Columna de trajano ficha técnica

PATRICIO PORTANDO RETRATOS FUNERARIOS (TOGADO BARBERINI)

Siglo I a.C

Mármol

1,65m. Autor desconocido

Escultura de bulto redondo.

Composición equilibrada centrada por la figura del patricio que está flanqueado por los dos bustos de sus antepasados. Uno de ellos se apoya sobre un tronco de palmera El retrato es la expresión más típica del arte romano. Posiblemente su origen en las máscaras mortuorias que hacían los etruscos a los difuntos. Los retratos republicanos como éste ilustran lo que nos dicen los textos:

- Honrar a los difuntos de la familia

- rendirles culto como intermediarios con el más allá y

 - demostrar antecedentes nobles

En los primeros tiempos de Roma la ley sólo permitía retratos “ius imaginum” a los patricios que habían ejercido cargos públicos. Este retrato,

representa a un patricio o noble romano con la toga, portando dos bustos de antepasados suyos, una escena que reproduce el hecho de que cuando un pariente ilustre moría, un miembro de la familia llevaba a los funerales las  imágenes, en principio máscaras de cera, de otros antepasados ilustres. La imagen del nuevo difunto se incluiría en las ya existentes.   

Gran Realismo del retrato romano, rostros que denotan austeridad, robustez campesina, poca finura, pero a la vez orgullo de su casta gloriosa. Orgullo y amor a los antepasados que trasmite este patricio con la forma de portar los bustos.

Los pliegues de la toga están muy bien trabajados, recordando el trabajo de los griegos. También recuerda a los griegos el contraposto del patricio. La toga era el vestido típico nacional de los romanos en tiempos de paz.

Augusto PRIMA PORTA

20 d.C

El hecho de que vaya descalzo prueba que Octavio ya estaba en el Olimpo. Fue divinizado tras su muerteen 14 d.C.
Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido (que cabalga sobre un delfín) le abraza la pierna, simbolizando su inmortalidad como heredero de la diosa Venus a través de Eneas. Todas estos refinamientos estilísticos y símbolos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?. Se impone así una plástica más clasicista y de tradición griega, donde Augusto aparece con cánones y proporciones clásicas, composiciones en contraposto, un rostro idealizado, ojos grandes y pelo a flequillo.

Está claramente inspirada en el “Doríforo” de Policleto, aunque con algunas variantes: Augusto aparece arengando a las tropas y por ello aparece extendiendo el brazo hacia el frente, asimismo la pierna izquierda se dobla mucho más

No falta por ello esa tendencia aludida a la inspiración clásica, patente en el contraposto, la idealización del gesto y el trabajo de los paños. La copia estaba policromada como lo prueban los numerosos restos de dorado, púrpura, azul, etc., lo que acentuaría sin duda el efecto de la pieza.

Viste el emperador una túnica corta y una coraza “Imagen thoracata), en la que se representan en relieve numerosos símbolos: el cielo en la parte superior extendiendo su manto, la Tierra en la parte inferior, Apolo y Diana sobre ella. En el centro un representante de Roma y la Loba mítica de la ciudad. Tampoco falta la representación de Marte (talvez en alusión a Tiberio, su sucesor), así como las provincias recién conquistadas (Germanía, Hispania y Galia).

Las facciones del emperador están recogidas en un ejercicio de retrato psicológico insuperable, a pesar incluso del idealismo gestual antes aludido.

RETRATO ECUESTRE DE MARCO AURELIO

Bronce. Hacia 166 d. C

Autor desconocido

Se conservan numerosas pruebas documentales de la existencia desde época republicana de un crecido número de estatuas ecuestres en Roma. Y que así mismo desde época de Augusto eran habituales las representaciones de los emperadores desde sobre un caballo en actitud de revista militar, vestidos con una túnica, y extendiendo el brazo en saludo al pueblo y al ejército. Pero no ha llegado hasta nosotros ninguna otra escultura ecuestre de la de Marco Aurelio.

El propio Marco Aurelio pasó por ser el estadista más pacifista de la historia de Roma y un

convencido antimilitarista, lo que no impidió que las circunstancias políticas le obligaran a pasar la mayor parte de su vida en los campos de batalla. Por el contrario, él era un hombre de razón, y así aparece retratado en esta escultura. No con los atributos militares, sino con la toga del filósofo que domina con la razón. El simbolismo se reforzaba con la presencia de la figura de un bárbaro que se hallaba bajo el caballo, hoy desaparecido.

