Escultura y Arquitectura en la Antigua Grecia y Roma: Características, Periodos y Obras Clave

Características Generales de la Escultura Griega

La escultura griega se distingue por su enfoque en el ser humano, la búsqueda de la belleza ideal a través del canon (proporción y número), y el uso de materiales como el mármol y el bronce. La técnica crisoelefantina (oro y marfil) también fue empleada. Las esculturas, a menudo policromadas, evolucionaron desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico, adaptándose al marco arquitectónico y presentando formas de bulto redondo.

Periodo Arcaico (Siglos VIII-VI a.C.)

Durante este periodo, la escultura tenía una función principalmente religiosa y mostraba influencias egipcias y persas. Las obras se caracterizaban por el hieratismo, la frontalidad, la geometría y la sonrisa arcaica.

Obras destacadas:

• Kuroi y Korai
• Templo de Afaia en Egina
• Moscóforo
• Dama de Auxerre

Periodo Clásico (Siglos V-IV a.C.)

El periodo clásico se divide en dos etapas:

Primer Clasicismo

Esta etapa de transición se caracteriza por la ausencia de frontalidad, el idealismo y la expresión contenida, buscando un equilibrio entre ethos (carácter) y pathos (emoción). Una obra clave es el Auriga de Delfos.

Plenitud del Clasicismo

Se busca el naturalismo e idealización, la belleza ideal, la armonía y la proporción en la anatomía. Autores principales: Mirón, Fidias y Policleto.

Segundo Clasicismo

Se observa una menor majestuosidad, un estilo más estilizado y la introducción del desnudo femenino. Autores destacados: Praxíteles y Lisipo.

Periodo Helenístico (Siglos IV-I a.C.)

El periodo helenístico se caracteriza por el realismo, la pathos, el barroquismo, una mayor expresividad, temas variados y un enfoque en lo dramático y anecdótico.

Obras destacadas:

• Venus de Milo
• Victoria de Samotracia
• Laocoonte y sus hijos

La Escultura Helenística: Características y Contexto

Tras la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.), la escultura helenística se define por el eclecticismo, el secularismo y el historicismo. Las influencias orientales y las nuevas técnicas son evidentes. Escultores como Escopas y Praxíteles reflejan una mentalidad preocupada por el destino y la teatralidad de la vida, con un carácter individualista y una visión cosmopolita.

El Canon en la Escultura Griega: Policleto y Lisipo

Canon de Policleto

Policleto estableció un sistema de composición escultórica basado en la distribución proporcional del cuerpo humano, buscando la simetría y la armonía. Su canon, de influencia pitagórica, utilizaba la proporción de siete cabezas. El Doríforo es el ejemplo paradigmático de este canon.

Canon de Lisipo

Lisipo estilizó y alargó el canon, modificando el canon de Policleto al aumentar la proporción a siete cabezas y media, buscando un mayor realismo.

La Razón de la Estilización: Plinio el Viejo y Vitruvio

Según Plinio el Viejo, la diferencia en la estilización se debe a un criterio estético. Los artistas del siglo V (Mirón, Fidias y Policleto) representaban al hombre "tal como es", mientras que los del siglo IV (Praxíteles, Escopas y Lisipo) lo representaban "como el ojo lo ve", con un mayor refinamiento óptico.

Vitruvio amplió estos conceptos a otras proporciones, y fueron reelaborados por artistas como Alberto Durero y Leonardo da Vinci. En la Edad Contemporánea, Le Corbusier creó un nuevo canon de proporciones humanas, el Modulor, para la arquitectura.

Escultores Griegos Destacados

Cálamis (Siglo V a.C.)

Trabajó con mármol, bronce, oro y marfil. Destacó en el género animal, especialmente en caballos. Su mejor obra fue el Apolo Onfalos, de 9 metros de altura. También creó la Afrodita Sosandra en bronce.

Mirón (Siglo V a.C.)

Sus aportaciones marcan la transición al periodo clásico. Utilizó el bronce. Su obra más famosa es el Discóbolo, que representa a un atleta en tensión, mostrando audacia en la pose y un ritmo perfecto. También destacó por su realismo en representaciones de hombres y animales.

