Dovelas enjarjadas

EL PARTENON

La Obra que vamos a comentar esta semana se trata delPartenón de Atenas. El Partenón era el templo principal de Atenas que, presidiendo la Acrópolis, servía para alojar la estatua crisoelefantina deAtenea Parthenos,deAhíSuNombre.
Fue construído por Ictinos y Calícratesbajo la supervisión ténica de Fidias entre el 447-432 a.C. Durante el llamado "siglo de Oro" Ateniense bajo el gobierno de Pericles. Este templo formó parte de las labores de reconstrucción de la Acrópolis destruida por los persas durante las Guerras Médicas y es el máximo exponente del Clasicismo Griego del siglo V a.C.
Nos encontramos ante una Obra religiosa de primer orden, pues se trata del templo principal de la ciudad de Atenas, que debía de alojar la estatua de la diosa Atena Parthenos, diosa protectora de la ciudad. Este templo fue construido con mármol del pentélico siguiendo las carácterísticas del Orden Dórico (columnas carentes de basa, fustes recorridos por 20 estrías, capitel compuesto por equino y ábaco y arquitrabedivido en triglifos y metopas). Aunque en la actualidad resalta el color blanco de su mármol, sin embargo, a pesar de lo que erróneamente se creyó, originalmente estaba policromado con fuertes colores que resaltaban sus elementos arquitectónicos.
Nos encontramos ante un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho con ocho columnas en sus lados más cortos, por ello podemos categorizarlo como un templo octástilo, por 17 en sus lados más largos. Las columnas recorren sus cuatro lados, se trata por lo tanto de un templo períptero, y seis columnas preceden a la pronaos. De la pronaos accedemos a la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa. En su paste posterior, incomunicada con el resto, se encuentra otra cámara que recibe el nombre de Opistodomos que que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa.

Esta

Obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los ordenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo lasproporciones de sus elementos sino las correcciones ópticas que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumbios, abombamiento del estilóbato y delentablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc...).
El Partenón fue famoso en la antigüedad no sólo por sus esbeltas proporciones sino también por su decoración escultórica, obra del escultorFidias, hoy día repartida fundamentalmente entre el museo del Louvre y el Británico.
La Obra que hemos comentado marcó un hito en la historia de la arquitectura creando un modelo de templo que habría de ser copiado en reiteradas ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX. Si bien mantuvo su función religiosa durante casi mil años pasando de ser templo pagano a iglesia cristiana primero y mezquita con posterioridad. Sin embargo, la fatalidad quiso que una bomba veneciana explotara en el Partenón, convertido por los turcos en polvorín, destrozando gran parte de su estructura. A ello, en el siglo XIX se sumó la expoliación de las potencias imperialistas europeas que desnudaron al templo de la mayor parte de su decoración escultórica hoy día repartida entre París y, fundamentalmente, Londres

