Arte griego: Arquitectura, escultura y contexto histórico

Contexto histórico

Grecia estaba dividida en polis, pero la civilización griega tuvo caracteres unitarios: racionalismo, búsqueda de la belleza ideal y antropocentrismo, ya que consideraron al hombre la medida de todas las cosas. El antropocentrismo influyó en la religión y en el arte, que buscó la medida y la proporción. El marco geográfico del arte griego es muy extenso debido a las colonizaciones. En este contexto histórico destacan dos polis con modelos políticos y económicos enfrentados: Esparta y Atenas. En la historia de Grecia hay tres etapas: etapa Arcaica, etapa Clásica y etapa Helenística.

Arquitectura

En Grecia nace el urbanismo y los edificios se construyen teniendo en cuenta el conjunto que los rodea y la topografía. Se empezó a utilizar la arquitectura arquitrabada, ya que para los griegos la línea recta era perfecta y transmitía serenidad; y los tejados a doble vertiente. Se usa la piedra, el mármol; los edificios se realizaron a medida del hombre y usan la perfección técnica buscando la armonía. Para los griegos era muy importante la búsqueda de la belleza, que les lleva a hacer cálculos matemáticos que corrigen la deformación visual del ojo humano. Su principal preocupación era el exterior, el muro se convierte en elemento estético. Hay equilibrio entre arquitectura y escultura. Creación de los órdenes arquitectónicos, que vienen determinados por la columna.

Orden Dórico

Es el más antiguo, nace en la época arcaica y se manifiesta en el Partenón y en el templo de Paestum. La columna no tiene basa, se levanta directamente sobre el estilóbato. El fuste, formado por piezas cilíndricas superpuestas, es estriado y se ensancha en el centro y disminuye el diámetro de abajo a arriba para corregir deformaciones ópticas. El capitel está formado por: collarino, equino y ábaco. El entablamento: arquitrabe liso sobre las columnas; friso con alternativa de triglifos y metopas que irían policromadas; cornisas saliente de remate. El frontón, situado en los frentes y formado por el tejado a dos aguas. El interior es el tímpano que se decora con esculturas. En los vértices del frontón se colocan los acróteras. Las gárgolas eran esculturas que disimulaban los desagües.

Orden Jónico

Nace a fines de la edad arcaica y será el más usado en la clásica. Es más esbelto y decorativo que el dórico. La columna tiene basa con molduras: toro y escocia. Fuste: estriado; sin éntasis, pero sí disminuye el diámetro de abajo arriba. Capitel, que consta de collarino de perlas, equino decorado con volutas enroscadas y ábaco decorado con dardos y hojas. El entablamento consta de arquitrabe dividido en tres bandas horizontales, friso liso con decoración escultórica y cornisa muy decorada y menos saliente que en el dórico. El frontón también estaba decorado. Destacan los templos del Erectión y de Atenea.

Orden Corintio

Es el más característico de la época helenística y el más decorado. Deriva del jónico, del que sólo se diferencia en el capitel que ahora está decorado con dos filas de hojas de acanto superpuestas, de donde arrancan largos tallos en espiral. Ejemplo: templo de Zeus Olímpico en Atenas.
A veces, en el orden jónico y corintio, las columnas se sustituían por esculturas femeninas: son las cariátides. Si las esculturas son masculinas se denominan atlantes.

Tipos de edificios: Templos y teatros

El Templo

Es el edificio por excelencia de la arquitectura griega.

• Son de pequeño tamaño porque su finalidad es albergar la imagen del dios. Al interior sólo puede acceder el sumo sacerdote. En el exterior se realizan las procesiones rituales, por lo que es más importante la decoración y la estructura de la parte externa.
• Se levantaban sobre un espacio sagrado, dentro de la acrópolis, sobre una grada de tres escalones (crepidoma).
• Predomina la planta rectangular, pero también los había circulares (tholos).
• Los primeros eran de ladrillo y madera pero después pasó a usarse el mármol.