Fidias (Siglo V a.C.)

Introdujo el clasicismo. Realizó relieves y esculturas de bulto redondo, incluyendo la Amazona, con paños más realistas. Sus obras más importantes fueron la Atenea Partenos y el Zeus, ambas crisoelefantinas (madera revestida con oro y marfil), consideradas modelos de perfección. También creó esculturas en bronce como la Atenea Lemnia y la Atenea Promacos. Fidias fue el responsable de los frontones del Partenón.

Escuelas de Escultura Helenística

Escuela de Rodas

Durante el periodo helenístico, la isla de Rodas fue un importante centro de producción escultórica, asociado con el estilo barroco helenístico. Obras clave: La Victoria alada de Samotracia y Laocoonte y sus hijos (Atenodoro, Polidoro y Agesandro). Según Plinio el Viejo, Rodas albergaba 3000 estatuas, incluyendo el Coloso de Rodas, una gigantesca imagen de bronce de Helios.

Escuela de Tralles

Apolonio de Tralles (siglos II-I a.C.) fue el autor del Toro Farnesio, junto con su hermano Taurisco. Esta obra, la mayor escultura de bulto redondo de la antigüedad clásica, representa el castigo de Dirce por Anfión y Zeto. Presenta una composición piramidal con líneas helicoidales y una base paisajística, incluyendo figuras secundarias. Está realizada en mármol.

Escuela de Pérgamo

En los siglos III y II a.C., Pérgamo fue un centro escultórico activo. Bajo el mandato de Átalo I, se construyeron grupos conmemorativos en bronce. Se desarrolló la trilogía de guerreros heridos: Gálata moribundo, el sátiro Marsias colgado de un árbol, el Fauno del cabrito, la Atenea de Pérgamo y el Fauno Barberini.

Escuela de Atenas

Esta escuela se caracterizó por un extremo verismo en los rasgos, como cabellos despeinados, arrugas faciales y miradas expresivas. Se representaron temas variados, como el Niño de la espina, la Afrodita de Milo (en mármol) y el Torso de Belvedere (fragmento de un desnudo masculino).

Análisis de Obras Emblemáticas

Apoxiomeno (El Raspador) de Lisipo

Clasificación: Siglo IV a.C. (330 a.C.). Copia romana de un original griego en bronce del periodo postclásico. Encontrado en el siglo XIX en las termas de Agripa (Roma). Dimensiones: 2,05 m. Autor: Lisipo. Ubicación: Museos Vaticanos. Tema: Atleta ("el raspador").

Análisis formal: Hombre desnudo de pie, con brazos extendidos. Realiza una acción con el brazo derecho. Descansa sobre la pierna derecha. Material: Mármol. Textura lisa, musculatura fuerte. Técnica: Esculpido en mármol. Forma: Estatua exenta, de bulto redondo. Composición: Superficie ondulante, serenidad del personaje. Sensación estática. Tercera dimensión a través de los brazos. Composición con distintos puntos de vista. Disposición armónica de las partes del cuerpo (contrapposto). Naturalismo realista. Modelado: Cuerpo más flexible y ligero que el Doríforo. Proporción: Canon de 7 1/2 cabezas, figura más esbelta.

Análisis conceptual: Nueva visión del hombre, alejada del ideal del atleta triunfador. Muestra la faceta cotidiana y realista, marcada por el cansancio. Refleja la sentencia de Lisipo: "Se ha de imitar a la Naturaleza y no a un maestro". Lisipo, escultor de larga trayectoria, trabajó para Alejandro Magno y otros mecenas. Su obra se sitúa entre el periodo clásico y el helenístico.

Doríforo de Policleto

Clasificación: Atenas, 450-440 a.C. Copia romana del original en bronce del siglo V a.C. (periodo clásico griego). Encontrado en el siglo XVI en la Villa Aldobrandini de Frascati. Dimensiones: 1,29 m x 0,73 m (réplica). Autor: Policleto. Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. Tema: Atleta ("Portador de lanza").