.///DORIFORO

Autor: Policleto.
Esta obra escultórica es una de las más representativas del período Clásico del arte griego (siglos V-IVa.C.), período que se caracterizó por las tensiones socio-políticas entre las formas de gobierno democráticas y las aristocráticas. Artísticamente, esta tensión se observó en una evolución progresiva hacia el Naturalismo.La obra original se realizó a mediados del siglo V a.C. (440-430 a.C.) aunque la obra que estamos analizando se trata de una copia posterior, realizada en época Helenística.
Nos encontramos antes una obra escultórica de bulto redondo o exenta, realizada en mármol, aunque la obra original era en bronce.
Representa a un hombre joven, aunque no adolescente, desnudo en actitud de avanzar con el brazo izquierdo flexionado pues portaba una lanza que se ha perdido. Respecto al tema hay diversas interpretaciones pues se puede considerar que representa a un atleta (un lanzador de jabalina) o bien, estaríamos ante una obra de temática mitológica o heroica al representar a Aquiles. Lo cierto, es que el tema tan sólo supone la excusa para que el escultor plasmara de manera plástica el ideal de belleza masculino que expuso en su obra “Canon”.
Esta Obra supone la encarnación más pura del prototipo del cuerpo viril perfecto, de elegancia austera, sin formas hercúleas ni amaneramientos. Sosegado, avanza seguro de sí mismo. Aporta una interesante solución para las figuras de pie en reposo: una pierna soporta el peso del cuerpo y la otra apenas toca el suelo con la punta del pie, y flexiona la rodilla tirándola hacia atrás. La tensión que genera esta descompensación se compensa con ligeras inclinaciones en la pelvis y en los hombros.
El Doríforo aún mantiene algún resabio de arcaísmo: está tallado con rudeza, los pectorales son planos y las líneas de la cintura y de la cadera están muy marcadas. Introduce la técnica de la gravitación sobre una pierna. Se representa el Doríforo en actitud de avanzar; una pausa momentánea une la estabilidad al sentido del movimiento en potencia.Es una acción con mucha menos fuerza que la del Discóbolo de Mirón, pero el torso responde plenamente a ella.El Doríforo sosténía la lanza en la mano izquierda (a nuestra derecha), tensando por consiguiente el hombro izquierdo y levantándolo ligeramente. La pierna izquierda no soporta ningún peso y la cadera cae; el torso se expande.El brazo derecho del Doríforo cuelga relajado, el hombro está caído. La pierna derecha soporta su peso, la cadera está levantada. El torso entre la cadera y la axila se halla contraído. El contraste por un lado del torso contraído y por el otro del extendido da al cuerpo un aspecto de dinámico equilibrio muy diferente a la simetría estática de los kuroi, cuyos lados derecho e izquierdo son básicamente reflejos exactos el uno del otro. La alternancia de miembros tensos y relajados combinada con un torso amoldable se denomina contrapposto. Es un recurso que ha sido utilizado en muchas ocasiones a lo largo de la historia del arte, por ser tan útil para infundir un sentido de vitalidad a figuras hechas de piedra, de bronce o bien pintadas.
Por otro lado, la inclinación hacia la derecha de la cabeza del Doríforo supone la ruptura del punto de vista único que tenían las esculturas arcáicas. Ambos lados de la estatua presentan cualidades muy distintas, pero cada uno por separado es armonioso y bello. El lado derecho ofrece una sensación de reposo gracias a la continuidad de la línea vertical que va desde la pierna derecha que soporta el peso hasta el brazo en posición relajada. El lado izquierdo, por el contrario, es angular, y la posición del codo se corresponde con la curva cerrada de la pierna izquierda relajada.
Aunque no se ha llegado a ninguna conclusión sobre las proporciones del canon, parece ser que la cabeza es la séptima parte del cuerpo; el rostro está dividido en tres partes iguales: la frente, la nariz y la distancia de ésta al mentón y el arco torácico y el pliegue de la ingle son arcos de un mismo círculo; entre otras muchas medidas y proporciones. Para Policleto la belleza se traduce en belleza y proporción.
El “Doríforo” supone la plasmación práctica de los principios teóricos formulados por Policleto en un libro desgraciadamente perdido, llamado precisamente "Kanon". Se suele repetir con razón que el Doríforo da forma a la máxima aspiración de los escultores griegos, que era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista. Esta obra supuso un nueva forma de representar el cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de seres humanos, que se convirtió así en el motivo fundamental del arte desarrollado por los griegos en el periodo clásico –desde la época de las Guerras Médicas hasta el final del reinado de Alejandro Magno (475 a.C. – 323 a. C.)–, una de las etapas históricas más influyentes para el mundo del arte, en particular, y la cultura, en general

