El Barroco: Características Musicales y Compositores Destacados

Barroco y Características

Roma, capital artística, empezó al servicio de la iglesia católica. Comenzó en Italia, dominada por ideas italianas. Italia fue la más influyente de Europa. Roma ejerció influencia sobre la música sacra.

La Seconda Pratica

Las disonancias adquieren valor propio, como necesarias para la expresión musical. Claudio Monteverdi: en la primera práctica, la música seguía sus normas y dominaba al texto. En la seconda, el texto domina a la música. Podían quebrarse reglas de conducción de voces y las disonancias podían emplearse de manera más libre para expresar. El dramatismo es uno de los fundamentos básicos de la música barroca.

Características Musicales

• Se da prioridad a una voz sobre las demás, que sirven de apoyo armónico.
• Se pasa del sistema modal al tonal.
• Se consolida la música instrumental.
• Se perfeccionan los instrumentos.
• Aparecen nuevas formas y se desarrollan técnicas.

Tiple Bajo

Las voces importantes y las intermedias son de apoyo armónico. Basso continuo: el compositor escribía la melodía o melodías y la línea del bajo. Ornamentación e improvisación, que hace que la obra se adapte al intérprete y su interpretación. Estos intérpretes eran libres para añadir la ornamentación que deseasen.

Monteverdi (1567-1643)

Nacido al norte de Italia, escribió únicamente obras vocales y dramáticas, piezas sacras, madrigales y óperas. Domina el madrigal polifónico y la evolución del lenguaje expresivo, marcado por las disonancias no preparadas, melodías declamadas y ornamentos escritos en las partituras.

Sus Primeras Obras

• Orfeo (1607)
• Arianna (1608)
• Otras óperas: El retorno de Ulises y La coronación de Poppea.
• Varios libros de madrigales, canciones profanas, misas y colecciones de música sacra.

Cruda Amarilli

Madrigal cargado de disonancias para la época, quebrantaciones de normas utilizados estos recursos como forma de dramatizar las emociones expresadas en el texto, que representan estas disonancias tales sentimientos como la desesperación y lamento de la ninfa en este madrigal.

Cantata y Oratorio

Se distinguía entre música sacra, de cámara y de teatro. A mediados del XVII, la ópera era el centro de atención en Venecia. La mayor parte de la música profana era el oficio de conjuntos vocales y se interpretaba privadamente o por afición. La mayoría de los madrigales eran a 2, 3 o 6 o más voces.

Cantata

Significa pieza para ser cantada. Utilizaba el basso continuo. La cantata sustituye al madrigal y al motete. Era una composición vocal, extensa, escrita para 1 o 2 voces, bajo continuo o instrumentos, sobre un texto lírico o casi dramático. Destacan Scarlatti y Barbara Strozzi: mujer compositora e intérprete con interpretaciones pensadas para reuniones y otras cosas privadas. Estudió con Cavalli, el compositor de ópera más famoso de Viena y discípulo de Monteverdi. Strozzi publicó 8 volúmenes y publicó más cantatas que cualquier otro compositor de la época.

Oratorio

Combina narración, diálogos y comentarios. La iglesia utiliza los oratorios para atraer a la gente, ya que los oratorios eran muy propagandísticos. El oratorio, en principio, educaba al pueblo por medio de dramas musicales sagrados, es desarrollado en Roma. La duración solía ser de entre 10 min y 1 hora. Es religioso, hay algunos profanos, narrativos y dramáticos. Relatan sin mostrar acciones y son de carácter sacro o moralistas. Son vocales-instrumentales con partes líricas y dramáticas sobre textos bíblicos o religiosos. Se asemeja a la ópera en su forma y estilo. Utiliza arias, dúos, preludios... pero dando más importancia al coro, temática religiosa y sin escenografía. Estaban en latín o italiano y disponían de libreto. Giacomo Carissimi es el más destacado.

Música Instrumental

Tomaron sus compositores técnicas de los vocales como el bajo continuo, movimiento de las voces, solista, virtuosismo. Jean Baptiste Lully destaca a finales del XVII en el estilo francés. Arcangelo Corelli en Italia. El violín tomó importancia en el barroco sobre la voz.

Sonata

Composiciones instrumentales, para 1, 2 hasta 4 instrumentos melódicos acompañados del bajo continuo. Hay 2 de iglesia y de cámara, aunque fueran de entretenimiento en conciertos privados. Las de iglesia eran más graves, mayor complejidad armónica y contrapuntística y de bajo continuo el órgano. Corelli es quien destaca en las sonatas en trío, que eran a 3 voces: 2 melodías y el bajo. La sonata de iglesia tenía 4 movimientos: lento, allegro, andante, y allegro o presto. Están todos los movimientos en el mismo tono menos el andante que está en el relativo. Las sonatas de cámara tenían 1 movimiento y 1 tema, desarrollado en estructura ternaria y del sistema tonal: tono principal y dominante o relativo mayor y vuelta a la tonalidad.

