Eros y Psique de Antonio Canova: Análisis de una Obra Maestra Neoclásica

Eros y Psique de Antonio Cánova

Autor: Antonio Canova, escultor italiano (1757-1822). Introducido en el arte de la escultura a temprana edad, su verdadero aprendizaje lo obtuvo bajo el mecenazgo del senador Farlier. Alcanzó gran prestigio con sus estatuas de mármol. Canova se formó en el ambiente barroco veneciano, evolucionando luego hacia el neoclasicismo. Conoció el arte clásico y fomentó activamente la recuperación del gusto por los estilos romano y griego antiguos, influenciado por el descubrimiento del arte helénico. Aunque no conoció directamente el arte griego hasta 1815, cuando pudo ver los mármoles del Panteón, su fuente de inspiración fueron los museos. Como escultor del papado, recibió numerosos encargos oficiales, además de una clientela que demandaba temas mitológicos. Realizó las tumbas de los papas Clemente XIII y Clemente XIV, así como Perseo, lo que le valió ser reconocido como el escultor neoclásico más importante de su época. Incluso recibió encargos de Napoleón, entre ellos la estatua de su hermana. Existe un gran contraste entre los dibujos de sus bocetos, fogosos y vivos, y las frías percepciones de los mármoles de sus estatuas. Históricamente, después de la caída de Napoleón, fue enviado a París para recuperar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, y también realizó encargos en Inglaterra. En 1822, Canova murió y fue enterrado en la Iglesia de Possagno, pero, siguiendo la costumbre, su corazón se conserva en la Iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari de Venecia y su mano derecha en la Academia de Venecia.

Fecha: comenzado en 1787, terminado en 1793.
Material: Mármol.
Técnica: Esculpido.
Dimensiones: 155 x 168 cm.
Ubicación: Museo del Louvre, París.
Estilo: Neoclásico.

Tema

Representación del momento culminante de la leyenda de Eros (Cupido) y Psique, tal como la narra El asno de oro. Cupido, hijo de Afrodita, representado inicialmente como un niño pequeño con alas blancas y rostro redondo, en compañía de su hermano Anteros, creció hasta convertirse en un hermoso joven. Pero al ser separados, volvía a su forma infantil y a sus travesuras. Psique fue bautizada como diosa de la belleza, lo que enfureció a Afrodita, quien ordenó a Cupido que la matara. Cuando Cupido estaba a punto de administrarle el veneno, un rayo de luz la iluminó, revelando su belleza e hizo retroceder a Cupido. Mientras tanto, una de sus flechas de amor rozó su piel, causándole una pequeña herida. Al ver que su plan había fallado, Afrodita persiguió y atormentó a la muchacha, quien llegó a desear poner fin a su vida. Al enterarse, Cupido llamó a Zéfiro para que recogiera a Psique y la enviara a una isla distante. La muchacha despertó frente a un palacio encantado. Cupido confesó su amor y ella aceptó casarse con él. Las hermanas de Psique intentaron hacerla cambiar de opinión, sugiriendo que si resultaba ser un monstruo, lo matara con una daga. Al final, sus hermanas murieron. Psique siguió el plan y, cuando la lámpara iluminó a Cupido, descubrió a un hermoso joven. Cupido despertó del sueño y se marchó, exclamando que no había amor sin fe. Psique salió asustada del palacio y se perdió, llorando y decidida a quitarse la vida. Entonces, Pan y Ceres le aconsejaron que no lo hiciera y que entrara al servicio de Afrodita, para así poder ver a Cupido. Afrodita quiso probar su fidelidad y firmeza, y la envió al Hades a buscar una caja que contenía ungüento de belleza, cuya receta solo conocía Perséfone. De regreso, Psique probó un poco de esa magia para intentar borrar el cansancio. El contenido de la caja era el espíritu del sueño, y quedó completamente dormida. Cupido la vio y forzó al espíritu a regresar a su prisión; Psique despertó con un beso de amor. Cupido la convirtió en inmortal, permaneciendo así juntos para siempre.

Estilo

Es una escultura neoclásica. Canova se recrea en el conocimiento de los clásicos, siendo una composición griega y romana. Presenta una clara perfección en sus formas, el gusto por el desnudo y la delicadeza en el cincelado de las superficies. Cabe destacar que en este tipo de obras no existe la perspectiva aérea.