.///Discóbolo

La Obra que vamos a comentar recibe el título de "discóbolo" y se trata de una copia en mármol de una escultura en bronce realizada por el escultor griego Mirón , quién vivíó y trabajó entre el 480 y 440 a.C, uno de los mejores representantes del período Clásico de la escultura griega.
Esta obra presenta la peculiaridad de tratarse de una de copia realizada en mármol de un original en bronce que no nos ha llegado a la actualidad. Por lo tanto es difícil saber que fidelidad guarda la obra comentada con el original perdido. La escultura que comentamos, de bulto redondo, representa a un atleta en el momento de lanzar el disco. El hecho de haber elegido este momento para la representación del atleta y no el del reposo, carácterístico de los Kuroi de época arcaica, muestra ya el camino emprendido por la escultura griega hacia un mayor movimiento. Es el movimiento y la captación de un momento fugaz, las principales carácterísticas de este escultor, que trabajó el bronce fundamentalmente. Ello hace que aparezca el atleta inclinado hacia delante, levantado al máximo el brazo derecho, con el que sostiene el disco que va a lanzar mientras deja caer el peso en la pierna derecha, retrasando la izquierda. Ello genera una composición en zig-zag que se genera en la pierna derecha, en la que apoya el peso del cuerpo, hasta la rodilla, de ahí seguía otra línea a la cadera, de la cadera parte otra a la cabeza y de la cabeza termina en el extremo del brazo derecho. Por otro lado, el escultor muestra un mayor Naturalismo a la hora de la representación de la anatomía, en la representación de los músculos en tensión del cuerpo del atleta

La Obra que comentamos ya adquiríó fama en la antigüedad, como lo demuestra las diferentes copias realizadas en talleres en torno al siglo I a.C. Que nos han llegado y es un claro ejemplo de la evolución de la escultura griega. Así frente al hieratismo y las formas planas de la escultura de época arcaica, ésta obra muestra ya un conocimiento de la anatomía por parte del escultor que se refleja en los músculos en tensión del atleta captado en el instante previo al lanzamiento del disco. Sin embargo, esta obra del escultor Mirón, quien trabajo en torno a mediados del siglo V a.C. Aún muestra ciertos rasgos de arcaicismo como el hecho de ser una obra de marcada frontalidad, el poco desarrollo escultórico del pelo de la cabeza, pegado al cráneo, así como la falta de expresividad del rostro, en clara contradicción con la tensión del resto del cuerpo en un momento de máximo esfuerzo.
Mirón es junto a Policleto y Fidias, pertenecientes a una generación posterior, uno de los escultores más representativos de la escultura del periodo clásico griego. Sin embargo, aún muestra en sus esculturas ciertos aspectos que no han evolucionado y que, sin embargo,sí lo harán en las generaciones de escultores posteriores

.///COLISEO

Construido entre el año 70 y el 80 d.C. durante la dinastía de los Flavios siendo un ejemplo de arquitectura de época Altoimperial Romana.
La construcción del Anfiteatro Flavio se inició durante el reinado del emperador Vespasiano, con el que se inauguraba la dinastíaFlavia y ponía fin a la Julio-Claudia . En un intento de congraciarse con la ciudad deRoma y enterrar los negros años del reinado de su predecesor, Nerón, Vespasiano decidíó drenar el gran lago que se había construido aquel en su Domus Áurea y construir sobre el terreno secado un gran Anfiteatro digno de la principal ciudad del Imperio.
Si bien los romanos adoptaron muchos de los edificios creados por los griegos, el anfiteatro es una obra original romana que nace de la fusión de dos teatros y cuyo espacio estaba destinado a combates entre gladiadores o de éstos con fieras así como ejecuciones públicas, espectáculos sangrientos muy populares entre el pueblo romano


