Arte Gótico, Flamenco, Giotto e Islámico

Arte Gótico

Sociedad

Los cambios artísticos siempre responden a profundas transformaciones de la sociedad. En este caso, el cambio histórico es el renacer de las ciudades y del comercio en la Europa occidental, con un nuevo medio social, jurídico y económico que deja atrás el antiguo sistema feudal. Los habitantes urbanos forman una nueva clase social: la burguesía. La estrecha alianza entre la monarquía (cuyo poder no para de crecer), los obispos y los burgueses proporciona un indudable auge de la ciudad, convirtiendo a la catedral gótica en la mayor expresión artística (considerada un ser vivo más). También desempeña un papel decisivo en las Cruzadas, transformándose en un gran motor económico.

Arquitectura

Elementos Formales

Su principal expresión artística se encontraba en el ámbito urbano, que gozaba de una nueva espiritualidad religiosa que dotaba a sus edificaciones de luz interior y sentido ascendente hacia lo divino. En el siglo XIX se formularon los elementos esenciales de esta arquitectura:

• Técnicos y funcionales: El arco apuntado, la bóveda de crucería y el nuevo sistema de arbotantes.
• Ornamentales: Las grandes vidrieras.

Su planta se organizaba en 3 o 5 naves (la central, la más amplia), el crucero, el transepto (naves perpendiculares, más corto), una cabecera (culminación de las naves principales) y la girola (deambulatorio), rodeada por absidiolos (capillas radiales), donde se encontraban las reliquias divinas para el peregrinaje. Entre el crucero y la cabecera se encontraba el presbiterio con el coro y el altar mayor.

En su interior encontramos una división de 3 niveles verticales: las arcadas (que daban acceso a las naves laterales), el triforio (pasadizo superior con estrechas arquerías) y el claristorio (siguiente cuerpo con ventanales). Destacan sus arcos apuntados u ojivales. También está la innovadora bóveda de crucería o de aristas, considerada el elemento funcional y estético más importante de este estilo (modificando la bóveda de cañón), reforzada con nervios diagonales cruzados en la clave que mandaban su peso directamente al suelo o arbotantes. Este conjunto permitió la liberación del muro de la función de soporte, permitiendo la incorporación de vidrieras de colores.

En el exterior destaca la fachada occidental, flanqueada por dos torres y estructurada en franjas horizontales superpuestas que también corresponden con la fachada del transepto. En el nivel inferior se hallan las portadas (equivalentes al número de naves interiores), después hay un cuerpo de arcadas, un triforio escultórico y un enorme rosetón acristalado y colorido. Otros elementos importantes son la cubierta a dos aguas, el cimborrio, las agujas y pináculos con forma piramidal o cónica, y los gabletes.

Escultura

Elementos Formales

En un principio, las esculturas seguían la tradición románica, firmemente supeditadas a la arquitectura y con temas religiosos llenos de intenciones didácticas, donde era recurrente el Juicio Final del Apocalipsis y la Virgen María. En la ornamentación en piedra de las catedrales destaca la decoración de fachadas exteriores, dando lugar al nacimiento de la Portada Real y relieves interiores del púlpito y coro.

Lentamente fueron apareciendo nuevos recursos en una transición hacia la humanización: con líneas más estilizadas y redondeadas, movimientos más elegantes, cierta naturalidad en gestos y expresiones faciales, y nueva preocupación por la corporeidad y volumetría de cuerpos y ropajes. Siempre policromadas.

El primer paso hacia la liberación de su subordinación arquitectónica fue la proliferación de esculturas exentas con las Estatuas-columna que decoraban las jambas y el parteluz de las portadas. La autonomía la alcanza al final del estilo (siglo XV) a manos del escultor francés Sluter con la aparición de Retablos históricos de carácter monumental, Imágenes de devoción exentas y los Sepulcros funerarios. Traen la utilización de nuevos materiales como madera, piedra y alabastro policromados y dorados. Aquí destaca en la temática la figura del difunto en posición yacente u orante, caracterizado por la fuerte preocupación por el realismo, el interés por la individualización de los rostros y una sobreabundancia de elementos decorativos.