Composición

Se inspira en una pintura de Herculano. Según el autor, esta obra representa el momento en que Eros acude a despertar a Psique del profundo e infernal sueño en el que había quedado sumida tras abrir el cántaro que le había entregado Proserpina, la diosa del Infierno. Se adscribe al estilo academicista compositivamente a través de una pirámide que tiene un claro impulso ascendente y de ingravidez, logrando introducir un espacio y un vacío que rodea y penetra la obra. Se compone un grupo de dos diagonales que forman una equis definida por las alas de Eros y el cuerpo de Psique, concretando un espacio que separa las dos bocas a punto de besarse. Así, se centra la atención en este gesto de los rostros, y las posturas de las manos remarcan el carácter apasionado y erótico de la escena. La luz da rigidez a los volúmenes, compensando con las líneas curvas del interior, que dificultan y dan mayor movimiento a la obra. Los cuerpos se fijan en el momento de pasión que está a punto de llegar a su momento culminante. Es una representación del amor en toda su dimensión y esplendor, de ternura y de deseo carnal. Representa de una forma muy efectista todo el amor, la ocasión y el deseo; ambas cabezas quedan enmarcadas entre los brazos, creando un centro de atención principal. Las líneas convergentes de las alas y piernas forman una X que concentra la visión en el centro. Este recurso compositivo logra centrar la atención en este gesto de acercamiento de los rostros, mientras que las posturas de las manos remarcan el carácter apasionado y erótico de la escena. La composición también tiene una forma espiral, acentuando la unión de las dos figuras y el sentimiento de liberación del sueño, que se puede apreciar con el gesto de Psique. La escultura tiene una articulación que origina una composición centrípeta, con contraste en el material y del vacío, entre la luz y la sombra. El mármol es entonces el material ideal para representar el calor de los cuerpos, la vitalidad y el sentimiento.

Movimiento y Ritmo

La escultura de Canova es de una extraordinaria perfección formal en el tratamiento de los cuerpos que adoptan posturas en esfuerzos forzados para componer un grupo dominado por dos diagonales. Este recurso consigue centrar la atención en este geto de acercamiento de los rostros. El mármol se convierte en el material ideal capaz de transmitir sensaciones y sentimientos impensables.                                                                                                                                                                                                                                                                                             TÉCNICA
Canova en un modelista, ja que una parte de su actividad creadora consiste en la realización del modelo en arcilla. El modelo tiene que ser vaciado de inmediato en yeso y después se convierte en la obra original. Gracias a su acabado y al sistema de los tres compases. El acabado del mármol es casi siempre obra del artista. Canova le concede una gran importancia y se reserva las carnes, las telas y las cabelleras. No vacila en añadir cambios sutiles en el modelado.
La mayoría de las obras neoclásicas se utiliza mármol blanco de Carrara, sin policromía, porque así se pensaba que eran las esculturas antiguas.
Canova no sólo limaba y pulimenta la obra, sino que intentaba suavizar la superficie mate natural del mármol y darle el aspecto de un material más flexible.
Canova quería que sus esculturas resultasen frías y casi impersonales mediante una realización no emocional. En sus últimas obras Canova va tomando un aire naturalista inscrito en el ideal clásico.                                                                                                                                            CAUSALIDAD
La obra fue encargada por el coronel inglés John Campbell, pero acabo siendo adquirida por e marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe en 1800 y al final por el mariscal de Napoleón Joaquín Murat.                                                                                                                CONTEXTO HISTÒRICO
Durante el siglo XVIII se produjeron una serie de transformaciones sociales, políticas y económicas que pondrán fin al Antiguo Régimen.
La segunda mitad del siglo XVIII se considera el momento álgido de la ruptura con la tradición en todo los ámbitos pero sobresaliendo en el político-social y el religioso. El ideal de los ilustrados es una sociedad basada en la razón y e la búsqueda de la felicidad. Se reacciona contra los excesos imaginativos del Barroco y del Rococó y se les censura por estar al servicio de la monarquía absoluta de la Iglesia y de la aristocracia.
El Neoclasicismo es el arte más identificado con la Ilustración que en las primeras décadas del siglo XIX irrumpe el Romanticismo.
Respecto a la escultura neoclásica, se origina en Roma y sus características básicas hay que buscarlas en las ideas de la Ilustración.
La escultura de este periodo rechaza el efecto pictórico de la barroca y conduce Toto el protagonismo a la línea pura, la claridad compositiva, así como los conjuntos serenos y sobrios en contra de las sinuosidades barrocas.
Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica, pero el veneciano llega al clasicismo desde una formación barroca y configura un estilo de gran sencillez racional.