Concerto Grosso

Significa concierto de instrumentos. Incorpora el gusto por el contraste, que ilustra la época barroca. La forma consiste en la oposición de 2 grupos de músicos contrastando. Un grupo de intérpretes solistas como flautas, violines y oboes, llamados concertino. El otro grupo, formado por el resto de instrumentos de la orquesta, llamados relleno o Tutti. Corelli destaca por crearlo por sus obras instrumentales de 2 violines acompañados por el cello y el continuo y que añadiría vientos. Vivaldi en el concerto grosso adopta la forma de 3 movimientos: rápido-lento-rápido, difundido por toda Europa.

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Compositor italiano más conocido del XVIII. Se desarrolló en Venecia, hijo de violinista profesional. Lo llamaban el cura rojo cuando se metió a sacerdote por ser pelirrojo. Era virtuoso violinista, profesor de maestros y popular compositor de ópera, cantatas y música sacra. Es conocido por sus conciertos.

Sus Conciertos

Tiene 480 para violín, viola de amor, cello, flauta travesera, dulzaina, flautín, oboe, fagot... etc. Vivaldi en sus conciertos utiliza la fórmula rápido-lento-rápido que utiliza casi siempre. El primer movimiento es vivo todo el rato, el último danzante y el intermedio tierno y con tendencia al modo menor. La Stravaganza es una colección de conciertos en 1712 que resalta el virtuosismo del violín. En otro volumen compone Las Cuatro Estaciones. Estos conciertos en 3 movimientos son para orquesta de cuerda y violín solista. Tienen detalles onomatopéyicos que recuerdan a las estaciones del año. Las imitaciones naturales de la naturaleza eran típicas en la época. Son conciertos descriptivos.

La Ópera: Antecedentes

Ópera (obra en italiano) es un drama con presencia continua de la música, puesta en escena con decorados, vestuario y acción. Es la unión de poesía, drama y música. Hay 2 maneras de contar la historia de su creación: un intento de recrear en términos modernos la experiencia de la antigua tragedia griega: un drama cantado en el cual la música transmite efectos emocionales, o la ópera podría ser la fusión de géneros ya existentes, incluyendo piezas y espectáculos teatrales, danza, madrigales y la canción solista.

Anecdotario

Antecedentes: La música y el drama se remontan a la antigua Grecia y Roma. Una de las fuentes de la ópera fue el drama pastoral, o la influencia del madrigal, pero principalmente el papel que le dieron los griegos a la música en la tragedia griega. Claudio Monteverdi destaca por el Orfeo, que trata de la fábula de Orfeo, que es su primera ópera. Uno de los mejores ejemplos recitativos de Monteverdi es el lamento de Arianna.

Ópera Romana

Sus características: utilización de personajes que participan en argumentos secundarios, figuras cómicas, más escenas y los grandes coros, utilizados sobre todo para cerrar un acto. Ya que las mujeres tenían prohibido cantar, las voces femeninas y agudas las hacían los Castrati, varones castrados poco antes de la pubertad, donde perdían la voz apreciada por el Bel Canto.

Ópera en Venecia

Sus óperas eran de tres actos, en lugar de 5 como hacían en otras épocas. La ópera era un espectáculo comercial y producía beneficios. Sus temas eran la mitología griega y leyendas romanas. Claudia Monteverdi fue quien más destacó de la ópera en Venecia, con la ópera La coronación de Poppea. Francesco Cavalli es su sucesor, estuvo en París en la corte y para la boda y los acontecimientos del reinado de Luis XIV compuso Ercole Amante, ópera de 5 actos con ballet creado por Lully, típico del barroco francés.

Ópera Napolitana

Nápoles fue durante siglos lugar de tradición de cantantes. En el XVI y XVII, fue la época de esplendor de Nápoles, gobernada por los virreyes españoles. Nápoles fue una de las ciudades más grandes de Italia, principal ciudad para la vida musical. Su ópera era importante en la vida napolitana gracias al apoyo de los gobernantes. Las características de la ópera napolitana se basa en las voces solistas y los coros con menos importancia, eran cortos y solo armónicos. Surgió la Obertura italiana, que era rápido-lento-rápido. Alessandro Scarlatti fue el máximo representante de la escuela napolitana.

