Escultura Griega: Clasicismo y Helenismo

La Escultura Griega: Del Clasicismo al Helenismo

5.e.- Período Clásico

Se caracteriza por la capacidad de evolución mostrada en la escultura griega, por lo que se divide en tres fases:

• Primer Clasicismo: del 480 al 430 a.C.
• Fase del Manierismo Fidíaco: del 430 al 380 a.C.
• Tercer Clasicismo: del 380 al 312 a.C.

5.e.1.- El Primer Clasicismo, del 480 al 430 a.C.

• Fase en la que poco a poco se asientan las bases de lo que va a ser la escultura clásica por excelencia. Los escultores superan el arcaismo y se acercan a la realidad, reproduciéndola objetivamente, prescindiendo de convencionalismos, pero intentando dar siempre una importancia capital a la belleza.
• Los tipos abandonan la rigidez y los cuerpos apoyan su peso sobre una sola pierna, mientras la otra se gira y dobla con cadencia. Los autores se esfuerzan en plasmar una perfecta anatomía.
• Los rostros muestran lo que se ha venido llamando sofrosine clásica, que es la ausencia total de sentimientos; manifiestan una tremenda serenidad.

Autores destacados:

• Calamis: Escultor que inicia la transición del arcaismo al clasicismo; se le atribuye la obra de la Pseudoaspasia, que aún presenta caracteres geométricos en su traje.
• Mirón: Busca representar el movimiento instantáneo, es decir, una actitud fugaz en la escultura, como plasma en el Discóbolo. Se trata de una obra de anatomía perfecta, que marca los caracteres más sobresalientes de este primer clasicismo.
• Policleto: Es el maestro de la escuela de Argos, y para él la escultura era la relación perfecta entre número y proporción. Dota a sus obras de una flexibilidad de formas que supera la rigidez arcaica y fue el primero en establecer un canon (el tamaño del cuerpo es equivalente a 7 cabezas), que pervivirá hasta la obra de Lisipo. Plasma en sus figuras un movimiento con la fórmula del contraposto, como en el Doríforo. En el Diadúmeno, el autor recoge el momento en el que un atleta se ata la cinta de la victoria o tenía en la cabeza, siguiendo la misma postura flexible y plástica que el anterior.
• Fidias: Es la cima de la escultura griega clásica, representa la serenidad majestuosa, sin pasión ni anécdota, la perfección técnica y formal, pero sin virtuosismo, sino que es un clasicismo puro. Nace hacia el 485 a.C. en la Atenas de Pericles. Su primer encargo fue la Atenea Lemnia, obra perdida en la que representa a la diosa sin lanza y mirando melancólica su casco. Realizó luego la Atenea Promacos, también perdida, de mármol y unos 15 metros de altura, que se levantaba sobre una roca de la Acrópolis protegiendo a la ciudad, de la que era patrona, armada con la lanza y cubierta con yelmo. En la Atenea Area, utiliza la técnica acrolítica, o sea, un maniquí de madera recubierta con placas de mármol para las carnaciones y de oro para los ropajes, y en la desaparecida Atenea Partenos, la técnica criselefantina, en la que se sustituye el mármol por placas de marfil; esta estatua, de 12 m, se conservaba en el Partenón, y tras su realización le acusaron de haber robado el oro de la diosa, con lo que tuvo que huir a Olimpia, donde realizó otra escultura monumental con la misma técnica para el templo, el Zeus de Olimpia. Pero su obra maestra fueron los relieves del Partenón de Atenas:

Relieves del Partenón:

• Las metopas: en las que se recogen cuatro temas ubicados en las 4 fachadas exteriores del templo. La fachada oriental recoge 14 metopas con escenas de la gigantomaquia; en la norte, en la occidental, aparecen historias de Teseo y su lucha contra las Amazonas, y en la fachada sur, escenas de combate dual entre Centauros y Lapitas.
• El friso interior: extraordinariamente es de carácter jónico (aunque el templo sea de orden dórico), o sea, con decoración corrida, y representa la procesión anual de los atenienses a venerar a su diosa protectora, momento en el que las Panateneas le entregaban el peplo a Atenea.
• Los frontones: de los que se han perdido la mayoría de las más de 40 figuras que los componían. En el frontón oriental se representa la escena del Nacimiento de Atenea, de la quedan escasas figuras, como el grupo de Las Parcas, que muestran una adecuación al espacio que las acoge: una tumbada, otra reclinada y otra sentada. El frontón occidental acogía la escena de la Disputa entre Poseidón y Atenea por el patronato de Atenas.

