectura

• Arquitectura en la que prima la sobriedad formal. Geometría y líneas curvas frente a la curva del Art Nouveau.
• Reacciona contra los historicismos. Edificios carentes de ornamento con formas basadas en la geometría, en las texturas, en mostrar los materiales, etc.

Adolf Loos

Formuló cuatro principios de adaptación básicos para un nuevo modo de vida:

1. Separación rigurosa de las zonas de día y de noche.
2. Introducción de una mesa en la que pueda comer una familia entera, costumbre que solo se practicaba en las zonas rurales.
3. Cambio de hábitos de alimentación, haciendo, como en Norteamérica, que el desayuno sea la comida principal.
4. Integración de la cocina en la sala de estar para conseguir una pequeña zona de estar-cocina.

A continuación, desarrollaremos algunos de los conceptos de vital importancia en la arquitectura de Loos:

El Ornamento

Loos se opuso al ornamento, provocando controversia en su época. Su declaración de que "un arquitecto es un maestro de obras que ha aprendido latín" confundió a sus colegas vanguardistas, sugiriendo una conexión con la tradición cultural. Aunque su arquitectura no se ajustaba a la idea modernista de utilizar más cristal y acero, su obra "Ornamento y Delito" fue malinterpretada como una simple condena del ornamento.

Rechazaba este elemento en la arquitectura por razones económicas y éticas que eran las siguientes:

• Motivos económicos: consideraba un delito el ornamento en cuanto a que suponía una pérdida de tiempo y dinero considerable.
• Motivos éticos y morales: Loos tenía una componente freudiana importante. Pensaba que una arquitectura que ornamenta las fachadas tiene un cierto deseo de expresión sexual. Ve en el ornamento esa máscara que Freud asociaba al sexo. Consideraba que la sexualidad es algo muy íntimo y por ello no se debía sacar al exterior.

Loos criticaba el uso excesivo del cristal, argumentando que no definía la modernidad y podía volverse superfluo. Esto llevó a que algunos críticos lo consideraran un tradicionalista que rechazaba las nuevas tendencias modernas.

Diferencia entre Arquitectura y Arte

Loos, aunque coincidió temporalmente con los arquitectos de la Seccesión, diferenciaba entre arquitectura y arte, considerando la primera como una profesión basada en la técnica de la construcción. En su artículo "Arquitectura", argumenta que la arquitectura se centra en la comodidad del ser humano, mientras que el arte puede ser visto como una molestia. Según él, solo una pequeña parte de la arquitectura se relaciona con el arte, como sepulcros y monumentos.

Loos enfatiza que el arquitecto debe ser un maestro de obras que maneje materiales y formas con destreza, en contraste con el artista-arquitecto, que copia formas y ornamentaciones. El ingeniero, al emplear solo lo necesario, crea productos actuales y bellos. Estas ideas aún son relevantes, ya que Loos valoraba las exigencias éticas y morales de la arquitectura.

El Interior y el Exterior

Una característica destacada de la arquitectura de Loos es la clara diferenciación entre los espacios interiores y las fachadas. Sus fachadas eran sobrias, mientras que los interiores exhibían riqueza y confort. Para él, el interior era primordial y reflejaba la personalidad del propietario, quien podía participar en su diseño, incluso con mal gusto. En contraste, la fachada, que representaba a la ciudad, debía ser neutra y no estaba sujeta a la opinión del propietario. Por ello, sus obras presentan exteriores simples, a menudo con revoco blanco, y lujosos interiores con materiales como mármol y madera, permitiendo al propietario elegir sus muebles.

Raumplan

El concepto de Raumplan, propuesto por Loos, asigna diferentes niveles de importancia a las habitaciones en una casa, afectando su tamaño y altura. Por ejemplo, la sala de estar, destinada a actividades sociales, es un espacio amplio y elevado, mientras que un dormitorio infantil, más privado, no requiere un techo alto. Esta idea revolucionó la arquitectura al permitir la disposición de espacios en distintos niveles, sin estar atados a una planta uniforme, reflejando la función y relevancia de cada habitación.

Características del Raumplan

1. Planta compacta.
2. Asimetría.
3. Complejidad espacial interior, con espacios cúbicos interconectados a distintos niveles.
4. Estructura vertical de usos donde la planta baja generalmente acomodaba servicios, la primera planta la salas de estar, el comedor, etc., y la segunda planta los dormitorios.
5. Diferencia entre fachada principal y fachada posterior. La fachada principal contiene el significado simbólico de la casa, más cuadrada, frente a la fachada trasera más escalonada.
6. En cuanto a los materiales, usaba, para el exterior, aplacado de cemento y cal, estéticamente neutro, sin decoración de ningún tipo.

Deutscher Werkbund

La Deutscher Werkbund fue una asociación fundada en 1907 por industriales, artistas y arquitectos, como Josef Hoffmann y Peter Behrens, con el objetivo de dignificar el trabajo artesanal y vincularlo con el arte y la industria. A diferencia de las asociaciones inglesas de Morris, la Werkbund aceptaba la producción industrial y buscaba un equilibrio entre estética y viabilidad.

Los miembros, compuestos por destacados industriales alemanes, enfrentaban el desafío de producir objetos bellos y funcionales. La solución era adaptar los diseños a los procesos industriales, recuperando formas tradicionales. El Werkbund promovía la claridad y funcionalidad en el diseño, dejando un impacto significativo en la arquitectura y el arte del siglo XX. Su éxito se basó en la creatividad y tenacidad de sus miembros, quienes usaron un discurso nacionalista para convencer a la clase industrial y atraer a las clases medias y obreras, con Peter Behrens como representante destacado.

Las características fundamentales del Neoplasticismo o movimiento De Stijl eran las siguientes:

• Buscaban un nuevo lenguaje totalmente distinto al tradicional y que rompiera con lo anterior.
• El nuevo lenguaje estaba basado en la abstracción que reducía las formas a rectas.
• Usaba los colores primarios además del blanco, negro y gris.
• Buscaban un lenguaje común.
• El nuevo lenguaje utilizado era de enorme sencillez, claridad y equilibrio.
• Buscaba establecer un vocabulario formal, un credo estilístico, que pudiera ser aceptado por todos los arquitectos, pintores y otros artistas.

Pabellón de Vidrio de Taut

Realizado, como vimos en temas anteriores, para la Exposición de la Deutsche Werkbund en Colonia. Se trata de un pabellón tremendamente original compuesto por una estructura tridimensional que se alza sobre una base de hormigón y un tambor de catorce lados. El “revoltijo” romboidal de la cúpula en forma de piña consiste en una serie de nervios de hormigón armado, cuyo encofrado resultó extremadamente complicado.

El pabellón fue descrito como una "pequeña joya" de "hermosa espiritualidad", destacando su interior y la arquitectura del vidrio. El recorrido del visitante generaba anticipación, con escaleras exteriores que conducían a una sala abovedada con una cúpula de vidrio de prismas coloreados. Un hueco circular permitía ver la sala de la cascada en la planta baja, donde un estanque central y una cascada de vidrio amarillo culminaban en un estanque violeta. Taut enfatizaba la importancia del vidrio en la cultura, considerándolo un símbolo de una nueva era y un medio para iluminar espacios, inspirado en la estructura gótica del Pabellón del Acero de Leipzig.