Ópera Buffa

Es un género cómico napolitano. Deriva del intermezzo, que consistía en escenas cómicas de 2 personajes que servían de entretenimiento y se intercalaban en las óperas serias. Más tarde adquiere fama y aparece la Ópera Buffa, en lengua napolitana. Los temas son la vida de la burguesía y clases inferiores, que trataban la sociedad, de sus problemas, situaciones y en lenguaje coloquial. Los italianos han destacado por su música de estilo ligero, cómico y animado.

El Bel Canto

El fin estético de la ópera italiana era el lucimiento del cantante. Significa canto bello. En este estilo, el acompañamiento orquestal trataba de arropar la voz, pero sin taparla. El objetivo era la realización de ornamentos y habilidades virtuosas con la voz. Sus características son: resalta la belleza del sonido con un timbre dulce y uniforme en toda la tesitura, el fraseo legato que muestra perfecto dominio y control de la respiración, ornamentos... la agilidad y los agudos con facilidad. Los cantantes obtuvieron fama y eran estrellas en su época y la importancia era lucirse.

Figuras Destacadas

• Ana Renzi, cantante mujer que destaca como cantante de ópera en Venecia en 1640. Fue la primera dama que lideraba una ópera, que era protagonista.
• Giulio Strozzi es el libretista de ópera veneciana que le da la fama.

Castrati

El niño castrado al hacerse mayor mantenía la voz y el timbre de niño: soprano o contraalto, pero con fuerza de hombre adulto. Normalmente los castrati tenían el papel más importante de la ópera. Farinelli fue el más famoso.

Mujeres Cantantes

• Ciulla
• Anna Mª Scarlatti
• Hassel
• Francesca Cuzzoni

Gluck

Siguiendo la camerata florentina, considera que lo importante no es el canto, sino la música, que debería servir al texto y adaptarse a sus necesidades expresivas. Esto suponía la renuncia del Bel Canto y vuelta al estilo de Monteverdi.

Le Baroque Française

El estilo de la nación estaba influido por la política y cultura. Su rey, Luis XIV, utilizaba las artes para propaganda y control social. Su lenguaje musical era marcado por la elegancia y la contención. Se centra en la danza y el papel de las artes en la monarquía absolutista. Luis se llamó a sí mismo El Rey Sol, símbolo ideal como quien da luz, identificándose como Apolo. Estableció academias reales de escultura y pintura, danza, literatura, ciencias, ópera y arquitectura.

Le Ballet

Era el género más típico en la corte francesa, Luis XIV era buen bailarín y participó desde joven en ballets, lo que le da mucha importancia, y sus papeles en el ballet eran de Apolo. Se caracteriza en fuerte contraste con la expresividad, individualismo y el sentido del espectáculo de la música italiana, muy diferentes.

Le Musique en la Corte

Música de la capilla real: cantantes, organistas y otros instrumentos de oficios religiosos. La música de la cámara: de cuerda como el laud, clave y flauta, para entretenimientos en el interior de palacio. La música de la gran caballería: instrumentos de viento, metal y timbales, que interpretaban música en ceremonias al aire libre y alguna vez en la capilla. Los 24 violines del rey, su orquesta y Petits Violins, 18 violines. Estos 2 grupos acompañaban el ballet y eran de entretenimiento. En 1670, el término orquesta definía estos conjuntos.

Jean Baptiste Lully

Ópera francesa, tragedia lírica. Era el músico favorito de Luis. Llegó a Francia desde Florencia a los 14, donde se formó, estudió danza y vivió toda su vida, obtuvo la nacionalidad francesa. Ballet de la Nuit impresionó tanto a Luis que lo nombró compositor de la corte y director de los petits violons. Más tarde toma el control de los 24. Lully compuso ballets y oficios religiosos. Compuso junto a Molière una serie de Comédies-ballets, que fusionaban elementos del ballet y la ópera. Lully no contemplaba aún la posibilidad de ópera. El burgués gentilhombre fue la obra más destacada de los 2, pero la ruptura de los 2 hizo de Lully dueño de la obra. La cultura literaria francesa exigió que se diese prioridad en los escenarios a la poesía y el drama, y que los diálogos cantados carecían de credibilidad. Lo italiano era inadecuado en Francia. Lully, en 1672, con el apoyo de Luis, adquirió privilegio real con derecho de representar drama cantado en Francia y estableció la academia real de música. Crea una nueva forma francesa de ópera: la tragedie en musique, más tarde la tragedia lírica, que perduró todo 1 siglo. Compuso 15 óperas. La obertura de Lully destaca su género ya que era al revés de la italiana: era lento, rápido, lento. Limita la exhibición vocal y concentra la atención sobre la declamación dramática de las palabras.

Elisabeth Claude Jaquet de la Guerre

Intérprete de clave y cantante desde los 5 años de la corte del rey de Francia, Luis XIV.