La enorme obra del Coliseo, cuyo nombre procede de la colosal estatua de Nerón representado como Helios que estaba próxima, fue un ejemplo de la capacidad arquitectónica romana de construir enormes edificios. Construido en bloques de travertino con juntas de hormigón (opus caementicium), ladrillo y piedra de toba, el edifico presentaba unas dimensiones extraordinarias de 187 metros de largo por 155 de ancho y cuatro pisos de altura.
Su fachada, organizada en torno a pisos, articula en cada uno de ellos un orden clásico diferenciado reservando el orden toscano para el primer piso, el jónico en el segundo y el corintio en el tercero. Igual de novedoso resulta la utilización conjunta del arco de medio punto y el dintel. El cuarto piso fue una ampliación posterior de época de Domiciano y consiste en un cuerpo macizo con pilastras adosadas y ménsulas cuyo objetivo era sustentar los mástiles de madera en los que se fijaba un inmenso toldo o velarium cuyo objetivo era proteger de las inclemencias del tiempo a todo el graderío.
A través de 80 arcos de medio punto denominados vomitorios se producía tanto el acceso como la salida del edificio permitiendo el desalojo del edificio, cuya capacidad alcanzaba los 50.000 espectadores, en pocos minutos. Una vez dentro observamos el uso por vez primera de la bóveda de crucería originada del cruce de dos bóvedas de cañón. El graderío se encontraba dividido en diferentes zonas cuya denominación desde la zona más próxima a la arena hasta la parte superior era inma, media y summa cávea.
Bajo la arena se construyó también en época de Domiciano el hipogeo, una extensa red de galerías y sistemas de grúas y poleas cuya función era agilizar el espectáculo que tenía lugar en la arena facilitando la salida de animales, gladiadores o decorados.
El Coliseo fue inaugurado durante el reinado del emperador Tito en el 80 y los espectáculos inaugurales duraron 100 días siendo sacrificados miles de animales y personas.
El Coliseo desde el mismo momento de su construcción se convirtió en uno de los símbolos del Imperio Romano. Estuvo en uso hasta que los espectáculos de gladiadores fueron prohibidos en el siglo V. En los siglos sucesivos el Coliseo se convirtió en cantera que proveíó de materiales de construcción a los edificios de Roma hasta 1749 en que el Papa Benedicto XIV consagró el edificio a la memoria de los mártires cristianos. Su influencia arquitectónica en épocas posteriores, como el Renacimiento fue notoria. En 1980 fue declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad

.///ALHAMBRA

La Obra que vamos a comentar se trata del conocido como "patio de los leones", quizás la zona más famosa de la Alhambra de Granada, último y espectacular monumento hispanomusulmán en España. Fue construido entre los siglos XIV y XV por la dinastía nazarí granadina.El patio de los leones, concretamente, fue construido entrado el Siglo XV por Mohamed V.
La Obra que vamos a comentar, el patio de los leones, forma parte de un conjunto mucho más amplio formado de una parte por los palacios o cuartos, el de Comares y el de los leones y la alcazaba o fortaleza, que desempeña una función claramente defensiva. Esta función defensiva de la Alhambra, además de palaciega, ya viene dada por su ubicación en las últimas estribaciones de Sierra Nevada. Su nombre deriva de la denominación Calat-al-alamrá o "fortaleza roja", pues el exterior destaca por el color rojizo de su piedra y la sobriedad de sus formas, de las que sobresalen las formas cúbicas de las torres y que nada hacen presagiar la riqueza decorativa del interior.
El palacio de los leones, el último en construirse, anexo al de Comares, se organiza, como aquel entorno a un patio. En esta ocasión se trata de un patio que, tomando como modelo los claustros monásticos, aparece porticado por sus cuatro lados con abundancia de columnas de fuste fino y multitud de anillas típicamente nazaríes y rematadas por capiteles de forma cúbica muy decorativos o de mocárabes. En los lados menores se adelantan dos pabellones cubierto a cuatro aguas y en todo el conjunto destacan los motivos decorativos sobre paneles de yeso dorado a base de paños de sebca y falsos arcos angrelados y de mocárabes, así como zócalós de azulejos con temas de lacería geométrica. En el centro del patio aparece una gran fuente sostenida por doce leones de donde parten cuatro canalillos que la conectan con cuatro fuentes menores situado en las cuatro estancias principales del palacio y cuya simbología, junto a la abundancia de árboles y plantas aromáticas que decoraban el patio, hay que relacionar con la idea del paraíso islámico. En los lados mayores se encuentran las estancias conocidas como de los abecenrajes y de las Dos Hermanas, que destacan tanto por la riqueza de su decoración como por sus bellas cúpulas de mocárabes, construidas en yeso cubriendo una techumbre adintelada. En los lados menores las sucesivas estancias aparecen comunicadas por falsos arcos de mocárabes y la luz que entra tanto del lateral del palacio como la luz cenital que penetra de las claraboyas superiores, cubiertas a cuatro aguas, crean efectos de gran belleza al conjunto. Entre estas estancias destaca la conocida como "sala de los Reyes" debido a la decoración pictórica de la bóveda donde aparecen los reyes de la dinastía nazarí (raro ejemplo de decoración figurativa en el arte islámico).
Estamos sin duda ante el último y más rico ejemplo de arte islámico en España. Sin embargo, este palacio con estancias organizadas en torno a un patio central con fuentes y acequias y plantas no es original sino que ya encontramos ejemplos anteriores como el Palacio del Castillejo en Monteagudo, Murcia, del período almorávide (s.XII