Sus partes son:

• Pronaos: pórtico delantero que se obtiene al prolongar los muros de la cella. Estos muros están rematados por dos pilastras llamadas antas.
• Cella o naos: cámara del dios a la que sólo acceden los sacerdotes.
• Opistódomos: pórtico trasero no comunicado con la cella, y que servía para guardar las ofrendas. En algunos templos puede faltar.
• Perístilo: galería cubierta que rodea estas dependencias.

Los templos griegos se pueden clasificar en diferentes tipos según el criterio que se adopte:

• Según el número de columnas en los frentes menores: Dístilo (2); Tetrástilo (cuatro); Hexástilo (6); Octástilo(8), etc.
• Según la situación de las columnas: In antis, cuando sólo tiene 2 columnas entre las antas (prolongación de los muros laterales); Próstilo, cuando sólo tiene columnas delante de la fachada principal; Anfipróstilo, cuando presenta columnas en los dos frentes; Períptero, cuando se encuentra rodeado de columnas por sus cuatro lados: Pseudoperíptero, cuando las columnas están adosados al muro de la cella y las fachadas están exentas; Díptero, cuando está totalmente rodeado por dos filas de columnas.

Siempre hay un número par de columnas en los frentes y el número de las laterales es el doble más una que las frontales. Proporción áurea.

Teatro

Es un invento griego que nació para celebrar fiestas en honor del dios Dionisios y que pasó a ser el lugar de representación de las obras dramáticas. A diferencia del romano sobrepasa el semicírculo y aprovecha los desniveles del terreno para construir las gradas. Se situaban en las afueras de las polis. Tenían una acústica perfecta. Constaba de tres partes:

• Graderío o Cavea que es donde se sienta el público. En la parte superior había un semicírculo para deambular y entre las gradas había pasillos de acceso.
• Orchestra: Semicircular y donde actuaba el coro y los actores.
• Escena: parte desde la que salían y entraban los actores a escena.

El más importante es el teatro de Epidauro (S.IV aC).

Escultura

Características generales

• Naturalismo idealizado más que realismo, se trata de crear tipos ideales, no de reproducir rasgos individuales.
• Se rompe con la ley de la frontalidad mediante la postura del contraposto: una pierna actúa de sostén y la otra se flexiona, desnivelando la línea recta de la cadera.
• El canon de belleza se basa en el tamaño de la cabeza: S.V a C: cuerpo = a 7 cabezas; en el S.IV aC = a 8 cabezas.
• Se consiguen los efectos de volumen y movimiento.
• Se usa la policromía y postizos en ojos, labios y pezones.
• Se representaban atletas, dioses, héroes.
• Se usa todo tipo de materiales pero preferentemente el mármol y el bronce.
• La mayoría de las obras exentas se han perdido y se conocen a través de las copias romanas.

Etapas

Arcaica (S.VIII -VI a C)

Tienen influencia egipcia, aunque las obras son más realistas y naturalistas que las egipcias. Comparten con éstas frontalidad, hieratismo e inexpresividad. Los brazos se pegan al cuerpo y adelantan una pierna para dar sensación de movimiento. Presentan la cara ovalada, cejas arqueadas, ojos almendrados con incrustaciones de vidrio, pómulos salientes, peinado geométrico, rodillas trapezoidales, forma de W en pectorales y clavícula. Para dar mayor expresividad al rostro, curvan los labios, cerrados, hacia arriba, en la llamada sonrisa arcaica. El pelo se ordena geométricamente, largo y rizado.
Las esculturas se denominan:

• Kurós: representaciones masculinas de atletas desnudos a los que se identificaba como Apolo.
• Koré: representa a una sacerdotisa vestida con una larga túnica que impide plasmar la anatomía. Nunca se representan desnudas.

Ejemplos: Kurós Anavissos; Koré la dama de Auxerre; Auriga de Delfos, de transición.