El retrato psicológico gana aquí muchos enteros. Hasta el caballo con su actitud rotunda, pero no violenta, contribuye a transmitir la idea de poder sereno y sabio: sólo una mano alzada y tres de las cuatro patas sobre el suelo, equilibrando su figura. Marco Aurelio, con su rostro sereno y en parte idealizado, todo equilibrio, mesura y por tanto sabiduría. Más que vencer al bárbaro parece que lo aplaque, que lo convenza.

De ahí la composición equilibrada y cerrada, a la que contribuye considerablemente la postura del caballo, con la cabeza y la cola hacia abajo y las patas marcando direcciones hacia el centro de la composición, y la propia posición del emperador, dominada por el equilibrio y  la estabilidad.

BUSTO DE CARACALLA

209 d.C

Museo del Louvre

Autor desconocido

Mármol

Existen varios bustos de este emperador

Sus orígenes determinaron su sobrenombre, al introducir en la moda romana una capa larga o túnica propia de la Galia llamada la caracalla.

Este genial busto de Caracalla representa el punto álgido del Realismo romano. Cabellos cortos y rizados, incipiente barba, pliegues, todo labrado profundamente la superficie del mármol.

Las formas transmiten brillantemente el carácter del emperador: ambicioso, resolvíó todos sus problemas por la fuerza bruta (asesinó a su hermano y a miles de sus opositores).

El claroscuro de sus cejas fruncidas, la profundidad y el detallismo de su mirada (tiene rehundidas las pupilas), los labios entreabiertos, nos reflejan a un hombre fornido, impulsivo o incluso cruel, pero no carente de un cierto atractivo de madurez. Mirada oblicua y concentrada y frente arrugada que da sensación de severidad. Creyó ser la reencarnación de Alejandro Magno, quizá la pose torcida de su cabeza, quiera recordar a algunos retratos de Alejandro. La imagen de severidad  y energía la debía de necesitar para mantener la disciplina en el ejército, aunque murió asesinado por un oficial. Este gesto de energía y dinamismo será modelo de escultores renacentistas y barrocos para representar a jefes militares

RELIEVES

RELIEVES DEL Ara Pacis

S. Roma 13-9 a C. Mármol de Carrara

Autor: desconocido, pero casi con seguridad griegos que se inspiran en los relieves de la marcha de la procesión de las Panateneas en el friso interno del  Partenón, obra de Fidias. El friso procesional mide 55 cm Alt. Lo vota el senado para celebrar el regreso victorioso de Octavio. Además con Octavio se entra en un periodo de paz, tras oscuras guerras civiles en Roma, lo que favorece un desarrollo artístico y cultural.

Estilísticamente: influencias griegas como se ha dicho arriba, lo mismo en los pliegues de los vestidos y en detalles que llevan los personajes al estilo helenístico. El individualismo de los rostros, es de tradición etrusca e itálica. La superposición de temas: vegetales, procesionales y mitológicos, también  es novedad romana.

La imagen muestra a Octavio Augusto con la cabeza cubierta (como sumo sacerdote oficiante).

Para completar:

al regreso de Augusto de sus campañas en Hispania, contra los vascones, y en la Galia, donde sacerdotes, magistrados y vírgenes vestales debían de realizar un sacrificio anual. Su localización coincidía con la del “Mausoleo de Augusto” y el famoso “Horologium Augusti” o reloj de sol que utilizaba como aguja un obelisco.

Se trataba por tanto de un altar a modo de pequeño templo de forma rectangular, con el ara en el centro sobre un pedestal escalonado.

Las esculturas se concentran principalmente en el muro exterior y también en el ara de los sacrificios.

Las representaciones son múltiples. En la parte inferior se representan formas vegetales y frutales: guirnaldas con espigas de trigo, manzanas, peras, granadas, higos, bayas, nueces, uvas silvestres, etc. Todo con  cierto abigarramiento compositivo que nos hace pensar en el horror vacuii.

Los frisos superiores representan, al modo de las Procesiones de la Panateneas, a Augusto encabezando un cortejo donde le acompaña su familia al completo, mecenas, amigos, colaboradores, los miembros del Senado, los sacerdotes, los magistrados, las vírgenes vestales, etc., de camino al sacrificio que honrará la paz y a sus dioses Jano y Pax. Al primero se le ofrece un carnero, al segundo dos bueyes.

