Análisis completo del Libro de buen amor: contexto, estilo y temas

Libro de buen amor

Libro de buen amor es la obra más importante del mester de clerecía del siglo XIV. Se conserva en tres manuscritos sin título, según los cuales habría sido escrita por un religioso, Juan Ruiz, que ejerció como arcipreste o administrador de parroquias en Hita. De ahí que el autor sea conocido como Arcipreste de Hita.

Contexto y finalidad

La obra se escribió en una época caracterizada por profundos cambios sociales y de valores. Este mundo en transformación puede explicar la ambigüedad del libro: no es ya del todo medieval, aunque en sus páginas la fe religiosa tenga un peso esencial; ni es aún humanística, pese a su vitalismo y su preocupación por el amor humano. El protagonista muestra al tiempo una sincera religiosidad y una concepción alegre y vitalista de la existencia.

Cuenta con un doble objetivo: enseñar y entretener.

Contenido y estructura

El tema central de la obra es el amor, en su doble naturaleza espiritual y sensual. El autor advierte sobre los engaños del amor carnal, pero invita a disfrutarlo y a gozar los placeres de la vida antes de la llegada de la muerte. Se recogen también otros asuntos como el poder del dinero o la fuerza del destino astrológico.

El libro comienza con un prólogo en prosa, donde se declara la intención de la obra: avisar sobre los peligros del loco amor. Siguiendo la tradición medieval de la autobiografía amorosa, el protagonista relata en primera persona una serie de aventuras con mujeres de muy diferente condición, aventuras en su mayoría fracasadas. Para conseguir el amor de alguna de ellas recurre a los servicios de una alcahueta, Trotaconventos.

Características formales

La heterogeneidad en el contenido se ve reflejada también en la diversidad métrica, que revela a un escritor que conoce muy bien las variedades literarias de su época. Las composiciones narrativas están escritas en cuaderna vía, añadiendo al verso alejandrino algunas estrofas con versos de 16 sílabas.

Respecto al lenguaje y al estilo, destaca la enorme variedad de recursos, tanto cultos como populares. Su formación escolar y su dominio de la retórica explican recursos como las antítesis, anáforas, interrogaciones retóricas, paralelismos. De raíz popular son los chistes, coloquialismos, deformaciones humorísticas de palabras, hipérboles y refranes.

La poesía cortesana

Durante los siglos XV y XVI surgen en las cortes de reyes y nobles la moda de los cancioneros, colecciones reunidas bajo la protección de monarcas y aristócratas en las que se recogen imitaciones de poesía tradicional y composiciones cultas.

Herederas de la poesía trovadoresca y de la obra de poetas italianos como Dante o Petrarca, el tema más frecuente es el amor cortés.

El modelo más directo de las composiciones cancioneriles será Francesco Petrarca (siglo XIV). Su idea del amor como algo inevitable y su concepción del cancionero individual como una especie de autobiografía amorosa influyeron decisivamente en la poesía a partir del siglo XV.

Además de los cancioneros colectivos, 3 son los principales autores: el Marqués de Santillana, Juan de Mena y Jorge Manrique.

Cancioneros colectivos

• Cancionero de Baena: recopilado por Juan Alfonso de Baena para el rey Juan II de Castilla, presenta una gran diversidad de tendencias poéticas.
• De Estúñiga: compilado en la corte aragonesa de Alfonso V, muestra una menor influencia de la poesía italiana.
• General: reunido por Hernando del Castillo, recoge la obra de poetas de la época de Enrique IV y los Reyes Católicos.

El estilo se caracteriza por la artificiosidad, la complejidad conceptual y la tendencia al virtuosismo técnico.

Marqués de Santillana

Íñigo López de Mendoza, más conocido por su título de Marqués de Santillana, fue uno de los aristócratas más poderosos de su tiempo, la primera mitad del siglo XV. Se formó en la corte de Alfonso V de Aragón y fue hombre de gran cultura y curiosidad intelectual. Llegó a atesorar una rica biblioteca y compuso una abundante obra literaria.

Destacan dos obras:

• Sonetos fechos al itálico modo: intento de adaptar al castellano el endecasílabo italiano.
• Las serranillas: breves poemas herederos de la lírica tradicional que relatan en tono realista el encuentro de un caballero con una pastora rústica o serrana.

Poesía crítica y satírica

En el siglo XV conviven la poesía culta cortesana y cancioneril con algunas obras de contenido satírico como las Coplas de Panadera, de Mingo Revulgo, con temas sociales y críticos.

Cabe destacar la Danza de la Muerte, en que la Muerte va invitando a personajes de distintas clases sociales a su macabro baile. Va señalando sus defectos y sus vicios, y haciendo hincapié en su poder igualador, que no distingue entre ricos y pobres.

Jorge Manrique. Coplas a la muerte de su padre

El poeta más relevante de la lírica del siglo XV es Jorge Manrique, que participó en la vida política y cortesana de la época. Su labor poética y su educación literaria se vieron por la influencia de su tío, el escritor Gómez Manrique.

Se han conservado tres poemas, composiciones amorosas en la línea de la poesía cortesana y las Coplas a la muerte de su padre.

Contenido

Las coplas son una elegía en la que la muerte del padre, don Rodrigo Manrique, suscita en el poeta una sentida reflexión sobre la vida y la muerte. Aunque se integran en toda una corriente artística europea que aborda el tema de la muerte, se alejan de la visión macabra de otras obras como las danzas de la muerte para ofrecer unos versos llenos de emoción y sentimiento.

Utiliza en esta obra una serie de tópicos:

• Menosprecio de la vida terrenal: La prioridad de la vida eterna, la única verdadera, conlleva el desprecio de un mundo donde todo es vanidad de vanidades y el único mérito es el de ser camino que nos lleva al otro mundo. Se relaciona con la idea del memento mori.
• Ubi sunt?: ¿Dónde están? Pregunta dónde han ido a parar los personajes y hechos que en su día fueron célebres.
• Tempus fugit: el tiempo huye, hace referencia a la brevedad de la vida y se relaciona con la idea de que la Fortuna es variable.
• Poder igualador de la muerte: la igualdad ante la muerte es un concepto muy divulgado en la época a través de las danzas de la muerte.
• Fama de los hechos gloriosos: Se consigue gracias al cumplimiento del papel social adjudicado a los nobles. Constituye una vida más duradera que la existencia terrenal, aunque inferior a la eterna.

Estructura

Desde las ideas generales al caso concreto de la muerte del padre:

• 1ª parte (coplas I-XIV): Manrique medita sobre la igualdad ante la muerte y la fugacidad de lo mundano, y expone la visión cristiana de la vida, atenta siempre a la eternidad.
• 2ª parte (XV-XXIV): desarrolla el tópico del Ubi sunt?, ejemplificándolo con casos de personajes ilustres y sucesos de la historia castellana.
• 3ª parte (XXV-XL): el poeta glorifica a su padre, el maestre don Rodrigo Manrique, quien aparece como ejemplo de caballero cristiano. Gracias a sus hechos gloriosos y a la fama conseguida con ellos, triunfa sobre la Muerte y deja un gran consuelo a sus parientes.

Características formales

La obra está escrita en coplas de pie quebrado, estrofas formadas por dos sextillas con rima independiente en cada una de ellas. El pie quebrado introduce un corte en el discurso y aporta solemnidad al ritmo del poema.

En cuanto al estilo, destaca su sencillez, naturalidad y lenguaje llano. Manrique se caracteriza por su concisión, por el empleo de antítesis, juegos conceptuales y utiliza de forma original elementos tomados de la tradición literaria.

tradición literaria.