Análisis formal: Figura de cuerpo entero. Originalmente en bronce, copias en mármol. Técnica del contrapposto: equilibrio entre partes tensas y relajadas (pierna derecha sostiene el peso, izquierda flexionada; brazo derecho relajado, izquierdo sujeta la lanza). Expresión serena. Torso inscrito en un rectángulo. Pectorales e ingles marcados. Textura lisa. Gran estudio anatómico. Musculatura bien definida. Rasgos arcaicos en la rigidez de algunas líneas.

Análisis conceptual: Tras la victoria de Atenas en las Guerras Médicas, la ciudad vivió su máximo esplendor bajo Pericles. Policleto estableció en su tratado Canon un sistema de proporciones basado en el canon de siete cabezas, buscando la belleza ideal del cuerpo humano. El Doríforo es la mejor expresión plástica de estas teorías, un referente en el arte romano y renacentista. Su función era conmemorar la figura de un atleta victorioso y reflejar el antropocentrismo griego. Se conservan unas 70 copias romanas.

Victoria de Samotracia

Clasificación: Siglo II a.C. Escuela de Rodas. Periodo helenístico. Dimensiones: 2,55 m (con base: 5,57 m). Autor: Se atribuye a Pithókitos. Ubicación: Museo del Louvre. Tema: Mitológico y conmemorativo. Representa a Niké (Atenea de la Victoria) posándose sobre la proa de un barco. Descubierta en 1863 en la isla de Samotracia, en el santuario de los Grandes Dioses. Los bloques de la proa del barco se descubrieron en 1875.

Análisis formal: Escultura figurativa, de bulto redondo y en pie. Tallada en mármol blanco de Paros, con base de mármol gris veteado de Lartos (Rodas). Técnica: "Drapeado" y efecto de "paños mojados" (la anatomía es visible a través del vestido). Composición: Contrapposto (el peso del cuerpo se apoya en una pierna). Alas e inclinación del cuerpo: composición abierta con líneas diagonales (sensación de avance y desequilibrio). La escultura parece abalanzarse contra el viento. Pliegues en la vestimenta: acentúan la expresividad. Detallado estudio anatómico. Juego de luces y sombras: refuerza el dramatismo (arte helenístico).

Análisis conceptual: Hallada en 1863 en el santuario de Cabiros en Samotracia. Función: Votiva y conmemorativa (probablemente celebrando una victoria naval sobre Antíoco III de Siria). Niké (diosa de la victoria) solía representarse en pequeño formato junto a dioses como Zeus o Atenea (simbolizando el triunfo universal). El periodo helenístico, influenciado por la expansión de Alejandro Magno, abandonó la racionalidad clásica en favor del movimiento, la tensión y el dramatismo. La Victoria de Samotracia (fechada en 167 a.C.) pertenece a la escuela de Rodas, reflejando esta evolución hacia la expresividad y el barroquismo formal. Inicialmente descubierta sin su base, posteriormente se identificó su ubicación sobre la proa de un barco gracias a monedas antiguas. Su influencia ha sido enorme, con copias en museos de todo el mundo y referencias en el arte, la literatura y la cultura popular. Inspiró obras como Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni, esculturas de Yves Klein y Dalí, y fue mencionada en el Manifiesto Futurista de Marinetti. Además, su imagen dio identidad a la marca Nike.

Torso Belvedere

Clasificación: Siglo I a.C. Copia romana del original de bronce (probablemente del siglo II a.C., periodo helenístico griego). Dimensiones: 1,59 m. Autor: Apolonio de Atenas. Ubicación: Museo Pío-Clementino (Museos Vaticanos). Tema: Mitológico.

Análisis formal: Descubierto entre 1503 y 1513 en Campo de Fiori. Escultura exenta y sedente, incompleta (carece de cabeza, brazos y piernas). Tallado en mármol (textura traslúcida: alto grado de realismo en la musculatura). Composición: Hombre musculoso, torso curvado hacia adelante y ligeramente ladeado a la izquierda. Se presume que su brazo derecho estaba más bajo que el izquierdo (posiblemente levantado). Sentado sobre una roca cubierta por una piel de animal. Tensión en el abdomen y postura encorvada: reflejan el estilo del periodo helenístico (mayor dramatismo y expresividad, alejándose del equilibrio y la armonía clásica).