Clásica (S.V-IV a C)

Durante este periodo se da una importante evolución de la escultura respecto a la etapa anterior que se concreta en: Mayor expresividad de las figuras, Se gana en movimiento, Mayor naturalidad aunque idealizada, Aparece el canon, lo que unido al estudio de la musculatura permite plasmar unos cuerpos perfectos y proporcionados, Se da una mayor preocupación por la representación de los tejidos que cubren a las mujeres, cuyos pliegues dejarán traslucir el cuerpo.

Siglo V aC

Se busca la belleza ideal, no se plasman las emociones: los rostros aparecen serenos e impasibles. Se plasma la belleza serena: el arquetipo. Los autores más importantes son:

• Mirón: Fue broncista. En su obra se aprecia un enriquecimiento en la representación del movimiento, como se puede apreciar en el Discbóbolo, sin embargo siguen perviviendo en él elementos arcaizantes, presentes en la planitud de la anatomía y en la inexpresividad del rostro, que no guarda relación con la acción que desarrolla el personaje efigiado.
• Policleto: Broncista como Mirón, da un paso más allá al introducir el contraposto y el canon de 7 cabezas (recogida en su tratado El Canon), ambas características son apreciables en el Doríforo.
• Fidias: Se hizo famoso por sus estatuas de dioses y por la exaltación de los humanos al ubicarlos próximos a los dioses (friso de las Panateneas). Otras características de sus esculturas son: la elegancia de sus figuras, la disposición casi independiente de la arquitectura y la utilización de la técnica de los paños mojados que dejan entrever la anatomía del cuerpo femenino. Sus mejores trabajos se encuentran en el Partenón.

Siglo IV aC

Se comienza a dar prioridad a los sentimientos y expresiones, es decir se avanza hacia el naturalismo. Aparece el retrato y se cambia el canon. Los escultores más sobresalientes de este periodo son Praxíteles, Lisipo y Scopas.

• Praxíteles: Es el escultor más importante de este siglo. Es el creador de la curva praxiteliana, que es una exageración del contraposto: una pierna aguanta todo el peso de la obra, lo que obliga a sacar la cadera formando una ese. El mármol es el material que más usa pero luego lo barniza dándole un aspecto más suave. Trabaja mucho los detalles como cejas y cabellos, a los que esculpe más abultados y ondulados (técnica del trépano) creando claroscuros. Representa Apolos de aspecto suave como Hermes con Dionisio Niño o la Venus de Cnido, que fue el primer desnudo femenino. Esta obra ejercería una gran influencia sobre las Venus Helenísticas.
• Lisipo: Establece un nuevo canon: el cuerpo es siete veces y media la cabeza por lo que las esculturas son más esbeltas. Sin embargo lo más importante de este escultor es que en su obra se aprecia muchas de las características de la escultura helenística como la acentuación del naturalismo, el cultivo de nuevos géneros como el retrato, el gusto por actitudes cotidianas, poco heróicas (Apoxiomenos) o la representación del ser humano en sus diferentes edades, lo que le lleva a realizar esculturas de ancianos y niños.
• Scopas: Es el escultor del dramatismo (pathos) en la expresión y los ropajes de sus figuras, lo que supone una ruptura con la serenidad del clasicismo. Su obra más conocida es la Ménade.

Helenismo (S. III-II aC)

Las características más importantes de este periodo son:

• La acentuación de la expresividad y el movimiento.
• El gusto por los contrastes lumínicos.
• Se amplía la temática: escenas cotidianas, alegorías (ríos y ciudades con forma humana), dioses que son símbolo de la sensualidad, retratos, etc.
• El triunfo del realismo, lo que explica el desarrollo adquirido por un género prácticamente ausente hasta ese momento, el retrato.
• Las esculturas pierden definitivamente la vista frontal. Se ejecutarán para ser vistas desde todos los ángulos y ser expuestas en lugares públicos.
• La profusión adquirida por el desnudo femenino, tratado tímidamente en el s. IV aC.
• La tendencia al colosalismo.
• Además de la escultura individual son abundantes los grupos escultóricos.
• Destacan las escuelas de Rodas (Islas del Egeo), Milo (Islas Cíclides), de Pérgamo (N de Turquía), y Alejandría (N. de Egipto).