Arte Flamenco

Historia

En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sede de una escuela pictórica. La región de Flandes alcanza una riqueza considerable durante el siglo XV como consecuencia de la artesanía y el comercio. Ese momento de esplendor económico coincide con la consolidación de una escuela pictórica que tendrá influencia en toda Europa. Primitivos flamencos es la denominación historiográfica para los maestros de la escuela flamenca de pintura en sus siglos iniciales. Dentro de la pintura flamenca hay varias escuelas: la italianista y la reaccionaria durante los siglos XV al XVI, y la naturalista o colorista de la Escuela de Amberes del siglo XVII. Las dos primeras hacen referencia a la pintura de los Países Bajos que surgió dentro del Renacimiento Europeo.

Características

• Minuciosidad: Los pintores flamencos alcanzan la perfección en el trabajo al óleo, empleando veladuras, riqueza e intensidad del colorido. Representación de los detalles mínimos para ser contemplados de cerca.
• Naturalismo: Representación veraz de la realidad, voluntad de representar las cosas como las ve el ojo humano, entendido el término desde su precisión detallista.
• Amor al paisaje: Montañas, caminos que se alejan, prados verdes, bosques...

El material usado es la tabla, como en los retablos góticos, pero se introduce la técnica del óleo, que otorga brillos a los colores y posibilita la minuciosidad de detalles. Las temáticas son sobre todo religiosas y espirituales.

Maestros

El más grande de los pintores flamencos es Jan van Eyck quien, con su hermano Hubert, es el iniciador del estilo con la pintura al óleo. Acabó viviendo al servicio de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. Su estilo se caracteriza por hieratismo e inmovilidad, y sus mayores preocupaciones eran la verosimilitud, la perfección, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Realizó el Políptico de San Bavón de Gante, conocido como el Cordero Místico, cuya tabla central muestra las praderas celestiales y personajes que acuden a adorar al Cordero en un amplio espacio exterior. Como retratista hay que destacar El matrimonio Arnolfini.

Otros pintores flamencos destacados fueron Rogier van der Weyden, que alcanzó gran popularidad por el emotivo dramatismo de sus obras, como en el Descendimiento; el Maestro de Flémalle y Robert Campin, que se distinguen por su estilo escultórico y abundancia de elementos alegóricos; y Dirk Bouts, que enlazó con la segunda mitad del siglo, caracterizado por el alargamiento de sus figuras y la importancia a la luz. En la segunda mitad destacaron Hans Memling, Gerard David y Hugo van der Goes.

El Bosco fue un pintor que realizó extrañas composiciones donde mezclaba lo real y lo fantástico. Fueron conocidas sus visiones infernales y rasgos de humor, todo dentro del simbolismo y con lección moralizante. Crea un mundo imaginario, de sueños fantásticos, que hacen de su obra un antecedente del surrealismo del siglo XX. Su obra más importante es El Jardín de las Delicias.

Giotto

Introducción

Giotto (1267-1337), cerca de Florencia, fue un reconocido artista del gótico, destacando en la poesía, escultura, arquitectura y principalmente en pintura, considerándose maestro iniciador del movimiento pictórico italiano del Renacimiento y la pintura moderna. Empezó como discípulo de Cimabue. Trabajó dos temas principales: La Virgen y el Niño para la iglesia de San Jorge de la Costa y Crucifixión en madera para la Basílica de Dominica de Santa María Novella, donde la anatomía de Cristo superó lo bizantino.

San Francisco murió en 1226 y poco después se levantó una grandiosa iglesia en torno a su tumba. La primera fase (1230) fue la iglesia inferior, y después una segunda fase (1253) la iglesia superior, que se disponía en torno a cuatro grandes arcos a lo largo de una amplia nave. En 1280 Cimabue inició su trabajo en la iglesia superior, junto a pintores que llevaron a cabo escenas de leyendas clásicas y del Nuevo Testamento. Cuando Giotto tuvo 20 años participó.