Análisis conceptual: Admirado desde el siglo XV, formó parte de las colecciones vaticanas desde 1530. Su representación del cuerpo humano influyó en el Renacimiento. La interpretación más aceptada es que representa a Áyax Telamonio antes de su suicidio (aunque en el pasado se creyó que podría tratarse de Heracles, debido a la piel). En el siglo XIX, Carl Hasse refutó esta idea (la piel no era de león). Su anatomía poderosa y su estilo influenciaron a Miguel Ángel, Rubens, Turner, Rodin y Picasso.

Laocoonte y sus Hijos

Clasificación: 50 d.C. (siglo I). Periodo helenístico. Escuela de Rodas. Obra original de principios de la era cristiana. Dimensiones: 2,42 m de altura. Autores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Ubicación: Museos Vaticanos. Descubierta en el siglo XVI (1506) por Miguel Ángel, en los terrenos de una villa de Nerón. Se cree que la escultura tenía una función decorativa en la villa del emperador.

Análisis formal: Grupo escultórico de bulto redondo. Esculpido en mármol (técnica del cincel). Composición: Asimétrica y piramidal. Diagonal dominante (desde el pie izquierdo de Laocoonte hasta su codo derecho): intensifica el dramatismo y la sensación de movimiento. Detallado naturalismo (superficies finamente trabajadas en la anatomía, cabellos y pliegues de los mantos). El cuerpo de Laocoonte es más grande que el de sus hijos (refuerza su protagonismo). Curvas dinámicas. Diagonales marcadas en las miradas. Espiral en la torsión del cuerpo de Laocoonte. Ausencia de policromía. El trabajo en mármol destaca el realismo expresivo.

Análisis conceptual: Su función principal es narrar la escena mitológica (sin un significado metafórico adicional). Relata el castigo de Apolo al sacerdote Laocoonte y sus hijos (lucha contra las serpientes marinas). Escuela de Rodas: dramatismo y exaltación del pathos (en contraste con el ideal de equilibrio clásico). Este estilo, junto con la escuela de Pérgamo, derivó en un barroquismo expresivo y formal. La escultura transmite tensión extrema y dramatismo, guiando al espectador a una catarsis emocional.

Trascendencia: Desde su hallazgo en 1506, impactó a artistas como Miguel Ángel y sirvió de inspiración para numerosas copias y reinterpretaciones. Su dramatismo influyó en el Barroco (Bernini) y en el siglo XX fue referente para los expresionistas. Sigue siendo una de las obras más influyentes de la escultura helenística.

Toro Farnesio (Suplicio de Dirce)

Clasificación: Escultura monumental helenística. Ejecutada en mármol alrededor del año 130 a.C. (la versión conservada es una copia romana del siglo III d.C.). Autores: Apolonio y Taurisco de Tralles (rodios). Dimensiones: 3,70 m de altura, 40 toneladas de peso. Ubicación: Museo Arqueológico de Nápoles. Representa un episodio mitológico: Anfión y Zeto castigan a Dirce atándola a un toro (venganza por los malos tratos a su madre, Antíope).

Análisis formal: Grupo escultórico tallado en mármol. Diseñado para ser visto principalmente desde el frente (aunque permite la observación desde distintos ángulos). Composición: Piramidal. Líneas helicoidales: generan tensión ascendente (culminan en la cabeza del toro). Cuatro figuras humanas, animales y elementos naturales (refuerzan la escena dramática). El movimiento es un elemento clave (reflejado en la musculatura del toro y en las expresiones de terror y tensión de los personajes): fuerte dramatismo y teatralidad. Detalles: presión de la mano de Dirce sobre la pierna de uno de los jóvenes, sensación de furia del toro.

Análisis conceptual: Descubierta en 1546 en las termas de Caracalla. Restaurada y expuesta en el Palacio Farnesio (de ahí su nombre). Ejemplo del arte helenístico: teatralidad, monumentalidad y dinamismo (en contraste con la serenidad y equilibrio del arte clásico). Refleja una sociedad en constante cambio (influenciada por los conflictos tras la muerte de Alejandro Magno). Su impacto perduró hasta el Barroco, inspirando obras como El Rapto de Proserpina y El Éxtasis de Santa Teresa de Bernini.

