El Clasicismo y el Manierismo en la Pintura del Siglo XVI

SIGLO XVI: CLASICISMO

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Discípulo de Verrochio, trabajó en Florencia, Milán, Roma y Francia. Además de pintor y dibujante fue: escultor, arquitecto, proyectista, ingeniero, inventor, matemático, músico, anatomista y tratadista. Fue defensor de la primacía de la pintura sobre las demás artes. Estaba muy interesado en:

• El conocimiento del cuerpo humano.
• El movimiento, el lenguaje de los gestos y la mímica.
• Las expresiones, con rostros de gran amabilidad.

También le interesaba la búsqueda de la belleza en la naturaleza y los animales. Su carácter experimental lo trasladó a la pintura, creando nuevas técnicas, y especialmente investigando con la luz y las sombras. Es el creador del “sfumato”. Desaparece con ello el protagonismo de la línea. El sfumato hace a las expresiones más dulces y suaves. En el cuadro, hace los fondos imprecisos, con un tono azulado por el efecto del aire que hay entre los distintos planos; es la perspectiva aérea.

Obras: el Bautismo de Cristo, la Anunciación, la Adoración de los Magos, Sta. Ana, la Virgen y el Niño...

• La Virgen de las Rocas, del Museo del Louvre. Existe otra versión en la National Gallery de Londres. Composición triangular, en la que destacan: el sfumato, los rostros suaves, el escorzo de la mano de la Virgen que introduce profundidad...
• La Última Cena del Refectorio de Sta. María de las Gracias en Milán. Composición de una rigurosa simetría y equilibrio de masas. La representación espacial está muy cuidada.
• Retratos como: la Bella Ferroniere, la Dama del Armiño y la Gioconda del Museo del Louvre, su más célebre obra, representa a la Monna Lisa. Consigue en este retrato de tres cuartos, la maestría del sfumato y de la perspectiva aérea, en un húmedo paisaje de aire espeso. Las luces y las sombras modelan el cuerpo y el rostro, que cuenta con una enigmática sonrisa.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)

Su pintura está marcada por su dedicación preferida: la escultura. Sus figuras tienen unos profundos estudios anatómicos, con cuerpos de gran volumen y musculatura. A veces parecen esculturas, debido a la precisión de su dibujo, y a la importancia de la línea, que marca mucho los contornos. Miguel Ángel ve en el dibujo la belleza. La profundidad de los paisajes y el color (colores pasteles), no le preocupan. Sí le interesan:

• El movimiento.
• El desequilibrio.
• El dramatismo.
• Los escorzos, a veces muy violentos.

Inicia así el Manierismo, reflejando una sensación de angustia.

Obras:

• Sagrada Familia de los Uffizi.
• Julio II le encarga la decoración de la Capilla Sixtina (1508-12), obra gigantesca, realizada muy rápidamente y sin ayuda. Decora: el techo, donde entre arquitecturas coloca escenas del Génesis, enmarcadas por figuras desnudas; los “ignudi”, entre los lunetos profetas y sibilas, y en los lunetos escenas del Antiguo Testamento. Las figuras tienen una gran monumentalidad, a veces una musculatura muy exagerada, un magnífico dibujo, gran variedad de posturas muy forzadas y escasas referencias espaciales. En el testero representa el Juicio Final. Es una obra totalmente manierista. La composición tiene un movimiento circular de ascenso y descenso, en torno a la figura de un Cristo implacable.
• Para la Capilla Paulina del Vaticano realiza: la Conversión de S. Pablo y la Crucifixión de S. Pedro.

Rafael Sanzio de Urbino (1483-1520)

Fue el pintor de mayor éxito y prestigio en su tiempo y una de las máximas expresiones del ideal humanista. Su arte es ecléctico, además de sintetizar como pocos el mundo pagano y el cristiano. Su estilo es personal y equilibrado, con perfección, serenidad, belleza, elegancia. Dividimos su obra en tres etapas:

1ª Etapa: de formación en Perugia

Donde aprende con Perugino. Los paisajes son los característicos de la región, con árboles de escaso porte. Las figuras son elegantes y delicadas. Las composiciones simétricas y equilibradas, con planos de profundidad paralelos y claras líneas de fuga marcadas con la arquitectura, y una luz clara y serena. Ejemplo: los Desposorios de la Virgen.

2ª Etapa (1504-08):

Marcada por su estancia en Florencia y por la influencia decisiva de Leonardo, del que toma: el claroscuro, el sfumato, la perspectiva aérea en sus paisajes y las composiciones piramidales. Obras iniciales: el Sueño del Caballero, las tres Gracias y S. Jorge y el Dragón.

Pero las obras más características de este periodo son:

• Los retratos: similares a los de Leonardo, de tres cuartos y con sfumato: el retrato de Ángelo Doni y Magdalena Strozzi, la Dama del Unicornio y la Muda.
• Las Madonnas: de gran belleza ideal, con rostros dulces y serenos, y con sfumato: la Madonna del Prado, la del Jilguero, la Bella Jardinera...

Hay una obra de esta etapa que sirve de anticipo para la etapa posterior: el Descendimiento de la Galería Borghese de Roma. Tiene el dramatismo y movimiento de la obra de Miguel Ángel.