Giotto estudió los restos del templo romano que se dedicó a Minerva en la plaza de Asís, que posteriormente usó en una pintura como telón de fondo en la escena donde un hombre extiende su capa a los pies de San Francisco. Pintura donde destacan gestos y expresiones. Los campos y murallas de la ciudad fueron también usados en una escena donde San Francisco dona su capa a un pobre. Escenas donde Giotto intenta llevar la atención justo a la acción gracias a una compleja composición geométrica. Otra pintura donde el telón de fondo es motivo urbano es en La renunciación de los bienes terrenales, donde San Francisco se desnuda ante el sacerdote y el obispo intenta ocultar su desnudez. Giotto profundiza mucho en la anatomía y sobrepasa los estilos bizantinos. Este fue un punto crucial en su vida, donde deja sus ropas cómodas y donde se le ve envejecer gradualmente, aunque su fuerza espiritual y de expresión se mantienen. Todas las escenas son de intensa religiosidad, con perspectiva creando efecto 3D, una novedad. Giotto es considerado un maestro de la realidad.

Paredes de torres y monumentos de Arezzo están incluidos en Los demonios expulsados de Toscana. En escenas de muerte acude a la sencillez y naturalidad, como en la muerte de San Francisco. En 1300 se dio por finalizado el proyecto, donde se le reconoce como el maestro más avanzado de su tiempo. Dante afirmó tras ello que Giotto superó a Cimabue. Su prestigio se confirmó en Roma con encargos del Papa. En 1304 viajó a Padua. Enrico Scrovegni erigió la Capilla Scrovegni. Giotto realizó una miniatura de la misma en el interior, que por su similitud con la real, se pensó que también fue arquitecto de la misma. El fresco del interior aparece con la humanidad moderna como protagonista. Figuras grandes del Arcángel y la Madonna recibiendo la anunciación es la escena que corona el arco triunfal de la capilla, y se dirige la vista del espectador a la segunda secuencia donde se ven episodios de la vida de Jesús. Detallismo presente como el cometa Halley en el Belén. Todo esto es preludio de la tercera serie de escenas donde el tema es La pasión de Cristo, cuyo ambiente de tragedia se puede palpar. La última cena es un ejemplo de ello, donde gestos y expresiones muestran el presagio del sufrimiento. La captura de Cristo. Tras la resurrección el ánimo cambia de nuevo, donde se visualiza más espacio, amplitud y naturaleza. La tumba de Enrico al final de la capilla aparece coronada por la Madonna de Giovanni Pisano. También realizó la crucifixión de Cristo al terminar los frescos. El último fresco se situaba en el muro de la entrada: El gran juicio universal, donde aparece Cristo en el centro como juez donde dicta la separación final. Tras esto viajó mucho y expandió su estilo por Italia. En 1310 en la antigua iglesia de San Francisco realizó una crucifixión donde no se muestra sufrimiento. Tras ello se centró en la iglesia inferior donde se unió a los Maestros de Siena. En 1320 fue activo en Florencia, donde luchó por el reconocimiento de los pintores y sus obras, y donde realizó un políptico de gran cromatismo. La figura de San Esteban que permanece en Florencia es una de las figuras más destacadas de Giotto por su detallismo y precisión. Desde 1320 hasta 1325 en la Basílica Franciscana de Santa Croce cubrió con frescos las capillas de las familias ricas de banqueros. Desde 1328 hasta 1333 viajó y el giotismo se extendió aún más. En los últimos años de su vida actuó como arquitecto. Estampó su firma en el horizonte de Florencia. Bajo su juicio se construyó la Torre de Giotto, de la cual este diseñó sus decoraciones en bajo relieve. No vivió para verla terminada. Murió con 70 años en 1337, y fue enterrado en la cripta de la catedral. Su muerte provocó un estancamiento en el arte italiano.

Arte Islámico

Contexto

Musulmán

El arte islámico se conoce como el estilo artístico desarrollado en la cultura de la religión islámica. Tiene unidad estilística, el empleo de una escritura común con un desarrollo de la caligrafía que refuerza esta idea. Gran importancia a la geometría y a la decoración cúfica (caligrafía), lacería (polígonos) y ataurique (vegetal). En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas, tales como mezquitas y madrazas, siguiendo el mismo patrón básico. Además, no hay arte de la escultura ni pintura debido a la naturaleza iconoclasta.

Hispanomusulmán

Concretamente, el arte hispanomusulmán, andalusí o hispanoárabe son denominaciones historiográficas para el arte islámico que se desarrolló en al-Ándalus (la España musulmana) entre los siglos VIII y XV.