5.e.2.- Fase del Manierismo Fidíaco: del 430 al 380 a.C.

Los discípulos de Fidias buscan y consiguen un perfecto dominio de la técnica, se pierde la genialidad del origen; es una etapa manierista surgida de un maestro.

• El más importante es Alcamenes, cuya obra maestra es el Hermes Propíleos, que no conservamos, y el Ares Borghese. Talló varias Afroditas según la técnica de paños mojados, dando lugar a un gran virtuosismo en la talla.
• Consecuencia de la preocupación exagerada por la técnica, la escultura pierde la estabilidad que hasta ahora había tenido, y las figuras se representan en los últimos momentos como si volasen, exaltadas y con movimientos impulsivos.
• Son también interesantes de este período las estelas funerarias, normalmente anónimas, destacando la que representa la Separación de Orfeo y Eurídice.

5.e.3.- Tercer Clasicismo: del 380 al 312 a.C.

• En este período, la escultura toma caracteres netamente individuales, busca hacer algo personal, que perdure y se le conozca por ello.
• Se busca la originalidad, rompen esa impasibilidad de las dos maneras posibles:
  • a través de la expresión de lo dramático y lo triste.
  • a través de la expresión de lo alegre y feliz.

Esta reacción contra el idealismo la cultiva Cefisodoto (padre de Praxíteles), en su grupo de Eirene y Pluto, donde se aprecian los sentimientos materno-filiales de los dioses.

• El Monumento de las Nereidas de Janto, en el que el virtuosismo llega al máximo en la representación de los paños transparentes pegados al cuerpo.
• Cambio en el tratamiento de los temas clásicos, porque si anteriormente los dioses se representaban con toda su majestad y con actitudes propias de la divinidad, ahora aparecen con actitudes más humanas.
• El naturalismo invade el campo de la escultura, primando lo trivial y licencioso, y así en las plazas públicas se ven estatuas de dioses y héroes que se exhiben como objetos de curiosidad.

Los artistas:

• Praxíteles: Nacido en Atenas, busca la representación de lo gracioso, lo dulce y lo tierno a través de la femineidad. Modela sus esculturas en mármol o bronce, logrando un suavecísimo claroscuro, con un efecto pictórico denominado sfumato. Olvida en su obra la fuerza y la tensión mediante actitudes de reposo y abandono, como se aprecia en el Apolo Sauróctono, o en el grupo de Hermes con Dionisos niño. Es el escultor de lo femenino por excelencia, y sus modelos poseen lo que se ha venido llamando la Curva Praxiteliana, es decir, se arquean hacia un lado en forma de "S" abierta apoyando el codo en un soporte tipo árbol o columna, como demuestran los ejemplares de El Fauno, o el Sátiro escanciador, como en la Venus de Cnido, que es una de las primeras obras en la que se plasma el desnudo de una diosa, saliendo del baño.
• Scopas: Nacido en Paros, se le considera el mayor representante de lo dramático, de la amargura romántica, como lo demuestran las metopas auténticas del Templo de Tegea. En el Mausoleo de Halicarnaso esculpe los relieves de la Amazonomaquia y las dos estatuas de Mausolo y su mujer Artemisa. Este artista destaca por la violencia de movimientos, que imprime tanto en los relieves con escenas de lucha como en las esculturas exentas, y ejemplo de ello es la popularísima Ménade furiosa. En la Cabeza de Meleagro se ve la expresión trágica anunciadora de su muerte.
• Lisipo: Nacido en Sición, no se conserva ningún original de su obra (como ocurre con la mayoría de los autores, que su trabajo se conoce por copias generalmente romanas). Gusta del modelado masculino y aceptó los desnudos totales buscando un nuevo sentido de esbeltez con el establecimiento de un nuevo canon, para lo que alarga los miembros y reduce la cabeza, que a partir de ahora será un octavo del volumen total. Este canon se aprecia ya en el Joven Agias, pero sobre todo en el Apoxiomenos. Se convirtió en un gran retratista, ejecutando numerosos retratos de Alejandro Magno. También es novedoso que el artista rompiera con toda frontalidad, ofreciendo en sus figuras bellas posiciones de perfil; para comprenderlas, deben ser contempladas desde distintos puntos y su visión completa es posible desde todos ellos. Su Ares Ludovisi está sentado en una postura naturalista y cómoda, impropia de un dios, y en él se aprecian caracteres praxitelianos. En el Hermes del Museo Carlsberg también esculpió figuras femeninas, como las estatuas funerarias de Las Herculanenses, de canon alargado y envueltas en amplísimos mantos, y la Venus de Médicis.