Su solución plástica trata en primer lugar de rellenar obsesivamente todo el espacio(horror vacui), pero con una técnica narrativa, clara, de técnica precisa y rotundo Realismo, donde el nivel de relieve marca la perspectiva. Así las figuras del primer plano se representan en alto relieve mientras que las del segundo y tercer plano se realizan en medio y bajo relieve.

Las actitudes de los personajes varían entre sí, lo que crea ritmo compositivo y movilidad en la composición, a pesar del número de personajes. Se pierde así el sentido procesional griego, pero se gana en ritmo y plasticidad. En cualquier caso, la representación es sumamente elegante.

RELIEVES EN EL ARCO DE TITO

Roma. 70 d. C:

(MIRAR los contenidos del arco de Tito comentado en arquitectura)

Dedicado al emperador Tito.

Autor desconocido.

Un solo arco de medio punto. Sobre podio.

Sigue con la tradición de los relieves de carácter histórico, que ensalzan hazañas

Dentro del arco, a ambos lados, conserva algunos de los relieves triunfales de Tito. En uno de ellos, Tito coronado por la victoria entra triunfalmente en una cuádriga conducida por la personificación de la Virtud. En el otro relieve la entrada triunfal de la procesión con los trofeos procedentes de Jerusalén, sobre todo el candelabro de siete brazos.. Esta escena tiene un carácter pictórico, es como si los personajes entraran y salieran en la piedra, profundidad que también se acentúa con los estandartes, carteles y trofeos que llevan las figuras. Originalmente policromado.

Gran plasticidad y dominio técnico en el relieve con mezcla de alturas en los relieves para conseguir perspectiva

RELIEVES. COLUMNA TRAJANA

Foro de Trajano Roma 113 d.C

Bajorrelieves en mármol

El destino de la Columna Trajana era triple: señalar hasta dónde llegaba el monte desplazado por el foro de Trajano, cobijar las cenizas del emperador y conmemorar la conquista de la Dacia como victoria de Trajano. La columna recorrida por una cinta helicoidal de 200 metros de longitud, cubierta del relieve más extenso que la Antigüedad llegó a conocer. Mide unos 40 m alt.Y 3,83 m de diámetro, decorados hasta lo alto por los relieves históricos. Situada sobre una base y coronada por un capitel, la columna posee en su parte inferior una cella en la que se guardaron las cenizas del emperador. De ahí parte una escalera de caracol que lleva a la parte más alta, que estaba rematada con una estatua de bronce del emperador Trajano. Actualmente está San Pedro.

Los relieves fueron tallados unos años después.

Dispuestos  en franjas en espiral es una narración de las dos campañas de Trajano contra los dacios. Retoma la tradición helenística de los frisos historiados continuos, enlazando las historias.

Se narran  dos victoriosas campañas de Trajano contra los dacios: en la mitad inferior de la columna se ilustra la primera (101-102) y en la superior la segunda (105-106). Ambas secciones están separadas por la personificación de la Victoria. El relieve estuvo completamente policromado. Las figuras talladas en mármol tienen el carácter de una crónica, por lo que no importa la técnica escultórica sino el mensaje que trata de transmitir. El escultor (o escultores) presta poca atención a la perspectiva, utilizándose varias diferentes en una misma escena. Se representa la naturaleza, el paisaje,  algo que en el relieve griego no existía.

El lenguaje utilizado tiene rasgos metafóricos, no sólo en la representación de los dioses, sino que también aparece el Danubio representado por un anciano. La crónica se desarrolla en forma helicoidal y cronológicamente, narrando escenas muy diversas de las campañas dacias entre las que podríamos encontrar la vida en el campamento, la construcción de un acueducto, o de fortificaciones como en la imagen, el asedio a una ciudad o tareas fuera del campamento como recolecciones agrarias. También muchas escenas de respeto al vencido, al que se representa con dignidad, todo propio de la idea general de propaganda imperial.

Hay un total de 2.500 figuras humanas: el emperador aparece 59 veces, siempre visto de forma realista, no sobrehumana. El relieve constituye una valiosa fuente de información sobre el ejército romano.