3ª Etapa:

A partir de 1508 estará en Roma, siendo considerado ya una gran figura. Aquí recibe la influencia de Miguel Ángel (monumentalidad, volumen, dramatismo..). Sus obras aparecerán dotadas de una grandiosa musculatura. El papa Julio II le encargará la decoración de varias estancias en el Vaticano, que realizará junto con su taller:

• Estancia de la Signatura, decorada con temas alegóricos, que unen los temas paganos de la antigüedad con los temas religiosos: el Triunfo de la Eucaristía, el Parnaso, Gregorio IX y Justiniano y la Escuela de Atenas, alegoría de la Filosofía en una magnífica arquitectura clásica. Aparecen filósofos y sabios de la antigüedad.
• Estancia de Heliodoro (1514), representa escenas donde la Iglesia Cristiana es protegida o protectora: la expulsión de Heliodoro del templo, la liberación de S. Pedro y la misa de Bolsena…
• Estancia del Incendio (1514-17): el incendio del Borgo, escena llena de movimiento y dramatismo.
• Los retratos de esta época, muestran cada vez mayor captación psicológica: el Cardenal, el papa Julio II, la Donna Velata...
• Las Madonnas son más grandiosas y monumentales: Madonna Sixtina, la Virgen de la Silla…
• Pasmo de Sicilia y La Transfiguración de la Pinacoteca Vaticana.

LA PINTURA VENECIANA

Surge otro foco clasicista de gran trascendencia en Venecia, que será además más duradero, mientras en el resto de Italia los cambios económicos y políticos dan lugar al Manierismo, Venecia mantendrá el esplendor de una rica ciudad comercial. Los iniciadores en el s. XV son: la familia Bellini, especialmente Giovanni, y Carpaccio y más tarde Giorgione. Es discípulo de Giovanni Bellini y maestro de Tiziano, y en sus obras ya se anticipan las características de la pintura veneciana: Madonna de Castelfranco, la Tempestad y el Concierto campestre.

Características de la pintura veneciana: bastantes vienen determinadas por la propia ciudad de Venecia.

• Predominio absoluto del color. La ciudad con sus brumas desdibujan los contornos y otorgan más interés a las formas que al dibujo. Discurren gentes de distintas procedencias, con vestidos de vistosos colores.
• Sensualidad; los colores cálidos y los desnudos ejercen gran atracción.
• Contemplación poética de la luz y el paisaje. Determinada por las cambiantes atmósferas de la ciudad.
• Gusto por la riqueza, el lujo y el esplendor, reflejo de la fastuosa y opulenta sociedad veneciana.
• Importancia de los temas secundarios, gran atención al detalle y la anécdota.

Tiziano Vecellio (1487-1576)

Es la máxima figura de la pintura veneciana y culmina los inicios clasicistas de su maestro Giorgione, del que completará varias obras. Cultiva temas de todo tipo, y trabaja por Europa. En sus obras destaca la forma magistral de aplicar las manchas de color. Su cromatismo es rico y brillante, y cada vez más sensual. Su técnica evolucionará. Agruparemos las obras por temas:

Temas mitológicos:

Se inspira en fuentes clásicas. Estas obras son muy sensuales, por sus colores cálidos y sus habituales desnudos. Ejemplos: Venus de Urbino, la Bacanal, Flora, Baco y Ariadna, el Amor divino y el amor profano, Dánae y la lluvia dorada...

Retratos:

Es uno de los más grandes retratistas. Es creador, junto con Antonio Moro, del llamado"retrato de Estad". Además de captar perfectamente la psicología del personaje, suele representar a estos en tres cuartos, apoyando las manos sobre una silla o mesa, o sosteniendo un símbolo de poder, y con el traje más característico. Son imágenes que transmiten muy bien la idea de estatus social, y serán por tanto muy demandadas por la realeza y la clase nobiliaria. Obras: Carlos V, Carlos V en Mühlberg del Museo del Prado, la Emperatriz Isabel, el hombre de los guantes, Felipe II, el Papa Paulo III con sus sobrinos...

Religiosos:

Seguirá la línea de las sagradas conversaciones de Giovanni Bellini, perfeccionadas por Giorgione, a las que dota de belleza, hermoso colorido y equilibrio. Obras: La Madonna de Pessaro, La Asunción de Santa María gloriosa dei Frari, el Entierro de Cristo...

Paolo Veronés (1528-1588)

Pintor con un gran gusto por el lujo y la riqueza, las grandes arquitecturas, la gama fría combinada con la cálida, y un interés especial por lo anecdótico y secundario. Obras: las Bodas de Caná, Cristo en casa de Leví, la Familia de Darío ante Alejandro...

Jacopo Robusti, “Il Tintoretto” (1518-1594)

Combina la luz y el colorido venecianos, con la monumentalidad, tensión, posturas forzadas y dramatismo de Miguel Ángel. Sus perspectivas suelen ser muy aceleradas. Obras: el Traslado del cuerpo de S. Marcos, la Crucifixión de S. Rocco, el Lavatorio...

MANIERISMO

Con él los pintores se liberan del culto a la belleza clásica y sus elementos básicos: serenidad, equilibrio y claridad, el cuerpo pierde las proporciones clásicas, volviéndose estilizado e irreal, se pierde verosimilitud, las composiciones son más dinámicas y, a veces, caóticas, los colores se intensifican y hay mayor dinamismo: aparece la línea serpentinata y curva que refuerza la sensación de inestabilidad. Autores más destacados: Parmigianino, Correggio y Bronzino.