5.D.- Período Helenístico: Del 312 al Siglo I a.C.

• Asistimos a un desplazamiento de los centros artísticos, por la ampliación del imperio debido a las conquistas de Alejandro Magno, ahora representados por las escuelas de Alejandría, Rodas, Pérgamo o Éfeso. Desaparecen los genios individuales y, de las abundantes esculturas que se conservan, se desconocen las fechas y los autores.
• Se trata de una nueva concepción artística, caracterizada por el abandono de la sofrosine. Transformación del amor en lascivia: se llega a la aberración sexual, como en el tema de Hermafrodita. Se cultivan también las alegorías siguiendo la tendencia antropomórfica y, así, aparecen ríos y ciudades bajo formas humanas.
• Es una escultura que se caracteriza por lo simbólico.
• Los autores gozan de un absoluto dominio de la técnica, de modo que se regodean en conseguir efectos de movimiento y espacio.
• La nota dominante es el realismo, que llega a un naturalismo cuando se complace en representar lo feo, y es que los autores ya no buscan la plasmación de la belleza arquetípica, sino la individualidad humana, razón por la cual tiene gran importancia el retrato. El autor intenta captar al espectador a través de las emociones y defectos del representado, de la risa, del miedo, del dolor...
• El arte helenístico es un canto a los individuos, y no solamente a los griegos como en el período arcaico y clásico, sino a todos los pueblos que componen el imperio, a todas sus diferentes etnias.
• Se acostumbra a clasificar las obras de este período por escuelas, concretamente cuatro, que son Atenas y el Peloponeso, Rodas, Pérgamo y Alejandría.

5.D.a.- Escuela del Ática

Es el más tradicional de todos los focos regionales de época helenística, y sigue imitando a los escultores del siglo IV a.C., de modo que aparecen obras como el Pugilista y el Torso Belvedere, firmadas por el ateniense Apolonio. Canon de musculatura hercúlea, naturalismo de la composición pero mezclada con algunos caracteres arcaicos como el peinado, es el Niño de la Espina. La ciudad de Antioquía, mostrada como una figura sentada en una roca, con una corona en forma de muralla, obra de Eutíquides.

5.D.b.- Escuela de Rodas

• Coloso de Rodas, gigantesca estatua de Apolo (por sus piernas pasaban los barcos), situada a la entrada del puerto y realizada por Cares de Lindo, pero que quedó destruida por un terremoto.
• Apolónides y Tauriscos son los autores del grupo Toro Farnesio.
• Otra obra importante es la Victoria de Samotracia, obra de un seguidor de Scopas, que reproduce una Niké alada de gran naturalismo.
• De tendencia scopástica es el grupo del Laocoonte, realizado en el siglo I a.C. por Agesandros, Polidoros y Atenodoros. Desproporción entre el gran tamaño del padre, frente a los hijos, o a las serpientes, que parecen sogas. Es una obra que influyó notablemente en el barroco, por la exageración de los músculos, los intensos claroscuros, y la sensación de movimiento en el dolor.

5.D.c.- Escuela de Pérgamo

• En esta ciudad se desarrolla un arte al convertirse en un reino organizado con Eumenes I y Atalo I en 214 a.C. tras sus luchas con los galos.
• Destacan los trabajos del escultor Epígono, que dirigió esta escuela y a otros como Antígono, Pirómaco...
• Son famosas las representaciones de guerreros, como el Galo moribundo, raza fielmente representada, o el Galo y su esposa suicidándose.
• Gran creación pergamense es el Altar de Zeus, erigido por Eumenes II en el siglo II, tema de la gigantomaquia, y en un friso más pequeño narra la vida de Télefo.
• Las representaciones más crueles son las de Marsias atado al poste esperando ser degollado.
• Y las espeluznantes de Hermafrodita.

5.D.- Escuela de Alejandría: Influencia de Praxíteles

• En esta escuela tiene influencia el sfumato praxiteliano y los relieves pictóricos plenamente desarrollados.
• El paisaje antropomórfico tiene su representación en la alegoría del Río Nilo, cuya composición se realiza alrededor de una figura masculina de gran tamaño, apoyado en una esfinge egipcia, que simboliza al río, y 16 juguetones niños encaramados en él simbolizando el número de codos que alcanza el Nilo en sus periódicas crecidas.