Arquitectura Griega: Características y Periodos

Características generales: Formas arquitectónicas principales: templos, teatros, puertas de entrada procesional (propileos), plazas públicas (ágora), paseos con columnatas (stoa), edificios del ayuntamiento (bouleuterion), tumbas monumentales (mausoleo) y estadios (stadium). Estructuras ortogonales y adinteladas. Columnas como principal elemento sustentante. Materiales: piedra caliza blanca, mármol, madera, adobe y terracota.

Periodo Arcaico (Siglos VIII-VI a.C.)

Las edificaciones se realizaban en madera, adobe o arcilla. Predominio del estilo dórico. Obra destacada: Templo de Hera en Olimpia.

Periodo Clásico (Siglos V-IV a.C.)

No existía un alto estatus de los arquitectos; los autores son en su mayoría desconocidos. Ictino diseñó el Partenón (dórico y jónico). El Partenón era el templo de Apolo en Delfos. Obras clave: Propileos de la Acrópolis, Templo de Atenea Niké, Erecteion y el Partenón.

El Partenón: Construido entre 447 y 432 a.C. en la Acrópolis de Atenas. Estilo dórico. Dedicado a Atenea (diosa protectora). Dimensiones: 69,5 m de largo, 31 m de ancho. Columnas de 10 m de altura. Material: mármol blanco. Autores: Ictino y Calícrates, bajo la dirección de Fidias (autor de la decoración escultórica y la estatua de Atenea, de 12 metros de altura y 1200 kilos de oro).

Periodo Helenístico (Siglos IV-I a.C.)

Se desarrollaron proyectos urbanísticos, como la organización en cuadrícula de Hipodamo de Mileto. Obras destacadas: Altar de Pérgamo, Templo de Zeus Olímpico, Linterna de Lisícrates.

Órdenes Arquitectónicos Griegos

• Dórico: Sin basa. Columna robusta. Fuste en arista viva. Capitel sencillo. Arquitrabe de una sola pieza. Friso dividido en triglifos y metopas.
• Jónico: Con basa. Columna esbelta. Fuste acanalado con ángulo matado. Capitel con volutas. Arquitrabe dividido en tres bandas horizontales. Friso liso y continuo.
• Corintio: Similar al jónico, pero con capitel decorado con hojas de acanto.

Planta del Templo Griego

• Pronaos: Vestíbulo. Prolongación longitudinal de los muros de la naos, rematados con una pilastra.
• Naos: Cámara central con tres naves separadas, donde se aloja la estatua del dios.
• Opistodomos: Cámara en la parte posterior, donde se guardan los objetos de culto y los tesoros. Acceso desde la parte posterior.

Escultura Romana: Características y Periodos

La escultura romana tenía dos finalidades principales:

• Pública: Dar a conocer a los héroes romanos y sus hazañas. El envío de esculturas del emperador y su familia a las provincias favoreció la idealización en algunas épocas.
• Estética: La belleza pierde importancia en favor de la verdad; los detalles y la realidad son más importantes que el canon.

Características:

• Escultura civil: Prioridad en ensalzar a la autoridad, exhibir el poder y la grandeza de Roma y su gobierno.
• Culto a los muertos: Siguiendo la tradición etrusca (imagines maiorum). Origen en una antigua práctica funeraria: se sacaba una mascarilla de cera del rostro del difunto patricio, que se guardaba en casa y se exhibía en los funerales.
• Gusto por las facciones de la cara (naturalismo): Fidelidad en los rasgos y en los tocados (retrato femenino).
• Retrato policromado para acentuar la expresión de vida.
• Busto en distintos tipos de piedra y policromado para imitar al natural.
• Tallado de la pupila o iris de los ojos en sustitución del policromado.

Tipos de Retrato

• Retrato: Cabeza, o cabeza y cuello.
• Busto: Cabeza, hombros, nacimiento de los brazos y pecho (o parte de él). No es un fragmento parcial de una obra, sino la obra completa.
• De pie: El más común.
• Sedente: Más propio de mujeres.
• Ecuestre: A caballo, solo emperadores.
• Retratos funerarios femeninos: Figuras de mujer cubiertas por una toga y un manto que cubría la cabeza.