El Jardín

Introducción

Deriva de condicionantes físicos que se dan en su localización. La escasez de agua, la tierra árida y el calor intenso son determinantes para lograr un jardín con una atmósfera bien diferenciada de su entorno natural. La palabra pairidaeza, citada muchas veces en el Avesta (el paraíso persa), significa ‘jardín’. Pasó al árabe con la forma de firdaws y se transmitió a las lenguas occidentales.

Influencia

Dos lugares han influido en el jardín islámico:

• Persia: Se basaban en la abstracción geométrica de la idea de paraíso coránico y proponía el modelo adecuado al prestigio del sultán: lujo unido a la presencia constante de vergeles, estanques, canales y pabellones de recreo.
• Roma: Elementos de arquitectura romana como pórticos, columnatas y suelos pavimentados.

Características

Todos los jardines compartían elementos comunes y seguían los mismos patrones:

• Función simbólica: Tiene una función de ostentación de prestigio; su uso responde a la idea de placer sensual en una atmósfera de paz y, desde un punto de vista espiritual, un lugar que permite llegar a un estado de comunicación con Dios o de reflexión y entendimiento.
• Sensorial: Los elementos que estimulan los cinco sentidos. Se usan colores, texturas y esencias de especies vegetales, acabados y colores de los materiales del suelo y muros, o mediante el uso del agua en estanques, canales y surtidores.
• Arte ornamental: Atauriques, dibujos en relieve formados con yeso que representan motivos vegetales. La escritura árabe con frases del Corán. El empleo de material cerámico que aporta color y brillo. Y la existencia de estatuas en algunos jardines omeyas de Palestina y de Al-Ándalus.
• El modelo centrípeto: En el que el centro del jardín es el punto hacia el que convergen las tensiones del espacio. Como punto central, un pabellón ligero y de estructura abierta por sus cuatro lados, desde la cual se descubre el jardín en todas las direcciones.
• Agua: Elemento principal. Uso óptimo de la misma, mediante técnicas de recogida, almacenamiento y distribución, exaltándola en la composición: canales y los estanques que la contienen. Aparece tanto de forma estática como los estanques, como en movimiento circulando por los canales. Además, ofrece un fondo sonoro.
• Luz: Papel importante en los jardines. En la cultura islámica, símbolo de bondad, verdad y armonía. Así, cada elemento del jardín está pensado según su manera particular de absorber o reflejar la luz. Arquitectura: arcos y yeserías caladas introducen rayos y puntos de luz; azulejos vidriados o metalizados que producen destellos. El agua, como lámina de espejo, provoca luminosidad.
• Elementos vegetales: Según su disposición: disposición geométrica siguiendo los caminos, que ayuda a dirigir vistas; una composición sin orden geométrico en los cuadrantes, donde los arbustos y herbáceas se seleccionan por sus colores, texturas y aromas.

Tipos

• El jardín místico: La idea del jardín siempre ha estado vinculada a la visión de un lugar lleno de paz, generalmente localizado en el Más Allá, en el que hay ríos y en el que crecen abundantes flores y árboles. El Paraíso persa del Avesta, el Edén bíblico del Génesis, el Paraíso o Cielo evangélico, todos forman parte de un concepto de Jardín Espiritual. En el mundo islámico, el Paraíso espiritual es accesible al creyente en la otra vida, y está dividido en siete Paraísos o Jardines, y solo los místicos de almas selectas podrán alcanzar el Último Jardín.
• El jardín andalusí: El jardín andalusí es un lugar repleto de flores, plantas aromáticas, árboles, surtidores, fuentes, albercas y acequias, que invita al recogimiento y a la contemplación, que enfatiza el concepto de poder. Tuvieron un referente en el jardín persa, con grandes avenidas, canales, fuentes y pabellones en una vegetación exuberante. La dinastía omeya trasladó al occidente el amor por el jardín, combinando las inspiraciones orientales de horizontes amplios con el jardín cerrado rodeado de muros. En Al-Ándalus y el Magreb se crearon jardines-patio con un estanque o alberca central. Estaba formado por cuatro canalillos en ángulo recto que simbolizaban los ríos del Edén, y cuatro parterres rehundidos para contemplar mejor la vegetación desde los paseos. Abundaban flores y árboles aromáticos y ornamentales.