).///MEZQUITA

La obra que a continuación vamos a comentar es una de las partes de la mezquita de Córdoba. Concretamente en la imagen podemos contemplar la maxura de la mezquita, esto es, la zona anterior al mihrab, reservada para el Califa. Nos encontramos por tanto ante la zona más noble de la mezquita y ello se va a traducir en su mayor riqueza decorativa. Estamaxura, junto al mihrab, fueron fruto de la ampliación llevada a cabo bajo el reinado de Al-haken II, en el siglo XI, una más de las sucesivasmodificaciones y ampliaciones a las que fue sometida la mezquita desde su primera construcción en e´poca de Abd-el-Rahman I en el siglo VIII.
La primer impresión de la imagen nos habla de una zona noble, ricamente decorada como corresponde a la zona más importante del edificio. Los materiales empleados en su construcción son sencillos, ladrillo y piedra, si bien luego aparece recubierto por mármoles de diferentes colores y mosaicos de pasta vítrea que enriquecen la visión del conjunto. El sistema constructivo varía ligeramente respecto el usado en el resto del edificio de manera que aunque se sigue usando dos nives de altura, con columna en el primero y pilar en el segundo piso, sobre éstos se adosan finas columnillas. Así mismo aunque se repite la superposición de arcos que se da en el conjunto de la mezquita, el arco de herradura se usa en el segundo piso mientras que como arco de entibo se recurre al arco lobulado, sobre cuyas claves arrancan nuevos arcos. La policromía de las dovelas del la sala de oración, aquí se ve sustituida por la alternancia de dovelas lisas y dovelas decoradas con decoración de ataurique. Vemos parte del mihrab donde sí se recurríó al arco de herradura califal, y que destaca por la riqueza de sus mosaicos de colores, azules y dorados, con decoración de atauriquey epigráfica, obra de artesanos bizantinos enviados por el emperador deBizancio. Al igual que se han modificado los soportes, también en esta zona se opta por la bóveda frente a la techumbre adintelada con artesonado del resto del edificio. Para ello se opta por bóvedas de nervios que no se cruzan en el centro generando una estrella en cuyo centro se abre una cúpulagallonada. La transición del espacio cuadrangular a un polígono que permita esta solución constructiva se logra gracias a pequeñas cúpulas en las esquinas sustentadas por arcos que se denominan trompas. Las bóvedas aparecen decoradas con mosaicos similares a los del mihrab.
La maxura y el mihrab construido por Al-Haquem II supone laconstrucción de la zona de mayor riqueza decorativa y constructiva visibles en el uso del arco lobulado, las cúpulas así como los mosaicos de inspiración bizantina y el uso de mármoles policromados. Sin duda, era el broche de oro para un edificio que comenzado en e´poca de Ab-el-Rahman I había sufrido sucesivas ampliaciones como consecuencia del crecimiento de Córdoba, en esta época la ciudad más refinada y culta de Occidente junto a Constantinopla y Bagdad. Sin embargo, no habría de ser ésta la ampliación definitiva, sino que, ya en época de Hixam II, el caudillo Almanzor, deseó ampliar la mezquita de manera que viendo la imposibilidad de continuar la ampliación del edificio hacia el sur, por la proximidad del Guadalquivir, decidíó ampliarla hacia el este, dando como resultado la descentralización del mihrab y la maxura respecto al conjunto. Esta ampliación no alcanzó la belleza y calidad de las anteriores.
La mezquita de Córdoba es sin duda uno de los legados máshermosos que ha dejado la presencia musulmana en España. Laconstrucción de una catedral gótica en su interior alteró la visión de su conjunto aunque pervivíó frente a la destrucción de otros edificios similares como la mezquita de Sevilla.