El relieve narrativo se utilizaba para la narración de acontecimientos históricos y campañas militares del imperio.

Periodo Republicano

Origen en las imagines maiorum. Gran realismo, rasgos faciales muy acentuados. Busto corto (solo representa cabeza y cuello). Los hombres llevan el pelo corto. Obras destacadas: Lucio Junio Bruto (romano o etrusco), Pompeyo (realismo y penetración psicológica), Bruto Barberini (aunque ya del Alto Imperio).

Periodo Imperial

Alto Imperio

Retratos imperiales:

• Imagen togata: Como patricio o pontífice máximo, con toga. Ejemplo: Retrato togato de Augusto (postura con contrapposto, cabeza cubierta).
• Imagen thoracata: Imperator, jefe militar, con indumentaria militar y coraza. Ejemplo: Retrato toracato de Augusto (dirigiéndose al ejército, brazo en alto, contraste entre coraza lisa y tela blanda, coraza con relieves alusivos a la paz augusta).
• Imagen apoteósica: Divinidad, desnudo, corona de laurel y atributo de algún dios. Ejemplos: Retrato apoteósico de Augusto, Claudio divinizado.

Siglo I

Influencia griega. Realismo idealizado (los rasgos más acusados se disimulan). Busca mostrar la grandeza del emperador. Ejemplos: Retratos de Augusto, Calígula.

Siglos II y III

Progresivo barroquismo. Pelo más largo y separado de la cabeza, rizado. Aparecen las barbas. A partir del siglo III se graban las pupilas. Ejemplos: Adriano (siglo II, ojos tallados, barba y pelo marcado y largo), Marco Aurelio (retrato ecuestre en bronce del siglo II, el más antiguo conservado), Retrato de Caracalla (siglo III; emperador de carácter violento, reflejado en la escultura).

Bajo Imperio (Siglo IV)

El retrato se caracteriza por la rigidez y el hieratismo (que pasará al mundo cristiano). Los retratos se deshumanizan, se tiende a la esquematización (aleja al emperador de la sociedad). Ejemplos: Constantino (del Palacio de los Conservadores de Roma; cabeza de una escultura de cuerpo entero fragmentada, dimensiones colosales; imberbe, pelo pegado a la cabeza, mechones como líneas, ojos grandes y desproporcionados), Grupo de los Tetrarcas (dos augustos o césares dándose el abrazo de la concordia).

La Pintura Romana

La pintura romana estuvo profundamente influenciada por el arte griego. Fue principalmente mural, decorando las casas de los más adinerados. Técnicas: fresco, encausto y temple. Los frescos protegidos con cera son los ejemplos mejor conservados (especialmente en Pompeya y Herculano).

Estilos Pompeyanos

• Primer estilo o de incrustación (siglos II-I a.C.): Imitación de revestimientos de mármol.
• Segundo estilo o arquitectónico (siglo I a.C.): Introduce perspectiva con arquitecturas pintadas (genera profundidad).
• Tercer estilo u ornamental (primera mitad del siglo I d.C.): Menos profundidad, mayor énfasis en la decoración enmarcada.
• Cuarto estilo o del ilusionismo arquitectónico (segunda mitad del siglo I d.C.): Síntesis de los estilos previos, con escenografías fantásticas y efectos ópticos barrocos.

Mosaico Romano

Función: Principalmente para suelos y decoración de interiores. Durante el periodo bizantino, sustituye a los frescos en los muros.

Técnicas:

• Opus tessellatum (de origen griego): Teselas de forma cúbica. Útil para decoraciones geométricas, pero no para escenas.
• Opus sectile: Pequeñas piezas de piedra adaptadas a las formas del diseño. También se utiliza concha y nácar.
• Opus vermiculatum (de la palabra vermis, "gusano"): Técnica similar a la taracea. Las piezas se disponen en forma de espiral o siguiendo los movimientos de un gusano. Permite definir líneas sinuosas y curvas.

Temas: Costumbristas, narrativos (batallas), representación de dioses.

