Características y evolución de la pintura española: del tenebrismo a Velázquez

Características de la Pintura Española del Barroco

La pintura española del Barroco se distingue por una serie de características que la diferencian de otras corrientes europeas:

• Predominio del color sobre el dibujo.
• Búsqueda de la profundidad a través de la perspectiva y el uso de la luz.
• Hegemonía de la luz, que se convierte en un elemento fundamental para la creación de atmósferas y la definición de volúmenes.
• Composiciones asimétricas: se busca el desequilibrio, con escenas que se sugieren más allá de los límites del marco y se recurre frecuentemente a las diagonales compositivas.
• Movimiento: las figuras se representan en actitudes dinámicas y llenas de vitalidad.

La pintura española de este periodo ofrece peculiaridades que la hacen diferente al resto de Europa:

1. Predominio de la temática religiosa, especialmente de las expresiones ascéticas o místicas. Los bodegones y los retratos constituyen géneros característicos; por el contrario, el tema mitológico no se desarrolla con la misma intensidad.
2. Ausencia de sensualidad, consecuencia de la extrema religiosidad imperante en la España de la época.
3. Gran éxito del tenebrismo, que sirve para expresar mejor los valores de la pintura religiosa.
4. Se suele optar por composiciones más sencillas y equilibradas que en el resto de Europa.

Escuela Madrileña: La figura de Velázquez

Dentro de la Escuela Madrileña, destaca la figura de Diego Velázquez, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura universal. Su obra se caracteriza por:

1. Aspiración a la perfección absoluta en pintura. Para ello, realizaba sus cuadros de forma paciente y meticulosa.
2. Extraordinaria variedad de temas, que abarcan desde retratos y escenas religiosas hasta composiciones mitológicas y bodegones.
3. Generalmente pintaba "alla prima", sin dibujo previo, aplicando directamente el color sobre el lienzo.
4. Velázquez aprendió y se dejó influir por maestros como Miguel Ángel, El Greco, Tiziano y Ribera, aunque su estilo evolucionó hacia una mayor originalidad y maestría.
5. Su obra influirá notablemente en sus contemporáneos. Incluso Goya debe mucho a Velázquez.
6. En su pintura no se aprecia el movimiento que otros pintores de la época dan a sus obras, pero es barroca por el esfumato, el sentido de la profundidad, la búsqueda de la personalidad del individuo y por fundir dos escenas y relacionarlas.

Etapas de la obra de Velázquez

1. Sevillana: marcada por el tenebrismo, el uso de tonos madera y la representación de ricas calidades.
2. Primera madrileña: se establece en Madrid como retratista. Desaparece el tono madera y surgen pigmentaciones rosadas y blanquecinas.
3. Primer viaje a Italia: su pincelada alcanza mayor fluidez. El pintor se interesa por el desnudo, el paisaje y la perspectiva aérea.
4. Vuelta a Madrid: realiza importantes obras religiosas y numerosos retratos de la familia real.
5. Segundo viaje a Italia: pinta sobre todo retratos.
6. Periodo final: la paleta de Velázquez se hace completamente líquida, logrando calidades insuperables. En esta etapa realiza exclusivamente retratos a la familia real y cuadros mitológicos.

Análisis de "La muerte de la Virgen" de Caravaggio

La muerte de la Virgen es un óleo sobre lienzo que ejemplifica el tenebrismo de Caravaggio. El artista utiliza el claroscuro iluminando bruscamente lo que quiere destacar y dejando en sombra las zonas que considera menos importantes. El rayo de luz que entra por la izquierda, símbolo de lo divino, estructura el cuadro. Ilumina de forma simbólica las cabezas inclinadas por el dolor y a la propia Virgen. El color, con tonos intensos, también contribuye a dirigir la mirada del espectador. La composición se organiza en torno a la diagonal que marca la luz y el telón. El tema es religioso: el momento en que la Virgen acaba de morir. La figura principal, la Virgen, marca otra diagonal y un escorzo. Los destinatarios del cuadro lo rechazaron porque consideraron la imagen de la Virgen irreverente, ya que, según se dice, se trataba de una mujer que se había suicidado (la Iglesia prohíbe el suicidio).

"Las tres Gracias" de Rubens: Un ejemplo de mitología en el Barroco

Las tres Gracias es una obra pictórica de género mitológico, un óleo sobre tabla. Representa a las hijas de Zeus y la ninfa Eurimena, diosas del encanto, la alegría y la belleza. Es un tema clásico del arte que Rubens trata de la manera tradicional: disponiendo a las tres figuras femeninas, una de espaldas y las otras dos a los lados, formando un círculo. Los gestos son delicados, y cada una tiene un pie retrasado, lo que sugiere movimiento. La obra es figurativa, natural e ideal, aunque con cierto realismo. Se acentúa la sensualidad con líneas curvas. Rubens consigue el color de los cuerpos blancos y blandos mediante la mezcla de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), con pinceladas largas. Destaca la luz, que es natural. A la derecha aparece un Cupido con un cuerno, llamado "cuerno de la abundancia", que proporciona riquezas. Rubens utiliza este tema mitológico para poder representar el desnudo, pues se encontraba en un país católico donde el desnudo estaba prohibido en temas religiosos.