El Arte Griego: Historia, Política, Sociedad y Cultura

Contexto Histórico

Llamamos griegos a los pueblos de lengua griega que en el siglo VIII a. C. estaban instalados en la Grecia continental, en las islas del mar Egeo, en las costas de Asia Menor, del sur de Italia y de otros lugares del Mediterráneo, hasta la conquista romana en el 130 a. C. La falta de documentos escritos anteriores al siglo VIII a. C. obligó a analizar los restos arqueológicos griegos más antiguos, lo cual condujo al descubrimiento de dos civilizaciones: la cretense y la micénica.

Organización Política

Las polis eran las ciudades-estado de la Grecia clásica. Constaban de un territorio independiente que incluía una o varias ciudades con sus aldeas. A pesar de ser independientes, existía una fuerte conciencia de pertenecer a un mismo pueblo. El ideal político era la democracia ateniense del siglo V a. C.: el ciudadano participaba de los asuntos públicos a través de la asamblea. Del derecho de ciudadanía eran excluidas las mujeres, los extranjeros y, por supuesto, los esclavos.

Fundamento Social y Cultural

Para los griegos, el universo poseía una estructura geométrica y matemática, y el arte debía mantenerse fiel a esa estructura, respetando los principios de proporción y simetría. El secreto de la belleza radicaba en la relación numérica del todo y las partes, es decir, en la armonía. El arte griego busca la belleza y el placer; el arte deja de estar al servicio de un dios o de un monarca.

Características de la Arquitectura Griega

• Arquitectura arquitrabada o adintelada: los elementos horizontales descansan sobre los verticales. No utiliza ni el arco ni la bóveda.
• Realizada en piedra, preferentemente en mármol bien labrado en sillares.
• Arquitectura coloreada, aunque hoy se han perdido los colores.
• Busca una armonía visual que obliga a basarse en las medidas matemáticas.
• Refinamientos ópticos: curvaturas del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo; inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída y crear el llamado efecto piramidal.
• Éntasis: abombamiento en el centro del fuste de las columnas, con lo que se aminora el efecto de concavidad de las columnas de lados rectos.
• Mayor anchura de las columnas en los ángulos y desigual distancia de los intercolumnios.
• Proporción, medida y equilibrio: existe una relación proporcional de todas las partes entre sí y de las partes con el todo.
• Basada en la geometría y las matemáticas, algo que se refleja en la creación de los órdenes arquitectónicos.

Órdenes Arquitectónicos

El dórico, el jónico y el corintio se refieren al aspecto exterior del templo que organiza las partes verticales del edificio, sobre la base del número y las matemáticas.

Orden Dórico

Columna con fuste estriado, sin basa; capitel formado por collarino, equino y ábaco cuadrado; entablamento que se divide en tres fajas: el arquitrabe (liso), el friso (con triglifos y metopas, lisas o decoradas) y la cornisa (con pequeños mútulos).

Orden Jónico

Más esbelto; su origen se encuentra en Asia Menor. La columna presenta fuste con acanaladuras y consta de basa. El crepidoma sigue el esquema del orden dórico, pero presenta entre el estilóbato y la basa de la columna un plinto. El capitel tiene dos volutas.

Orden Corintio

Se diferencia del orden jónico principalmente por el capitel, que está formado por hojas de acanto dispuestas en dos o más filas.

Escultura Griega

La cultura griega es antropocéntrica y se refleja en su escultura. El cuerpo humano se convierte en objeto de arte. Las figuras humanas empezaron siendo estatuas votivas en la época arcaica y terminaron como obras creadas para una finalidad básicamente estética (época clásica y helenística).

Características

• Tema central: la figura humana. Es una escultura antropomórfica que exalta el ideal de belleza que para los griegos se basa en la armonía y proporción de todas las partes del cuerpo. En la época clásica, el cuerpo humano es idealizado y se realiza un perfecto estudio anatómico.
• Movimiento: en los ángulos de los frontones, los artistas aprenden a doblar la figura y a relacionarla con otros grupos.
• Volumen: la escultura es un estudio de volúmenes. Ahora la escultura puede verse desde diferentes puntos de vista. Cuidan así todas las perspectivas.

Época Arcaica

La escultura experimentó avances centrados en la forma humana. La primera conquista fue la captación de la forma humana en las xoanas (figuras esculpidas en troncos de árbol). Las figuras mantenían los brazos pegados al cuerpo y mostraban un gran hieratismo y trazos muy simples. Se buscó la representación de la anatomía masculina como creación de los dioses e ideal de belleza: los kuroi, figuras de jóvenes vencedores de pruebas atléticas, con el cuerpo desnudo, una postura fija, los brazos pegados al cuerpo y un pie avanzado. El rostro se mantenía inexpresivo, con ojos almendrados, la mirada al frente y una leve mueca en la boca conocida como sonrisa arcaica. El tercer paso fue la representación femenina en las korai (doncellas encargadas del mantenimiento de los templos). Aparecen vestidas con tejidos de caída vertical de estilo dórico o con ropajes con vuelo y pliegues al estilo jónico, y presentaban siempre la misma postura: un brazo pegado al cuerpo y el otro extendido ofreciendo algo a la divinidad. Con el tiempo, la figura humana apareció acompañada de animales. Destacó el Moscóforo.

Período Sereno

El logro del escultor griego, conseguido en la última fase del período arcaico, fue la conquista del movimiento. Las esculturas abandonaron la rigidez para plasmar un gran realismo en la representación corporal. Desde finales del siglo VI a. C. se produjo una transición que llevó al abandono de la sonrisa arcaica para esculpir rostros serios, severos, que no muestran el más mínimo signo de expresividad.

Pleno Clasicismo

A comienzos del siglo V a. C., el ideal de belleza se centró en el uso de una medida para esculpir cuerpos en los que se hacía un profundo análisis de la anatomía. Se plasmó el llamado rostro clásico: facciones idealizadas, simétricas, serenas e inexpresivas, con una frente breve y una boca pequeña. Sobresalieron tres escultores:

• Mirón: se caracterizó por la representación del movimiento. Para Mirón, el hombre inteligente debía usar el movimiento. Así lo plasmó en su Discóbolo, que representaba a un triunfador olímpico.
• Policleto: representa la proporción del cuerpo humano. Creó un canon en el cual establece la que consideraba la proporción perfecta en el cuerpo masculino.
• Fidias: sus esculturas reflejan el idealismo y la perfección técnica. Dirigió las obras arquitectónicas del Partenón y ostentó un cargo político en el Gobierno de Pericles. Busca la perfección anatómica masculina y un tratamiento especial en los pliegues.

Época Helenística (siglos IV-III a. C.)

En este período, la cultura griega se expande en el interior de Asia y Egipto, resultado de las campañas de Alejandro Magno y la creación de un gigantesco imperio. La técnica sigue siendo perfecta, pero se busca menos lo ideal y más lo real y lo concreto. Se inicia así el realismo. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas del clasicismo; el dramatismo en las expresiones de los rostros; aparece la fealdad de monstruos o seres amenazadores. Aparecen retratos, figuras de gestos violentos y cargadas de expresión. Formas más complicadas y retorcidas que las clásicas. Se exteriorizan los sentimientos y se buscan efectos dramáticos.