Arquitectura Romana

La arquitectura romana es el resultado de la fusión de la civilización etrusca (que dominó Roma hasta el 509 a.C.) y las culturas itálicas primitivas (sabinos, samnitas y latinos). Roma se funda en el 753 a.C. El fundamento etrusco se ve influido por la cultura griega. Características: pragmatismo (sentido práctico), militarismo y eclecticismo (postura intermedia entre doctrinas).

Materiales

• Cemento (opus caementicium): Cascajo de piedra, cal (o cenizas de mineral que contenían cal) y agua.
• Piedra: En sillares y sillarejo.
• Ladrillo cocido: Aunque mesopotámico, los romanos desarrollaron sus posibilidades al máximo.
• Estuco y mosaico: Para recubrir superficies interiores.
• Mármol: En planchas, en el exterior.
• Teja: Desarrollada a partir del ladrillo cocido (para cubiertas).

Sistemas Constructivos

• Arco y bóveda (mesopotámicos y etruscos). La cúpula es otro logro.
• Combinación de arco y arquitrabe.
• Elementos sustentantes como decoración exterior (columnas y pilares adosados).
• Dos "órdenes" nuevos: el compuesto (combina el corintio con las volutas del capitel jónico) y el toscano (desarrollado por los etruscos a partir del dórico griego).
• El muro es el elemento sustentante principal, dando un aire de "solidez" y pesadez (macizo).
• Formas de hacer el muro: soga y tizón, al hilo, con ladrillos, relleno de cemento o con armadura para rellenar de cemento.

La Ciudad Romana

La cultura romana es principalmente urbana. Siguen el plano reticular de Hipódamo de Mileto (ya aplicado en los campamentos militares). Dividían la ciudad con dos ejes: cardo (norte-sur) y decumano (este-oeste), quedando el espacio dividido en cuatro cuartos. Estas vías principales quedaban flanqueadas por arcos soportales con comercios. En las vías secundarias estaban las viviendas: insulae (pisos de 2 plantas) e insulae (palacios).

Edificios Públicos

• Templo.
• Foro o plaza pública.
• Edificios públicos como la Basílica y la Curia.

Espacios de Ocio

• Teatro, anfiteatro, circo, odeón, palestra.
• Termas, gimnasios.

Obras Públicas

• Vías, acueductos, puentes, cloacas.

Monumentos Conmemorativos

: arcos de triunfo y columnas.

EL COLISEO ANALISIS

El Coliseo de Roma, además de su imponente estructura exterior, cuenta con un complejo interior compuesto por kilómetros de pasillos, galerías abovedadas y una red de escaleras. Su capacidad, tras la reforma de Domiciano, superaba los 50.000 espectadores. El exterior se compone de cuatro niveles, con tres pisos que siguen una estructura similar de arcos soportados por columnas adosadas, siendo dóricas en el primer piso, jónicas en el segundo y corintias en el tercero. El cuarto piso, encargado por Domiciano, consistía en una pared continua con pilares corintios y ventanas, y en sus intercolumnios se encontraban ménsulas que sostenían los mástiles del "velarium", un toldo para proteger a los espectadores del sol y la lluvia.

El interior del Coliseo incluye una pista central para los espectáculos, rodeada por gradas, y un subsuelo con pasillos, escaleras y ascensores de polea. El sistema de pasillos estaba diseñado para facilitar el acceso y la evacuación rápida de los espectadores, soportando las gradas a través de una serie de bóvedas de hormigón y piedra de toba. Los pasillos estaban decorados con mármol, lo que añadía un toque de lujo a la estructura.

ARCO DEL TRIUNFO ANALISIS

El arco de triunfo es un monumento utilizado para conmemorar victorias militares o para celebrar a un gobernante, con los romanos como los primeros en erigir estos monumentos en la Antigüedad, dedicados principalmente a generales victoriosos. Esta estructura, en su forma más simple, consta de dos pilastras macizas unidas por un arco y rematadas por una superestructura o ático, que puede albergar una estatua o inscripciones conmemorativas.

La decoración de los arcos de triunfo solía incluir tallas, especialmente figuras aladas femeninas que representaban la victoria, similares a ángeles, las cuales decoraban los triángulos curvados sobre la parte superior del arco. Los arcos más elaborados contaban con arcos secundarios flanqueando el arco principal. El diseño rítmico ABA, con un vano central flanqueado por arcos más pequeños, fue adoptado durante el Renacimiento en la arquitectura clásica. Los vanos podrían tener formas de hornacinas o ser "ciegos", con mampostería continua detrás. 

LA BASILICA ANALISIS 

La basílica es un edificio de planta rectangular, generalmente con tres naves, siendo la central más ancha y alta, y soportada por columnas. Esta diferencia de alturas permitía abrir huecos de iluminación en los muros superiores. Su uso variado en la antigua Roma incluía ser un mercado, un lugar para transacciones financieras, un espacio de culto, y, principalmente, un centro de administración de justicia o reuniones cívicas. La entrada se realizaba generalmente por un pórtico en un extremo, mientras que en el otro extremo se encontraba una exedra o ábside donde se situaba la presidencia.

La planta rectangular de la basílica se organizaba de manera simétrica, con un eje central que unía la entrada y el ábside. En algunos casos, se añadía una puerta de acceso en el centro de uno de los lados mayores.

En el periodo bizantino, un ejemplo destacado de la basílica es la iglesia de Santa Sofía en Constantinopla (hoy Estambul), construida entre 532 y 537 por orden del emperador Justiniano. Esta basílica se caracteriza por su planta centralizada y una gran cúpula de 33 metros de diámetro, que se sostiene a 55 metros de altura sobre cuatro pechinas (estructuras triangulares que permiten pasar de un espacio cuadrado a uno circular).

Santa Sofía, originalmente un templo cristiano, pasó a ser una iglesia ortodoxa tras el Cisma de Occidente en 1054, y luego una mezquita en 1453 después de la conquista de Constantinopla por los turcos, momento en el que se modificaron sus mosaicos y se añadieron elementos islámicos, como los minaretes. Actualmente, es un museo. Este edificio es una muestra destacada del arte bizantino, que deriva del arte romano, con elementos como la planta centralizada y la cúpula que ya se veían en monumentos romanos como el Panteón de Roma.

El arte bizantino tuvo un gran auge a partir del siglo X, influenciando la arquitectura de iglesias como San Marcos en Venecia

EL PANTEON ANALISIS

El Panteón de Agripa, construido entre los siglos I y II d.C., es una de las estructuras más emblemáticas de la arquitectura romana. Iniciado durante el reinado de Augusto y su sobrino Agripa, la fachada original fue respetada por el emperador Adriano, quien reconstruyó el edificio centralizado y con una cúpula impresionante hacia el 120 d.C. Aunque la fachada poligonal y la cúpula circular generaban una incongruencia arquitectónica, la obra resultó perfectamente integrada, destacándose por su belleza y su propósito como templo dedicado a todos los dioses.

Los romanos, conocidos por su tolerancia religiosa, aceptaban todas las creencias, siempre y cuando no rechazaran sus deberes cívicos, como la adoración del emperador divinizado.

El Panteón fue construido con materiales como el hormigón, ladrillo, madera y mármol. Sus dimensiones son impresionantes: el pórtico tiene 31 metros de ancho y 18 metros de altura en sus columnas, mientras que la cúpula cubre un espacio de más de 50 metros de diámetro, alcanzando una altura de 43,2 metros. Este tipo de estructura no se volvió a lograr hasta el siglo XIX, cuando se comenzó a utilizar hierro en la construcción.

En cuanto a la planta, el Panteón cuenta con un pórtico típico de los templos romanos, con tres entradas, pero debido a que el edificio es circular en su interior, las dos entradas laterales son ciegas y se limitan a ser hornacinas. El interior está dividido por dos hileras de columnas, manteniendo la estructura clásica de los templos romanos.

El exterior del Panteón está compuesto por tres cuerpos, cada uno con su propia disposición arquitectónica, lo que refuerza la monumentalidad de la edificación. El Panteón sigue siendo una obra maestra de la ingeniería romana, destacándose por su cúpula, que sigue siendo la más grande del mundo sin refuerzos metálicos.